100 najlepszych japońskich filmów wszechczasów

Po pierwsze, chciałbym poświęcić trochę czasu na zaszczytne wyróżnienia i bliskie porażki: pracowite Unoszące się chmury Miko Naruse, Gdy kobieta wspina się po schodach, Tęsknota i bardziej wybaczalny Dźwięk góry nie dały rady. Próbowałem zostawić mu dużo czasu, by ogrzać się jego pracą, ale ciągle mnie to nie interesuje, przykro to powiedzieć. Tampopo, Castle of Sand, The Man Behind the Sun, Angel’s Egg, Belladonna of Sadness i The Taste of Tea również niestety nie pasowały do ​​mojej kinowej palety. Aby odciąć przypływ pływowy w przypadku nadmiaru Akiry Kurosawy i Yasujirō Ozu, nie uwzględniłem ich wspaniałego Bezpańskiego Psa, Skandalu czy Kagemushy; ani też wyraźnie płodnych Ozu I was Born But & hellip ;, Early Summer, Late Autumn, The Only Son, The End of Summer, The Flavour of Green Tea over Rice i A Hen in the Wind.

Pamiętaj, że ta lista jest dla najlepszych filmów: więc żaden z tych filmów tak naprawdę nie osiągnął 100 miejsca. Chciałem tylko docenić ich jakość pośród wielu innych klejnotów. Podobnie nie ma solidnych, ale ostatecznie niezadowalających świń i okrętów wojennych Shohei Imamury, Pornografów i człowieka znika, wraz z pięknym zamachem stanu Yoshishige Yoshidy i Wichrymi wzgórzami, pokorną pożogą Kon Ichikawy, sercem i dziesięcioma czarnymi kobietami, a także Hirokazu Koreeda dotykając After Life, Like Father Like Son and Nobody Knows & hellip; wszystko to sprawiło, że nie mogłem się doczekać poszukiwania After the Storm, kiedy to się skończy. Na koniec chciałbym poświęcić chwilę, aby porozmawiać o pracy Siona Sono: Pomimo sfrustrowanej wytrwałości i rozpaczliwej nadziei - nie mogę powiedzieć, że żadna jego część, którą wypróbowałem, była warta wysiłku. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance i okropnie biedna Love Exposure są niewypałami, zwłaszcza tym drugim - co było najgorszym filmem, jaki widziałem podczas tej podróży po japońskim kinie. Nie do zniesienia.

Porzucając to: zacznijmy. Oto lista najlepszych japońskich filmów, jakie kiedykolwiek powstały.

100. Gate of Hell (1953)

Gate of Hell’s, luksusowo wyposażone przedsięwzięcie z epoki, polega na wspaniałej palecie wzorów. Wyreżyserowany przez Teinsuke Kinugasę, najbardziej znanego ze swojego punktu orientacyjnego z 1926 roku Strona szaleństwa , to mocno zraniona opowieść, która wymaga około dwóch prób w pełni docenić, zwłaszcza w przypadku zachodnich recenzji, które nie są zaznajomione z honorowym kodeksem feudalnej Japonii - ale nagradzane są bogato zdobionymi zwrotami akcji i złowieszczymi wskazówkami na temat nadprzyrodzonego zagrożenia, do którego nawiązuje tytuł.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972… 74)

Dziwny pretendent do króla serii komiksów, Samotny Wilk i Cub śledzi wygnanego kata i jego młodego syna w siedmioczęściowej serii filmów, z których wszystkie składają się na to miejsce na liście. Część III: Wózek dziecięcy do Hadesu i część VI: Białe niebo w piekle są najsilniejsze w moim umyśle - chociaż każdy z nich jest wart obejrzenia i nowo dostępny w Criterion Collection od tego roku. To wybór ciepłych postaci z kuszącą akcją i humorem, które przyćmią wszelkie formalności w narracji - wszystkie warte obejrzenia i więcej niż warte stworzenia tutaj własnej przestrzeni.

98. Ichi the Killer (2001)

Skandaliczne, a nie skandaliczne, nieustraszona fala stylu Miike podważa każdą potrzebę treści, skupiając się na zepsuciu i ekscesie od samego początku i wypełniając obietnicę bólu i rozlewu krwi do tego stopnia, że ​​niewiele filmów z legalnej strony linii może nawet zrozumieć. To cudownie głupkowata zabawa z odrobiną ciemności tak ekstremalną, że trzeba traktować ją poważnie. Nie mogę powstrzymać się od szacunku Ichi the Killer za to, że czuje się tak swobodnie w swoim własnym absurdzie - i chociaż tytułowa postać okazuje się być banalnym nudziarzem, Miike znajduje wystarczająco dużo rozpędu na wczesnych etapach, aby przejść do mety ze mną za każdym razem zdezorientowany, skonsternowany i całkowicie zafascynowany tym doświadczeniem.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, człowiek stojący za antologią przestępstw Bitwy bez honoru i człowieczeństwa , jest artystą, który wyraża tutaj przenikliwą cechę, tak wspaniałą w szerszym kinie japońskim: nie boi się tworzenia filmów gatunkowych. Battle Royale został zaprojektowany jako wyjątkowo głupia satyryczna komedia i chociaż po drodze uderza w humanistyczne ślady, rzeki rozprysków i nienagannej komediowej synchronizacji, którą Fukasaku przywiązuje do nawet najbardziej chorobliwych sytuacji, sprawiają, że film jest absolutnym wybuchem. Szczególnie godna uwagi jest kolej Takeshiego Kitano, która porzuciła wszelkie pojęcia szacunku na rzecz totalnego ataku na dowcip i gust. Battle Royale jest bałaganiarski, to prawda, ale sposób, w jaki niestrudzenie przegrupowuje się raz po raz przed kolejnym atakiem na sceptyka, jest wspaniały. Fukasaku bez wahania rozumie obuch, który trzyma w dłoniach i wymachuje nią z pełną siłą. Fakt, że był to jego ostatni film, nadaje pewną godność przedsięwzięciom tego mężczyzny - samobójcza misja uderzająca w śmieszną kość, którą trzeba było zapaść w śpiączkę, aby przynajmniej raz lub dwa razy nie poczuć kłucia. Niezbędna rozrywka.

96. Godzilla (1954)

Klasyczny film o potworach, który może rywalizować z takimi filmami jak King Kong i każdym ze znakomitych oryginalnych programów Universal, przynajmniej pod względem skali. Godzilla nie ma do końca człowieczeństwa i dowcipu Niewidzialnego Człowieka ani okrutnej tęsknoty Stworzenia z Czarnej Laguny - ale jest fajny. Oglądanie wielkiego mężczyzny w śmiertelnie trudnym garniturze przemierzającego miejską Japonię do dziś jest wciągającym przeżyciem, przede wszystkim ze względu na jego nieuchronnie skromny urok. Czuje się w tej chwili i pomimo jego gwałtownych efektów datowania, jest więcej niż mile widziane, aby pozostać tam jako relikt ery dawno utraconej - a teraz jest lepszy czas niż ktokolwiek, aby mieć nadzieję, że zamaskowany przywódca Haruo Nakajima spoczywa w pokoju.

95. Crazed Fruit (1956)

Założyciel japońskiej nowej fali, Szalone owoce skupienie się na płomieniu młodości staje na nogi dzięki prostej opowieści, która wykracza daleko poza jej skromne parametry: przeskakiwanie przez płot dwóch zakochanych w tej samej kobiecie mężczyzn, aby odzwierciedlić wrażenia z całego powojennego pokolenia. Ci ludzie są zaciekli, niezależni i zdesperowani, by udowodnić, że są zranieni przez powtarzające się profanowanie wartości ich narodu. Znajduje niszę opowiadania historii, która rykoszetuje w kontekście społecznym i politycznym - i reprezentuje szerokie pierwsze kroki Nowej Fali. Kontynuując tę ​​listę, zobaczymy, że długowieczny ruch na zawsze zapuścił się do wewnątrz - zafascynowany lub przestraszony, znajdując w ten sposób narrację nie o narodach - ale o seksualności, perwersji, przemocy, chciwości, nadprzyrodzoności i psychozie. Druga wojna światowa może nadal czaić się w tych opowieściach, ale uważam za intrygujące, że podchodzenie do niej tak otwarcie, jak Szalone owoce did ostatecznie spotkał się z większym skupieniem niż eksplozją tematu.

94. Życie Oharu (1952)

Nasz pierwszy film autorstwa Kenji Mizoguchi, Życie Oharu dowodzi klasycznie poruszającego studium postaci, które sprawia, że ​​jego bohaterka odzwierciedla sytuację kobiet w powojennej Japonii, co Mizoguchi robił znakomicie przez całą swoją karierę. Ekspansywny, złożony dramat, który wykorzystuje czas, aby podkreślić trudną sytuację, która szybko staje się przedmiotem jego zainteresowania, Mizoguchi produkuje jedno ze swoich najlepszych dzieł wyłącznie ze względu na sposób, w jaki tak humanistycznie zapina się i zrywa z samą Oharu - reżyserką poruszoną przeciwnościami, z którymi się boryka. To właśnie ta relacja, która przecieka prosto przez ekran, pozwala filmowi wydobyć dramat poza wiarygodność.

93. Dreams (1990)

Odpisane z tyłu jego własnej podświadomości, Akiry Kurosawy Sny to malarskie przedstawienie wnętrza umysłu jednego mężczyzny: luźno porównywalne z Pasterski z wyjątkiem braku wrażliwości Nowej Fali na rzecz bardziej wyważonej, spokojnej eksploracji nocnych wędrówek Kurosawy. Powstała kolekcja winiet ujawnia coś surowego i wyjątkowego w sposobie, w jaki życie jest filtrowane przez soczewki naszej podświadomości - i może to być najbardziej szczery film, jaki Akira Kurosawa kiedykolwiek nakręcił. Jasny, uroczy mały klejnot.

92. Funeral Parade of Roses (1969)

Szeroko otwarte spojrzenie reżysera Toshio Matsumoto na temat Edypa Rexa (być może najlepsze kino, jakie ma do zaoferowania), Parada pogrzebowa róż wyznacza przełom w alternatywnej seksualności i obrazach kwestionujących płeć w japońskim kinie - i sprzedaje się bez granic, które zmieniły dzisiejszy ruch. To zarówno celebracja, jak i krytyka ludzkiej ekspresji, rozumienie zagubienia, z jakim borykają się jego bohaterowie, oraz przyjmowanie własnych decyzji z pokorą i radością. To krytyczne przypuszczenie konfliktu jest tym, co definiuje Parada pogrzebowa róż Sukces i chociaż nie sądzę, by było to ukoronowanie zmarłego Matsumoto, sposób, w jaki bronił swoich poddanych w tak szczerze błędny sposób, jest czymś, czego wszyscy moglibyśmy się dziś nauczyć.

91. Paprika (2008)

Film Satoshi Kona z 2008 roku jest często porównywany do filmu Chrisa Nolana Początek - oba oparte na koncepcjach inwazji snów i przymusu. Myślę, że kluczową różnicą, która pozostawia fanów podzielonych na barykadę, jest fakt, że próba Nolana ma większy rezonans emocjonalny i skupienie się na postaci - ale wszystko to grzęźnie w żmudnej strukturze. Kon pisze przez 85 minut i wypełnia każdą klatkę odurzającą energią i pomostem kolorów między warstwami z taką swobodą i elastycznością w opowiadaniu historii, że gęstsza praca Nolana po prostu nie nadąża. W końcu oba są solidnymi przykładami rzemiosła i pomysłowości - ale jeśli chodzi o to, co wolałbym założyć pod koniec ciężkiego dnia, nie ma konkurencji. I odkryć szeroki wachlarz twórczych mocy Papryka ma w swoim arsenale, a nie tylko zabawny smak Incepcji - wystarczy chwycić Blu-ray i zagrać w grę.

90. Ecstasy of the Angels (1972)

Jako ruch obejmujący całą branżę, czuję, że dominujące punkty japońskiej Nowej Fali obracały się w oparciu o seks i przemoc. Oba są nieodłączne od życia i sztuki - elementy, które nadal kształtują światowy dorobek kinowy - ale wydaje mi się, że niewiele filmów porusza je w sposób zaangażowany. Ecstasy of the Angels rozumie, że to własna wulgarność. Ciągłe zajmowanie się przez reżysera Kōjiego Wakamatsu tak ekstremalną tematyką dało mu możliwość doskonalenia przedstawiania brutalnie brutalnych osobowości - a rezultatem jest szalona eksploracja w stylu Sid & Nancy w anarchicznej utracie siebie, a także gorzki odcień romansu wrzucony w blender. Niezależnie od widoku na końcu, to szalona przejażdżka.

89. Ozdobna spinka do włosów (1941)

Spośród wszystkich przedwojennych artystów, których pamięć jest abstrahowana przez czas, Hiroshi Shimizu jest prawdopodobnie najważniejszym z tych, którzy pilnie potrzebują ponownego odkrycia. Pomimo hojnego wydania Eclipse przez kolekcję Criterion (trudny do zdobycia i grania w dowolnym miejscu poza Ameryką), wydaje się, że jest źle wymieniany wśród najważniejszych reżyserów tamtego okresu i absolutnie wierzę, że powinien być orędownikiem. wśród najlepszych z nich. Ozdobna spinka do włosów został wydany, gdy Japonia wciągała Amerykę do drugiej wojny światowej, a jednak jest przepojony nadzieją i prostotą, która nawiązuje do bardziej cywilizowanej epoki - lub przynajmniej przemawia do pacyfizmu, który Shimizu mógł przeżyć z dnia na dzień - ignorując konflikt uważa za barbarzyńskie i przeciwstawia się ówczesnemu wizerunkowi Japonii. Bez mącenia tego opisu w zbyt wielu politykach, Ozdobna spinka do włosów należy do najlepszych funkcji stworzonych przez Shimizu i to jego trwały minimalizm zapewnia piękny, dyskretny rezonans.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Nie wątpię, że spotkałem się z powszechnym witriolem za umieszczenie tak powszechnie podziwianego klasyka tak nisko - ale trzeba powiedzieć, że wśród niezliczonych tysięcy Ugetsu Monogatari wciąż zalicza się do 100 najlepszych japońskich filmów, jakie kiedykolwiek powstały. Wyraźnie odczuwam niechęć do wyznanego arcydzieła Mizoguchiego: utrzymująca się rana o czasami zbyt prostym kierunku, która często niszczy jego tak często doskonałą sztuczność i rujnuje wszystkie poprzednie efekty. To powiedziawszy, skłamałbym, gdyby nie wspomnieć, jak wyjątkowo fascynujący był dla mnie ten film, kiedy byłem młodszy i pomimo rozczarowującej serii rewizji w ostatnich czasach, magicznych momentów, w których wszystko układa się na swoim miejscu i cudownie skomponowanego Mizoguchiego, Filmowo wciągająca i ostatecznie ludzka atrakcja wróciła do moich żył. Ugetsu Monogatari Wślizguje się na listę po części dlatego, że jest to przełomowa praca, a szkoda, ponieważ jestem dumny z tego, że przedkładam osobiste preferencje nad status: Ale sedno sprawy polega na tym, że chcę ją pokochać. Któregoś dnia uczucie może powrócić, a arcydzieło Mizoguchi wzrośnie jeszcze wyżej. Czas pokaże.

87. Inferno of First Love (1968)

Śledzenie podobieństw w jego koncepcji prosto do podobnych Zdyszany i medytacyjne towarzystwo Erica Rohemera w Moja noc u Maud od trwającego Nouvelle Vague, Piekło pierwszej miłości to cicha, pięknie absorbująca obserwacja pary stawiającej pierwsze wspólne kroki oraz zapraszającego, namiętnego, posępnego, zimnego, często pustego powietrza, które wisi wokół nich, gdy próbują okiełznać więź, którą tytuł filmu tak śmiało obiecuje widzom. Jest to niewymagające konserwacji dzieło sztuki, które nagradza widzów pacjentów poruszającą się ludzką interakcją.

86. Cure (1997)

Edycja w Lekarstwo jest śmiertelny. Dochodzi do punktu, w którym chcesz odwrócić wzrok. Kurosawa wypełnia publiczność ukrytym zrozumieniem bezlitosności swojego filmu w sposobie, w jaki przecina rutynę domową i spryskane krwią zwłoki równie naturalne jak oddychanie; i to właśnie ta wyjątkowo zimna, niemal psychotyczna akceptacja śmierci za życia sprawia, że ​​kwestionuję jego czołowego oficera, Takabe, i to, jak piekielna jest sytuacja dotycząca przemocy w Japonii, która przyzwyczaiła się do brutalnych zabójstw. Podczas gdy porusza się powolnym pełzaniem, które zaczyna osłabiać zadyszane napięcie, które Kiyoshi Kurosawa był w stanie wdychać w kawałek, Lekarstwo jest nadal bardziej niż wartościowym dodatkiem do jego silnego kanonu filmowego.

85. Zły sen dobrze (1960)

Najsłabsza szekspirowska adaptacja Akiry Kurosawy pozostaje jednym z jego najsilniejszych filmów, luźno śledząc historię Hamleta z brzuchem krytyki korporacyjnej, która czeka na skrzydłach. W porównaniu z innymi wersjami, pomimo swojej stycznej, BSW jest słabym wykonaniem szanowanej sztuki, której kompozycja wypełniona dialogami nie oddaje szerokości i wagi dramatu Szekspira - chociaż kultywuje wyjątkowo kurosawski styl opowiadania, który dodaje dodatkowy wymiar do materiał źródłowy i wykuwa cudownie zniewalający rytm narracji. W sumie bardziej nowoczesny i trzymający w napięciu niż jego inspiracja, The Bad Sleep Well to pozycja obowiązkowa dla fanów Kurosawy spragnionych umiejętności i subtelności jego współczesnych wysiłków.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Odbiór Tetsuo ze słabym brzuchem to jak strzelenie bez kamizelki. Jajecznica razem z bałaganem złomu rekwizytów, zagraconymi planami i bolesnymi efektami specjalnymi - jest żywa Tetsuo: The Iron Man’s pogoń za nieprzyjemnością, która czyni ją godną podziwu. Szanuję taniość, z jaką poradzili sobie jej twórcy, aby osiągnąć jak najbardziej upokarzające doświadczenie: szokujące ich dudniącą mieszanką dźwięków i brudną monochromatyczną grafiką, która rzuca to, co znamy, w sferę zagadki. Czarno-białe maluje nawet najbardziej rozpoznawalne przedmioty, które tworzą Tetsuo’s świat jako przerażające bastiony nieznanego, czołgające się pod szczeliny i przyczepiające się do nas, aby rozpocząć metamorfozę mutacji, zarówno gwałtownej, jak i nieuchronnie obrzydliwej. To praca, która nie troszczy się o delikatną wrażliwość publiczności - i dokładnie tym powinien być dobry horror dla ciała. Tetsuo: The Iron Man jest bez wątpienia jednym z najlepszych.

83. Czarny deszcz (1989)

Dziwnie osadzony w czasie film, zważywszy, że jest współwystępujący z własnym traktatem Isao Takahaty o ofiarach śmiertelnych bomb atomowych zrzuconych w kulminacyjnym momencie II wojny światowej i zajmuje się podobnymi tematami, Czarny deszcz niższość względem cudowności Grave of the Fireflies w żaden sposób nie oznacza, że ​​należy go lekceważyć. Jeśli już, legiony wielbicieli, które słusznie gromadzą się wokół twórczości Takahaty, również powinny się tu gromadzić. Pierwszy film Shohei Imamury na tej liście, Czarny deszcz przedstawia głęboko tragiczne, skrupulatnie osobiste spojrzenie na ciężar wybuchu nuklearnego: Walka z poczuciem winy ocalałego, ostracyzmem, żalem, utratą i akceptacją wydarzenia oraz jego poważnymi konsekwencjami w taktownie prostym stylu charakterystycznym dla Imamury, czyli na swój sposób tak samo uderzające i natychmiastowe jak Hiroszima, moja miłości senna klarowność.

82. Humanity and Paper Balloons (1937)

Formalistyczny klasyk w tej samej dziedzinie, co czcigodny dorobek Kenjiego Mizoguchiego, z tą różnicą, że tutaj równie szanowany reżyser Sadao Yamanaka zachowuje pokorę, od której każdy planujący wkroczyć w świat kina może się nauczyć. Jego inne słynne zdjęcie, Million Ryo Pot , to stosunkowo spokojna, trzeźwo skomponowana i fachowo udramatyzowana opowieść - choć myślę, że jej przewaga trafia do celu Ludzkość i papierowe balony ponieważ udaje mu się szerzej opowiedzieć o istocie codziennego życia. Komfort, jaki daje jej figlarnie ambitny tytuł, odbija się echem w każdej klatce i chociaż nie jest to film, który wydał mi się niezwykle fascynujący, a nawet cierpliwie poruszający - jest tu coś, co wymaga zegarka.

81. Cisza (1971)

Na podstawie tej samej powieści, którą ostatnio zajmował się Martin Scorsese, Masahiro Shinoda Cisza służy jako fascynujące światło na różnice między zachodnim i wschodnim stylem filmowym. Pozornie stoicki, ostry ton Scorsese zostaje złagodzony na rzecz znacznie skromniejszego spojrzenia pod pilną ręką Shinody, pozwalając na sierść wyrzutów sumienia i sentymentalizmu w skądinąd wciągającej naturalistycznej, okrojonej wersji książki. Scena, która podkreśla zręczność Shinody w tworzeniu ziemskiej atmosfery dla jego religijnej opowieści bez potrzeby manipulacji, ma postać starej kobiety śpiewającej do pokoju pełnego ludzi: ledwie słowo wypowiedziane rezonuje z historią, która jest w zasięgu ręki, ani żadne dalsza charakterystyka przekazana - a mimo to nadaje reszcie filmu nieuniknioną witalność, która tak sugestywnie ugina się pod ciężarem udręki i desperacji, z którymi mierzą się kapłani i ich uczniowie. Niedoceniany i pociągający, jego pokora przewyższa każdego dnia legendarny włosko-amerykański reżyser dla mnie.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Natychmiast utrudniając sobie sprawę, Idź Idź Drugi raz Dziewico kończy 65 minut pracy jedną z kilku nieprzyjemnych scen gwałtu. Stworzenie narracji z nieoczekiwanego związku dotkniętej chorobą młodej dziewczyny z równie młodym, niespokojnym zabójcą, który oglądał z daleka - krótkie, ale żywotne dzieło reżysera Kōjiego Wakamatsu definiuje się przez to, że nigdy nie przywiązuje do tej pary konwencji narracyjnej. Pozostawiony samemu sobie, objawieniom i rozmowom, film w zaskakujący sposób wykorzystuje swój obficie niski budżet z często skuteczną kompozycją w charakterze japońskiej Nowej Fali - a także konfrontacyjne przedstawienie przemocy seksualnej o wiele bardziej wciągające, gęste i prorocze niż Nagisa. Niesławne artystyczne niewypały Oshimy z 1976 roku (i to hojnie mówiąc) W królestwie zmysłów .

79. The Sinners of Hell (1960)

Oznaczony mniej niż intuicyjnym skryptem i nijaką fabułą, Grzesznicy piekła nadal udaje mu się wyrzeźbić swoje miejsce na tej liście ze względu na wyjątkową kontrolę nad sztucznością. Każda klatka jest przesiąknięta wilgotnym oświetleniem i pomalowana mroczną paletą kolorów, czasami przerywaną przebijającymi się czerwonymi ukłuciami, które subtelnie przypominają o nadchodzącej agonii. Zobaczysz, Jigoku to gra na czekanie: film, który czeka w monotonnym świecie rzeczywistym przed zanurzeniem się w piekle. Doskonała scena otwierająca daje widzom powiew krwi, który niepewnie kusi w każdej innej scenie, aż w końcu możemy sami doświadczyć Tartaru: kawalkada oszałamiającej scenografii, wspaniałych kolorów, nadmiernych dodatków i prawdziwej paniki, gdy postacie mają czas na rozważać konsekwencje swoich czynów. Tak więc, choć żmudne, wynagrodzenie to nagradza nas oglądaniem nakazów Grzesznicy piekła przynajmniej raz - za mało w kinie dorównuje wewnętrznie skonfliktowanej, niesamowicie martwej wizji podziemi.

78. Dwadzieścia cztery oczy (1954)

Podążając za matriarchalnym miejscem młodej kobiety na czele klasy uczniów i jej konsekwencjami dla otaczającego społeczeństwa, Dwadzieścia Cztery Oczy to feministyczny tekst, któremu brakuje transcendentalnej neutralności płciowej czegoś tak mistrzowskiego jak Jeanne Dielman, ale zachowuje swoje miejsce jako ważny praca nad mocnym centralnym występem Hideko Takamine i narracyjnym utworem w stylu Thiasos, który trwa od 1928 do 1946 r., w szerokim badaniu polityki wewnętrznej i progresji percepcji na przestrzeni lat od pokoju do wojny.

77. Mr Thankyou (1936)

Taktowna medytacja Hiroshiego Shimizu na temat naszych interakcji, Panie Dziękuję podąża za grupą ludzi w autobusie i odkrywa wszelkiego rodzaju emocjonalny charakter podczas godzinnej podróży do celu (na szczęście odwrócenie się od autobusu, który zakończyłby się znacznie mniej płynnie nieco później na tej liście). To czarujący portret poezji w życiu codziennym, który wznosi się ponad wiele bardziej powierzchownie ambitnych filmów z tej listy, ponieważ potrafi siedzieć i mówić przez nieco ponad 60 minut, nie tracąc ani chwili. Mały skarb.

76. Ulica wstydu (1956)

Balansując na skraju opusu, Kenji Mizoguchi’s Ulica wstydu jest jednym z wielkich łabędzi pieśni - takim, który czerpie ze wszystkich kinowych doświadczeń mężczyzny do tej pory w jego karierze i łączy je w aktualną, charakterystycznie staranną i niezwykle ludzką pracę. Żyjąc w burdelu u schyłku legalności prostytucji w Japonii, Mizoguchi tworzy przepięknie poruszającą się maskę konfliktu i pozornej „amoralności”, biorąc pod uwagę jej prawdziwe oblicze, które przebija percepcję i pozwala nam dostrzec uprzedzenia z przeszłości. W dzisiejszych czasach publiczność często rozkoszuje się postaciami wyraźnie antybohaterycznymi lub niesprawiedliwymi pod względem karnym dzięki błyskotliwemu blichtru GoodFellas i inne lewicowe, często radośnie sadystyczne portrety postaci moralnie niezdrowych. W 1956 roku, zwłaszcza w okresie przejściowym - taki film musiał być niespotykany. Kobiety Ulica wstydu po prostu próbują żyć - i to sprawia, że ​​ich brzemię jeszcze bardziej łamie serce.

75. Pływające chwasty (1959)

Słusznie uważany za jedno z największych osiągnięć Ozu jako artysty lat 1959 Pływające chwasty śledzi podróżującą trupę wykonawców i problemy rodzinne, z jakimi borykają się podczas podróży - zwłaszcza spotkanie wcześniej rozdzielonych imprez, które grozi uwolnieniem lukratywnego zespołu teatralnego. Jest tak samo potężny, jak najlepsze filmy Ozu, ale nie zgadzam się z pewną ilością narracji, zwłaszcza strukturą. W porównaniu z niektórymi późniejszymi filmami Ozu, które tu napotkamy, nie jest w stanie ich powstrzymać - ale przynajmniej jest miarą tego, jak utalentowanym artystą był to Pływające chwasty nadal udaje się przebić pierwszą 75 w świetlistej, kontemplacyjnej formie. Wciąż nowatorski.

74. Pastoral: to Die in the Country (1974)

Shūji Terayama Pasterski jest wzniosłym ćwiczeniem w dziwactwie. Byłoby naiwnością, gdyby ktokolwiek nazywał tę konkretną gałąź dziwacznego „surrealistycznego”, ponieważ Pasterski jest o wiele mniej subtelny: zawiera krótki czas trwania pełen absurdalnych komedii i fantastycznych obrazów, które przywołują wspomnienie, którego reżyser doświadczył w przyszłości. Niezrozumiałość takiej inspiracji jest niewielka w porównaniu z jej fabułą i ideami - choć, podobnie jak w jego wcześniejszym dziele Terayama, swoboda fabuły w żaden sposób nie umniejsza doświadczenia, które próbuje zapewnić - i jeśli jego magnum opus próbuje wyrazić złość i pasja zniechęconego młodzieńca to jego bardziej osobista kontynuacja: eksploracja fascynującego umysłu, wspaniale sfotografowanego i ciepło zrealizowanego. Łatwo zrobić dziwny film, ale potem akcentuje wpływ wirtuozerii wizualnej osobowością, techniką i zdolnościami reżyserskimi, co osiąga tutaj mężczyzna. To naprawdę coś do zobaczenia.

73. Perfect Blue (1998)

Definiujący okrzyk talentu animatora Satoshi Kon, Idealny niebieski odnajduje fizyczność w wewnętrznej walce emerytowanej idolki popu, próbującej uchwycić swoją nową tożsamość - wszystko to jest uwikłane w nieustannie ewoluujący impuls współczesnego świata. Wizualna wrażliwość Kona prowadzi do zarówno wspaniałych, jak i niestety przesadzonych kinowych momentów - ale myślę, że odurzający projekt narracji Idealny niebieski odnajduje w nieustępliwości, z jaką jej bohaterka torturuje samą siebie, a czyniąc to, jest torturowana, wypycha ją poza wszelkie reżyserskie czkawki. To utwór metafizyczny, który pozwala sobie na urzeczywistnienie horroru - który przesuwa granice tradycyjnych animowanych funkcji na rzecz czegoś całkowicie mroczniejszego i niepokojącego ze względu na swoją odwagę. Wbrew sobie Kon nie stroni od rzeczywistości w swoim przedstawieniu psychicznej degradacji - i to właśnie zakotwicza dawne inaczej dylematy Idealny niebieski do dzisiaj. Fascynujący, często kłopotliwy eksperyment animacji.

72. Ciemna woda (2002)

Bezpośrednia ewolucja tego, co przerażające Ringu , Hideo Nakata’s Ciemna woda reprezentuje drugi i być może jedyny hit reżysera - i taki, który jeszcze bardziej rozszerza jego styl. Jest zaszczycony dojrzałością, która wymyka się wielu J-Horrors, wzmacniając siłę tego dramatu z chytrą dbałością o równowagę i precyzję, której pomniejsi artyści nie byliby w stanie pojąć. To pulsująca pogoń za jakimś niewidzialnym celem odbija się echem w każdej scenie i zamienia nieuchronność w broń nie tylko strachu, ale także kompulsji.

71. Yûkoko: Rytuał miłości i śmierci (1966)

Yûkoko: rytuał miłości i śmierci jest niesławny z kilku powodów, a mianowicie dlatego, że jego reżyser Yuiko Mishima również popełnił samobójstwo przez seppuku po nieudanym przewrocie wojskowym. Ten człowiek był podstawą najlepszego filmu Paula Schradera, Życie w czterech rozdziałach i koncentruje się na tym, co jest ewidentnie fascynującym tematem - wykorzystując inscenizację Noh i mocną kompozycję, aby wyznać swoje bezsłowne przesłanie. Efekty specjalne wywołujące pisk, jak na tamte czasy, robią ogromne wrażenie, symulując akt Harakiriego z zaskakującym efektem i stanowiąc doskonałą interpunkcję patriotyzmu Mishimy. Bez kapitulacji.

70. Akira (1988)

Lśniący, ozdobiony neonami punkt orientacyjny japońskiej animacji i jej przenikanie do międzynarodowej sceny centralnej, Akira wyznacza rewolucyjny punkt w anime i nawet dziś zachwyca błyszczącymi kolorami, uroczym futuryzmem i amorficzną, ohydną, ponurą transformacją tytułowej postaci. Podczas gdy struktura opowieści jest zaśmiecona dodatkowymi notatkami i nie jest w stanie znaleźć wyraźnego kierunku, w którym mógłby się rozwijać, pojawiająca się realizacja Akiry Akcja i bardziej imponujące wyczyny animacji sprawiają, że jest tak wpływowa i agresywnie wciągająca - palące ekrany z ekspresyjnie wykonanymi winietami i przekraczające głupotę z obwisłymi szczękami jej progresji w coś naprawdę spektakularnego. To okrutne, dynamiczne i ujmujące - wartościowy klasyk i początek cudownej epoki tworzenia wysokiej jakości animacji.

69. Sansho the Bailiff (1954)

W tym miejscu muszę wyznać: nigdy nie podobała mi się praca Kenjiego Mizoguchiego. Pomimo kilkukrotnych prób przebrnięcia przez jego zdjęcia, nic tak naprawdę nie utknęło. Niewiele w jego twórczości mnie angażuje, a to, co jest na poziomie pisemnym, popada w nudę, gdy tak bez ogródek przesadza to na ekran. Niewątpliwie w dziele tego człowieka można znaleźć coś dziwnego, ale nadal mnie to ilustruje. Mając to wszystko na uwadze, przynajmniej znalazłem pocieszenie w ponownym obejrzeniu Sansho the Bailiff na tę listę - film, który wcześniej sprawiał, że byłem sfrustrowany marnotrawstwem tak potężnego materiału. Ta próba przerodziła się w nowo odkryte uznanie dla ikonoklastycznego podejścia Mizoguchiego, które wydaje się puste w jego wcześniejszych pracach. Jest usiana głęboko wpływającymi scenami i chociaż wydaje mi się, że film jest o około 20 minut za długi - i mógłby wznieść się do królestwa mistrzostwa w bardziej zwięźle poruszającej się przestrzeni - przynajmniej stworzył grunt dla legendarnego artysty z tej listy. Może za lata od teraz postawię tutaj pracę Mizoguchiego wyżej - można mieć tylko nadzieję.

68. Onibaba (1964)

Nasz pierwszy film Kaneto Shindo, Onibaba snuje opowieść o nieufności i oszustwie - dwóch złodziejkach pod wpływem opętanej maski, która wkrótce szuka własnego planu. Atmosfera paranoi Shindo rozwija się dzięki jego starannej inscenizacji i wstrząsającej historii, która jest równoznaczna z sukcesem filmu - łączeniem nowych postaci i wydarzeń, aby zwiększyć poczucie niepokoju publiczności, a także jego głównych graczy, aby podsycić wyjątkowo równoległe połączenie emocjonalne. Ale myślę, że przede wszystkim Onibaba trwały status klasyki japońskiego horroru wywodzi się z jednego ujęcia: pojedynczy obraz, który zawiera tak wiele energii trzewnej w paraliżującym bezruchu, że byłem tym fizycznie zaskoczony - zniechęcony do powrotu do Onibaba w strachu przed spotkaniem z tą samą przerażającą obecnością. W obliczu tego jednego, doskonale zapadającego w pamięć zestawu klatek, reszta filmu prawie blednie w porównaniu: Ale całkowite zignorowanie tego byłoby pomijaniem celu tak kontrolowanego nagromadzenia, a także sensacyjnie obsługiwanego punktu kulminacyjnego.

67. Sonatine (1993)

To, co zawsze robi wrażenie w pracy Takeshi Kitano, to sposób, w jaki dodaje lekkości nawet najbardziej wyczerpującym scenariuszom. Prawie zaginiony Fajerwerki i Gwałtowny policjant oboje w pewnym sensie dzielą się swoim miejscem na liście ze swoim dziełem, Sonatyna , a wszyscy mówią o jego popularności w rodzimej Japonii jako komika ekranowego i o tym, jak te korzenie subtelnie przenikają do jego kinowej oferty. Każda klatka, którą zamieszkuje, świeci - pomimo kompozycji mrocznych i często brutalnych fabuł. Granie z naszym postrzeganiem ludzkiej moralności i sympatii tak zręcznie sprawia, że ​​Kitano jest tak fascynującą postacią, jaka wyłoniła się z japońskiego kina w ciągu ostatnich kilku dekad - i udowadnia, jak zręcznie powiedział Rodger Ebert po tym, jak zobaczyłem Sonatyna , że surowe badania nad przestępczością nie muszą poświęcać głębi dla zaangażowania a-la Tarantino z jego powierzchownymi monologami i „charakterystyką” ustnika. Kitano może zrobić jedno i drugie.

66. Demony (1971)

Znak wodny New Wave Toshio Matsumoto oszołomiony 2 lata wcześniej swoim wykwintnym Parada pogrzebowa róż a demony 71 utrzymują swój zmysłowy impet dzięki surowo nakręconemu nocnemu krajobrazowi, który pogrąża każdy obraz w całkowitej ciemności - tylko miejsca i gracze oświetleni w koszmarnym mroku. Inni reżyserzy eksperymentowali z tą techniką, być może najwcześniejszym godnym uwagi przykładem przesłuchania Louisa Malle'a w Elevator to the Gallows - ale niewielu popchnęło ją do tak inwazyjnych efektów - każde ujęcie wzbudzało rozległe poczucie lęku i, co najważniejsze, rozpaczy. Bez względu na to, jak blisko są bohaterowie ucieczki przed nadprzyrodzonymi napastnikami - nic nie jest bezpieczne. To oczywiście wzorowy egzystencjalny horror.

65. Still Walking (2008)

Myślę, że potężny cień Yasujiro Ozu może rzucić pokaźny cień na każdego dramatycznego twórcę filmowego, a wysoko ceniony Hirokazu Koreeda jest być może głównym wśród poszkodowanych. Mężczyzna próbuje uniknąć porównania, porównując swoją pracę do pracy Kena Loacha, bardziej niż w japońskiej legendzie, jednak takie podobieństwo jest nieuniknione i uwypukla kilka niedociągnięć w metodzie Koreedy. Ozu zaprasza cię, abyś usiadł ze swoimi postaciami i stopniowo odkrywa sedno historii, podczas gdy Koreeda wsuwa aparat do tego samego pokoju, co dramat i po prostu po cichu obserwuje. Jego styl jest o wiele mniej bezpośredni, nieco przypominający technikę tajwańskiego mistrza Hsiao-Hsien Hou, ale jeszcze bardziej zdystansowany.

Pamiętając o tym wszystkim, odmowa Koreedy na ingerencję prowadzi jednak do kilku niezwykle intymnych chwil później, w których zaczyna się on rozkwitać, gdy bohaterowie pozwalają nam pokonać sześć stopni oddzielenia ich świata od naszego. Coś tak prostego, jak osoba zbliżająca się do fortepianu, skrajne rozbieżności w skupieniu podkreślające wagę sceny, czyni cuda, dając widzom małe, sugestywne przebłyski w umysłach swoich bohaterów. W rzeczy samej Wciąż idę jest bastionem nadziei, zachęcającym twórców filmowych współczesnej Japonii, by wpadli w ramy dramatu rodzinnego i starali się nadać mu ten sam przymus i siłę, z jaką robili to artyści tacy jak Ozu i Naruse lata temu. Z reżyserami takimi jak Sion Sono na scenie jest to prezent, że ludzie tacy jak Hirokazu Koreeda wciąż są w pobliżu, aby wyjechać nad obskurne podbrzusze i dać nam coś tak cichego i urzekającego w swoim portrecie życia na przedmieściach.

64. Confessions Among Actresses (1971)

Brutalnie szczery, charakterystycznie otwarty film - niczym nie różniący się od bezlitosnej inkwizycji Zimowe światło - Yoshishige Yoshida’s Wyznania wśród aktorek śledzi traumy, które spowodowały, że trzy kobiety zaangażowały się w swoje rzemiosło - pierwszy kolorowy film reżysera i, co jest fascynujące: ten, który w tym nowym, rumieniącym się bogactwie kolorów pozbawia wiele jego ekstremalnych zdjęć do szarej, nagiej pogoni za prawdą i jego wpływ na tych ludzi. Objawienie jest na swój sposób formą uzdrowienia - i Kiju Yoshidy Wyznania wśród aktorek działa wspaniale jako debata na ten temat.

63. The Ballad of Narayama (1984)

Ballada o Narayamie reprezentuje prawdopodobnie najsłynniejszy film Shohei Imamury, sam w sobie jest remakiem równie cenionego klasyka. Tym, co wyróżnia dzieło Imamury, jest jego dotykowe podejście do ludzkiego działania - zafascynowany ponurymi reakcjami i zmutowaną psychiką, ogromnym napięciem emocjonalnym, które oddziałuje na umysł mężczyzny lub kobiety. Jego wcześniejsze filmy znacznie lepiej radziły sobie z takimi tematami, ale czuję, że to nie wyklucza Ballada o Narayamie od stania wysoko wśród nich. Jego znana ludowa opowieść jest równie dokładnym studium ludzkich zachowań i chociaż brakuje w niej zachorowalności, która nadała jego twórczości z lat 60. ugryzienie, Shohei Imamura nadal dostarcza satysfakcjonująco współczujące, prawdziwe dzieło sztuki.

62. Mandara (1971)

Mandara jest na swój sposób jednym z najbardziej fascynujących filmów wczesnych lat siedemdziesiątych. Trudne, ale uniwersalnie satysfakcjonujące w temacie, fotografii i zdumiewającym nastroju, jakie stwarza - jest to niezrównanie dziwne dzieło, które mogłoby dostać się na wyższe szczeble tej listy, gdybym miał czas, aby zanurzyć się głębiej w jego niezwykle dziwaczny świat. Wystarczy powiedzieć: ten mało znany klejnot Nowej Fali jest absolutną koniecznością.

61. Opowieść księżniczki Kaguyi (2012)

Czcigodny Isao Takahata w 2012 roku powraca do formy po oszałamiającym wydaniu w 1988 roku Grave of the Fireflies , Opowieść o księżniczce Kaguyi jest po prostu wspaniały. Bajka rodzinna pasująca do każdego wieku, jej absolutnie piękny styl animacji nawiązuje do klasycznych projektów namalowanych w biały koc - ideał powrotu do podstaw, który od tamtej pory inspirował nieruchomości w więcej niż jednym medium. Daleko idące estetyczne przyciąganie Kaguya nie jest całkowicie przyćmiony fabułą, ale jej świetlisty kinowy przymus wciąż jest nieuchronnie odurzający od początku do końca i wymaga uwagi każdego fana animacji.

60. Twoje imię (2016)

Najnowszy film na tej liście, zeszłoroczny Twoje imię jest objawieniem. Popularne kino w Ameryce często bywa tak martwe i cyniczne, że nawet scena niezależna zaczyna być bardziej pociągana przez sławę niż zasługi artystyczne (nie dyskredytując oczywistych wyjątków od tej rosnącej obserwacji). Mówię to wszystko, ponieważ po przestudiowaniu współczesnych japońskich wydawnictw dla tej listy, ekscytujące jest mieć film tak wspaniały jak Twoje imię odnieść taki sam sukces w głównym nurcie, jak przedtem. Od tamtej pory Japonia jest zarówno zalewana, jak i obdarzona mnóstwem animowanych funkcji Akira w 1988 r. i podczas gdy szorstkość często zasypuje diamenty pod spodem, film ten mocny z łatwością przebił się. Bez wprowadzenia i komentarza po prostu zobacz Twoje imię . To jest coś z sercem i szczerymi intencjami, z których wszyscy moglibyśmy dziś skorzystać.

59. Nausicaä z Doliny Wiatru (1984)

Nausicaä z Doliny Wiatru jest wczesnym bastionem wysublimowanych umiejętności artysty tytana animacji Hayo Miyazakiego. Opowiadanie historii jest znakomite - budowanie jakiejś ponurej, apokaliptycznej przyszłości, jakby we własnym świecie, z wolnością kierunku i wspaniałą realizacją wyjątkowej flory i fauny tej krainy - wszystkie zaludnione różnorodną obsadą samotnych dusz, które wyrażają pełzające uznanie dla ich niepożądanego świat cudownie. Pierwsza z wielu autentycznie szczerych, oryginalnych i zmysłowo inspirowanych dzieł Miyazakiego.

58. Zatańczymy? (1996)

Myślę, co dzieli Zatańczymy? z każdego innego „afirmującego życie” filmu mówi, jak poważny jest on. Własny traktat Akiry Kurosawy o spełnieniu (lub przerażającym braku) w Ikiru jest ostrym kontrastem z nieszkodliwym urokiem tutaj - takim, który kiełkuje naturalnie i wślizguje się do naszych serc, zamiast przedrzeć się przez cynicznie napędzane wątki fabularne. To wspaniały film, który otrzymał tak wysoką pozycję za to, jak radośnie wiarygodna jest jego historia i jak wygodny reżyser Yoshikazu Suo radzi sobie ze swoim produktem. Rozkosz.

57. Akitsu Springs (1962)

Wielki przełom Kiju Yoshidy, Akitsu Springs reprezentuje początek czegoś wyjątkowego w ramach japońskiej nowej fali. Już w 1962 roku Yoshida był w stanie przywołać psychoseksualne skupienie wielu japońskich filmów w tamtym czasie do głowy i zatkać jego wewnętrzną głębię z nieskazitelną dokładnością - fascynację, którą wyostrzał tylko w miarę upływu czasu. Seria podobnie fantastycznych kontynuacji ugruntowała go jako kluczowego członka ruchu, ale dla mnie tak jest Akitsu Springs który jest najsilniejszy jako właściciel jego filmowego geniuszu.

56. Żona wyznaje (1961)

Nasz pierwszy film dzięki uprzejmości płodnego Yasuzo Masumury, lata 1961 Żona wyznaje jest ukoronowaniem wczesnej japońskiej nowej fali. Podążając za kobietą oskarżoną o rzekomo przypadkową śmierć męża, oddaje fale agresji, cynizmu i dywersji, charakterystyczne dla ciemniejszej strony japońskiego kina w tamtym czasie - z wyjątkiem tego, że nie ma w nim często krwawej, brutalnej przemocy. To, co tu mamy, to przemoc umysłu - przepełniona głosami najeżonymi goryczą i obserwowanymi przez oczy wrzeszczące o jakąś biedną, uwięzioną do życia sprawę, do której można by porównać własną nędzę. To zawoalowana chorobowość Żona wyznaje co daje ciężki chwyt jego społecznemu ugryzieniu.

55. Głębokie pragnienia bogów (1968)

Najdłuższy film Shohei Imamury, Głębokie pragnienia bogów jest też chyba filmem, który najpełniej ilustruje jego styl. Podążając za napiętą dynamiką odizolowanej kolonii i rozkwitającym romansem, który rozkwita po jej śladach, nieco zbaczający z kursu i przenikający połysk niemal dziennikarskiej integralności pozwala na fascynujący dokument o życiu tubylców, miłości i tym, jak nierozerwalnie pociągają nas nasze własne pragnienia- czy to przez świadomie podzielaną pierwotną potrzebę, czy jakiś niematerialny implant wysłany prosto z góry. W końcu główne pytanie Imamury było trudne do rozwiązania: czy łatwiej jest zaakceptować, że nasi bogowie są okrutni, czy też że jesteśmy?

54. Stan ludzkości część 1: Żadnej większej miłości (1959)

Pierwszy z epickiej trylogii filmów, Stan ludzki, część 1: Żadnej większej miłości to film, który ustanowiłby precedens dla jego kontynuacji - lista zarówno mocnych, jak i słabych stron, z których reżyser Masakai Kobayashi mógłby się uczyć tylko z perspektywy czasu, nigdy do końca nie wyjaśniając idealnej równowagi dla swojego niezwykle ambitnego dzieła. Żadnej większej miłości zawiera kilka nieśmiertelnych momentów, w szczególności scenę egzekucji, która trwa 10 minut i widzi kipiący gniew uciskanej bańki mandżurskiej poza strachem, wszystkie pistolety i drut kolczasty inspirują do czegoś szczególnie rezonującego do dziś - a także do końca łuk dla kilku znaków. To przesadny, przesycony i ostatecznie nieefektywny film & hellip; ale jest to również mistrzowsko przeprowadzona analiza żniw wojennych. Niezrównoważony do skrajności, Kondycja ludzka W pierwszym rozdziale znajduje się wystarczająco solidna podstawa, by stworzyć film, który nie jest ani okropny, ani wyjątkowy: ale jest jeszcze więcej niż wystarczająco godny, aby trafić do czołowej sześćdziesiątki.

53. Throw Away your Books, Rally in the Streets (1971)

Wyrzuć swoje książki, wiec na ulicach to przypływ krwi do głowy. Żywy, apatyczny układ rozłączonych winiet, obrazujący oderwanie japońskiej młodzieży od dawnych wartości. Odrzucenie formalizmu na rzecz czegoś zupełnie nowocześniejszego, futurystycznego - pociętego na kawałki, a jednocześnie całkowicie wygodnego w swojej niezrozumiałości. To kreatywna natura branży ujawniła się w umysłach młodych, czego efektem są zaskakujące, kuszące i często zadziwiające sceny seryjne. Niewiele filmów nawet z japońskiej Nowej Fali może rozpalić ten sam rygorystycznie buntowniczy ogień.

52. Czerwony Anioł (1966)

Niezwykle płodny mistrz Yasuzo Masumura pracował nad kolosalnymi 33 filmami w latach sześćdziesiątych XX wieku, a jednym z głównych punktów jego rozwijającej się twórczości jest wzniosły Czerwony Anioł z 1966 roku. Skoncentrowany na romantycznie zaangażowanej młodej pielęgniarce, która zostaje wciągnięta w wojnę, Czerwony Anioł wyjątkowo dobrze rozwija swój wyczerpujący świat: począwszy od legionów weteranów pokrytych bliznami i spryskanych własną krwią i potem na stole operacyjnym w obskurnym, opuszczonym kompleksie - wszystko zanim ostatecznie zostanie wrzucony do tygla tego śmiertelnego konfliktu. Wyczuwalny strach jest oznaką bogatego impresjonizmu Masumury - i oznacza go jako definiujący, niestety przyćmiony głos narodowego kina lat 60.

51. Człowiek bez mapy (1968)

Żałośnie ukryty wpis z nienagannej twórczości Hiroshiego Teshigahary, posłusznie przyćmiony jego ogromnymi pracami z lat 62-66 1968 Człowiek bez mapy widzi, jak rygorystycznie ikonoklastyczny reżyser przechodzi od surowej monochromatycznej fotografii do kuszącej kolorowej fotografii: spoglądając na rozległy labirynt przemysłowej Japonii z ponurą, nieco nudną paletą, która tak bogato odzwierciedla pragnienie odpowiedzi bohatera. Człowiek bez mapy płynie w rzekach wątpliwości i zamętu, lądując detektywa w głębokich wodach w przypadku najmniejszego wtargnięcia i rzadko pozwalając mu na chwilę oddechu i ogarnięcia ogromu tego wszystkiego.

Teshigahara w żartobliwy sposób urbanizuje tortury swoich bohaterów ze światem, który na każdym kroku zaprzecza katharsis, komentując nieustanną niepewność współczesnego życia z diabelską precyzją. Porzuca niuansową nadprzyrodzoność i surrealizm swojej wcześniejszej pracy na rzecz o wiele bardziej ugruntowanego utworu, który jest być może nawet bardziej nawiedzający niż syzyfowa agonia Kobieta na wydmach lub Pułapka bezmyślny, nieczuły postęp śmierci. Człowiek bez mapy uderza nas na naszym domowym terenie i dlatego jest tak kłopotliwa - tak niepokojąca - i dlaczego do dziś pozostaje tak ważnym fragmentem kina.

50. Kobieta-owad (1963)

Nasz czwarty do tej pory film autorstwa czczonego mistrza Shohei Imamury, nieco bardziej szanowanej strony bardziej niebezpiecznie wygórowanej monety Nagisy Oshimy, Kobieta-owad to przykładowe przedstawienie, dlaczego wizja polityki seksualnej Imamury była zawsze o wiele bardziej fascynująca niż wizja jego kontrowersyjnego współczesnego. To film o wystawnej kontroli wizualnej: nadanie jego obrazom znaczenia i wagi, a także wyśmienitej estetycznej mocy, która krwawi tyle znaczeń w monochromatyczności - Codzienne życie kobiety jest nękane przez ujadające morze czerni i bieli, które zamienia się w tajemnicę, jak w Tetsuo: The Iron Man . Jego niesamowicie prorocza scena otwierająca, choć prosta, zszywa nasiona tomu klatki Kafkan (pięknie granej przez zasłużoną Sachiko Hidari) i wskazuje na potworne implikacje, jakie wprawia w ruch tytuł Imamury. Jest to trudne do oglądania, w najmniejszym stopniu wspomagane przez problemy Imamury z tempem, ale pozostaje naprawdę żywotnym kinem przez cały czas.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa stale przewyższał swoją klasę pod ciężarem swojego znajomego imiennika z fantastyczną serią złowrogich wysiłków - ale żadna z nich nie przyćmiła przytłaczającej pustki z 2001 roku naciśnij . Ociekający lękiem i korzystający z aktualnych referencji technologicznych bez polegania na nich do tego stopnia, że ​​postarzają obraz, naciśnij to niezwykle przerażające podejście do współczesnego nawiedzania, które znacznie skuteczniej wykorzystuje znajomą twarz jego duchów Yūrei niż wiele bardziej znanych przedstawień bladych prześladowców.

48. Bitwy bez honoru lub ludzkości (1973 i hellip; 1975)

Wieloczęściowa antologia kryminalna Kinji Fukasaku to Ojciec chrzestny pod wpływem każdego narkotyku pod wschodzącym słońcem. Wolny od często dominującego strukturalizmu perfekcjonistycznego utworu Coppoli, Fukasaku filmuje przemoc jako jazz, podążając przez lata za rządzącą rodziną przestępczą. Często nurkuje w nieuzasadnionych, hiperstylizowanych kątach i montażu, aby zapewnić ulotny efekt jego kinetycznego montażu. Chociaż brakuje mu złożonego rozwoju postaci, rozdzielczości tematycznej, a nawet podstawowego gustu - jest w tym coś tak niesamowicie żywego Bitwy bez honoru i człowieczeństwa że nie mogę się powstrzymać, ale to kocham. Każdy film uzupełnia ostatni i wspólnie reprezentuje zenit populistycznego kina kryminalnego w Japonii lat 70. Niewiele mogło się zbliżyć.

47. Kwaidan (1964)

Charakterystyczna, dobrze wykonana antologia horroru Masakai Kobayashiego, Kwaidan, to porywające zanurzenie się w tajemnicy i złośliwości wiekowych japońskich baśni, średniowiecznych korzeni rozmaitych upiornych zjawisk i przekleństw J-Horror, których nie można uniknąć. Bezlitosny brak miłosierdzia i wytchnienia wszechobecny na kwitnącej japońskiej scenie horroru jest dotykany ręką mistrza, co daje wizualnie wspaniały klejnot, który potrafi tchnąć alarmujące nowe życie w przestarzałe historie. Jest to bez wątpienia najlepsza antologia horroru, jaką kiedykolwiek stworzono: z nierozcieńczonym głosem znakomitego filmowca, który brzmi głośno i wyraźnie, że J-Horror jest czymś, czego należy się obawiać. Dziesięciolecia później nadal jesteśmy uwięzieni w jego upiornym uścisku.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

Płonący indywidualista Seujin Suzuki, przeklęty kawałek geniuszu pop-artu, Tokyo Drifter wybucha jak fajerwerk i nadaje mu więcej stylistycznego charakteru, niż nawet Quentin Tarantino i Martin Scorsese mogą dziś twierdzić. Ognisty wpływ filmu wyraźnie zaznacza ich montaż i podejście do akcji - nie różni się od tego, jak nieskończenie przesadny Goddard Zdyszany nadal kształtuje sposób, w jaki tniemy. W znacznie mniejszym stopniu utwór Suzukiego wślizguje się w tak wiele ramek współczesnego kina kryminalnego - ale jest silniejszym przykładem stylu, który eliminuje wszelką potrzebę substancji: jego strzelanina wybucha jak fajerwerk z efektownymi neonowymi efektami płonącymi szkarłatną chwałą z każdym gradem. obstrzał. Wykonany przez mistrza choreografa u szczytu swojej gry- Tokyo Drifter to kino miazgi w najlepszym wydaniu. Elektryczna i wciąż duża beczka zabawy.

45. Grave of the Fireflies (1988)

Na pozór odwrotność bajek Hayo Miyazakiego o powszechnej publiczności, czcigodny ikona ghibliańskiej ikony Isao Takahaty Grave of the Fireflies jest jedną z najbardziej uznanych animacji, jakie kiedykolwiek powstały - pełną emocji, zrodzoną z mistrzowskiego wykorzystania tego medium. Przykładem: Grave of the Fireflies nie byłaby tak powszechnie doceniana, a nawet godna uwagi, gdyby dotyczyła wspomnianej historii w rzeczywistości. Obiektyw Takahaty jest jednak narysowany. Jego obrazy są wypełnione elegancją i niewinnością wskazującą na dzieciństwo - takie, które doskonale komplementuje położenie jego bohaterów. Podczas gdy dla niektórych jestem pewien, że wydaje się to buntowniczym przełącznikiem, niewiele filmów tak umiejętnie wykorzystało sztukę animacji, aby wdzięcznie podkreślić siłę ich przesłania. Okaleczająco antywojenne, ekspresyjnie elegijne wizualizacje Takahaty zaczynają zderzać się z przytłaczająco smutnym układem opowieści: Pozwalanie powiewowi cynizmu uciec z jej hermetycznej estetyki - choć nie ma to większego znaczenia. Grave of the Fireflies to nawiedzające i często piękne doświadczenie wojenne.

44. Trylogia samurajska (1954-55-56)

Wyśmienity zestaw zawadiackiej rozrywki, przepysznie pociągający populistyczny serial reżysera Hiroshiego Inagakiego jest przełomem w tworzeniu filmów przygodowych akcji i prawdopodobnie najlepszą trylogią, która uświetni podgatunek. Prowadzona jak zawsze znakomita kreacja Toshiro Mifune i pełna drobnych przebłysków dojrzałości, zwłaszcza pod koniec pierwszego filmu, stosunkowo nieszkodliwe i nieskomplikowane narracje Inagakiego są tak samo ostre i ekscytujące jak w latach pięćdziesiątych XX wieku. mam do zaoferowania. Jego ruch kamery jest ekscytujący, reżyserując aktorów z wściekłością i wigorem, co pomaga trylogii w przezwyciężaniu jej fabularnych suchych zaklęć z dodatkiem ekscytującej sekwencji szermierki. Nie jest to nic specjalnego na dramatycznym froncie - ale szczyci się wystarczającą pasją do rzemiosła i zaskakującą duchowością w swoich sukcesach, aby zagwarantować tak wysoką pozycję. Niezbędne oglądanie dla fanów kina przygodowego.

43. Harfa birmańska (1956)

Przełomowy artykuł Kona Ichikawy o japońskim żołnierzu wślizgującym się do kraju, który niegdyś okupował, i próbującym znaleźć pokój w bólu powojennego świata, Harfa birmańska przyciągnął zrozumiałą krytykę za często tępe przedstawienie wojny: więcej tańczących plutonów i łatwych ruchów fabularnych niż pełne, wciągające spojrzenie na czas. Paradoksalnie myślę, że to pomaga Harfa birmańska przezwyciężyć te problemy jest serce za nimi. Pomimo jego kontrolowanego opowiadania historii, Ichikawa tka piękne obrazy w całym filmie, przedstawiając każdą scenę w co najmniej jednym możliwym do kadrowania obrazie, który, przyczyniając się do statycznej sofomoryzmu jego reżyserii, skutecznie oddaje nastrój - przede wszystkim w sekwencji, w której napędzany śmiercią żołnierze tną moździerze, a nasz bohater budzi się pośród krwawego morza trupów: inspirującymi ujęciami bardziej przypominającymi oszałamiająco zwartą kompozycję Rembrandta niż jakikolwiek zwykły wojenny romans. W pewnym sensie jest to uproszczone, ale jego słabość nigdy nie przesłania zbiorowego wpływu, jaki stwarza pouczająca fotografia Ichikawy i jego niezłomna pokora.

42. Strona szaleństwa (1926)

Najwcześniejsza pozycja na tej liście, Strona szaleństwa jest podstawą niemego kina japońskiego ze względu na swój donośny, estetyczny głos: utwór, który uświadomił szaleństwo i najeżoną twórczą iskrę, która nawet dziś napędza najcudowniejsze dzieła ich przemysłu. Jego portretowi azylu brakuje niuansów lub głębi czegoś podobnego Titucut Follies a nawet ludzkości Lot nad kukułczym gniazdem w fikcyjnej formie - jednak transcendentnym osiągnięciem tego kamienia milowego z 1926 roku jest szersze uznanie japońskiego kina przedwojennego poza dramatycznymi tytanami, takimi jak Ozu, Mizoguchi, Yamanaka i Shimizu. To, co tu mamy, jest źródłem ich wciąż płynącej rzeki filmowo ambitnych, stylistycznie prowokacyjnych i celowo niebezpiecznych prac, które tym bardziej fascynują, mając na uwadze tę gromadę tragicznych artystów.

41. Ukryta forteca (1959)

Niesławna mała seria Gwiezdnych wojen George'a Lucasa została zbudowana na tyłach Ukrytej Fortecy, a Nowa Nadzieja kradnie wszystko, ale ustala się z tej wyjątkowej przygodowej opowieści. Szkoda widzieć ten „nieoficjalny remake” morderstwa, miażdżący film Kurosawy pod ciężarem jego kolosalnych fanów - ponieważ The Hidden Fortress jest o wiele bardziej wartościowym klasycznym filmem, niż mógłby kiedykolwiek twierdzić, że serial Lucasa był. Pełen ekscytującej akcji, przezabawnej charakterystyki i silnego stylu wizualnego, typowego nawet dla najbardziej umiarkowanych wysiłków Akiry Kurosawy. Mając to wszystko na uwadze, nie żałuję Gwiezdnych Wojen za to - chciałbym tylko, aby genialne dzieło Kurosawy zostało wstrzymane na jednym oddechu.

40. Stan ludzkości, część 2: Droga do wieczności (1960)

Ugryziony w bitwie fragment epickiej trylogii Masakai Kobayashiego, Droga do wieczności służy jako spory japoński epos wojenny, który może konkurować z każdym Szeregowiec Ryan , jeśli nie tak niebezpieczne, jak coś takiego jak Sam Fuller Wielki Czerwony lub nawet Hełm stalowy . Utrzymuje chaotyczną etyczną obsesję Stan ludzki, część 1: Żadnej większej miłości ale udaje mu się na tym opierać, wykorzystując wewnętrzne doświadczenie bojowe i wyważone, konsekwentne podejście do jego postaci, które jest podkreślone ich życiem i śmiercią w śmiertelnej części historii ludzkości. Jak w przypadku każdego poprzedniego segmentu, Kondycja ludzka zbliża się coraz bardziej do osiągnięcia swojego imiennika i chociaż część 2 nie realizuje tej ambicji, to przynajmniej próbuje. Więcej niż możemy powiedzieć o większości filmów tamtych czasów.

39. Heroic Purgatory (1970)

Natychmiast niezrozumiałe, wyraziste i wizualnie zagmatwane: Bohaterski czyściec to doskonały podkład dla wyjątkowej filmografii Yoshishige Yoshidy. Jego cudownie obca estetyka jest często dezorientująca - każde ujęcie zakrzywia naszą relację z przestrzenią, każde cięcie dzieli czas podobny do szalonej, inspirowanej pamięcią narracji Alaina Resnaisa - i szczerze mówiąc, tworzy fabułę Bohaterski czyściec w szczególności naprawdę trudne do zrozumienia i zrozumienia. Jego fragmentaryczna technika opowiadania historii jeszcze bardziej obciąża pragnienie mniej otwartej publiczności na całkowicie spójne doświadczenie narracyjne - ale nieokreślone rozkosze, które kryją się w wypaczonym świecie Yoshidy, oddają sprawiedliwość ich precedensowi w stosunku do ściśle ustrukturyzowanych fabuł. Opisać Bohaterski czyściec byłoby niemożliwe. Nie polecać go wyłącznie z powodu jego własnej niemożliwości - byłoby przestępstwem.

38. Intentions of Murder (1964)

Ponury tryptyk Shohei Imamury Pigs & Battleships, Intentions of Murder i Pornografowie uderzył w niekwestionowany szczyt martwego centrum filmem, w którym z niebezpiecznymi szczegółami obserwuje się los kobiety flirtującej między poniżającym związkiem z mężem a bolesnym romansem z gwałcicielem. Pierwsze spotkanie tego ostatniego i scena, która następuje bezpośrednio po nim, są pięknymi zwięzłymi przykładami tego, jak bardzo brzydkie mogą być światy Imamury - i jak kontakt z ludźmi może często doprowadzić jego bohaterów do skrajności, które wielu może próbować zdyskredytować jako nie do zaakceptowania. Wprawdzie, Intencje morderstwa okrutne, ale uczciwe badanie ucisku i pewnej chorej wolności poprzez cielesną ekspresję udaje się odzwierciedlić równie dokładny portret każdego z nas w tej samej sytuacji, co jego najlepsze filmy.

37. Zabójstwo (1964)

W roku 1964, w którym Masahiro Shinoda ukazał się podwójnie, można było przewidzieć dwa z najlepszych filmów, jakie do tej pory wyprodukowano w kraju. Zamach . Lśniący przykład komfortu w skali, Zamach tka tematycznie mało ambitny dramat, który na tyle wyciąga ze swojej prostej historii, że można go obejrzeć pośród lepszych filmów z tej listy: tak wspaniale oświetlony i sfotografowany jak każdy film z połowy lat 60. z akcją tak precyzyjną i potężną, jak można by się spodziewać po stajniach Shinoda. Jest to niedoceniana naśladownictwo stanu psychicznego, ponieważ dzikie plotki o celu są stłumione i stłumione dookoła, tworząc narrację, która rozkoszuje się chwilami nieprzewidywalnej niezrozumiałości - szybkie przejście od rzeczywistości do przeszłości, aby pozostawić zarówno publiczność, jak i kilka niespokojnych grup niedoszłych. zabójcy na krawędzi triumfalnego zwycięstwa i zapewne śmiertelnej porażki jak brzytwa.

36. Naga wyspa (1960)

Kaneto Shindo, stoickie badanie spokojnego życia na wsi, The Naked Island prawie nie zawiera mówionego dialogu - skupiając się całkowicie na obrazach, aby opowiedzieć swoją historię lub, dokładniej, stworzyć jej _ odczucie_. Ikonoklastyczne podejście Shindo do kręcenia filmów prowadzi do pięknych, rezonujących obrazów w całej jego filmografii, ale podczas gdy obrazy Onibaby i Kuroneko wzbogacają ich narrację w małych kieszonkach wizualnych inspiracji - The Naked Island to 96 minut niezbędnej fotografii. Splata się ze sobą w taki sposób, że Bergman się rumieni, kultywując nastrój i pozwalając mu rozwinąć się w coś uniwersalnego i wpływającego. Spokój i udręka, z jakimi boryka się mała rodzina wyspiarzy Kaneto każdego dnia, prawie jak dziwnie optymistyczna odwrotność Konia Turyńskiego Béli Tarra. Czego brakuje w miażdżącej sile tego filmu, Shindo zamiast tego przekształca się w rytualne celebrowanie ludzkiej wytrzymałości i naturalnego piękna, jakie taki wysiłek może obdarzyć. Ujmujące, pouczające - i niesamowicie absorbujące małe doświadczenie.

35. Branded to Kill (1967)

Gdyby wspomniany Sejiun Suzuki osiągnął swój stylistyczny szczyt w latach 1966 Tokyo Drifter , film tak zniesławiony przez jego producentów, że przeklęli jego kolejne zdjęcia na mniejsze budżety i pozbawili go szansy na użycie koloru, a potem Branded to Kill stał się jego twórczym zenitem - i doskonałym przykładem sztuki w obliczu przeciwności losu. Elektryzujące magnum opus mężczyzny, Branded to Kill podąża za zabójcą kontraktowym, który próbuje oszukać jeszcze groźniejszego zabójcę, przebijając się przez legiony zbirów i romans z piorunami. Jest zawsze ostry, nie tracąc siły, wstępnie sięga na bardziej dramatycznie ambitne terytorium i wciąż udaje mu się spakować ustawienia pełne bez twarzy złoczyńców, aby nasz antybohater mógł strzelać tłumami. Branded to Kill’s styl, który wciąż szuka znaczenia, bez względu na wynik, wyróżnia go na tle pozostałych.

34. Miecz zagłady (1966)

Kihachi Okamoto, mistrz akcji, stylowy pilot niestety odwołanej trylogii, Miecz Zagłady to najlepsze katharsis kinowe. To profesjonalnie opracowany choreograficznie pokaz diabelskiej walki na miecze, gdy czołowa legenda Tatsuya Nakadai zmierzy się z Toshiro Mifune i niekończącą się hordą bezimiennych zbirów, którzy chcą zademonstrować, jak śmiertelna może być ta tytułowa broń. Dziesiątki padają przed ostrzem, przede wszystkim w chwalebnie lekkomyślnej, nierozwiązanej scenie finałowej, i chociaż oddanie opowiadaniu historii i postaci jest w najlepszym razie styczne - atmosfera i reżyserska brawura sprawiają, że nie staje się po prostu kolejnym filmem akcji. Warto zajrzeć do gorzkiego, krwawego końca.

33. Hausu (1977)

Tak wielkim komplementem, jak ktoś może zapłacić dziwny film, jest to, że pozostaje dziwny. Wielu z nas nazwało coś dziwnego, ponieważ nie jesteśmy wtajemniczeni - tylko po to, aby odkryć, że to rzekome dziwactwo blednie w porównaniu z późniejszymi odkryciami kinowymi. Taka jest nasza droga przez film - jak to jest bardzo rozwlekłe stwierdzenie tego Hausu jest całkowicie mentalny. Nieustannie nękany przez czasami natchnioną, często zgryźliwą, ale zawsze szaloną partyturę w tle i wypełniony scenami, w których uczennice walczą z opętanymi arbuzami, są pożerane przez zabójcze fortepiany i uciekają przed upiornym piekłem widmowego kota, który chce przeklinać każdą duszę, która przekroczy jego próg. Zasadniczo tak Ju-On ale z samoświadomością i oszałamiającą kreatywnością, aby przejść całą drogę tylko w stylu - rezygnując z fabuły mitów w tle, która tak często marszczyła historie o nawiedzonych domach z absolutnym oddaniem oszałamiającej sztuczności. Wynikające z tego doświadczenie jest wspaniałym wielkim piecem zabawy.

32. Ikiru (1951)

Popularny portret starości Akiry Kurosawy, Ikiru działa podobnie jak własne prace Ozu nad ludźmi w okresie zimowym - tracąc swój minimalistyczny kierunek na rzecz znacznie bardziej bezpośredniej, intensywnej pracy Kurosawy. Rezultat ma mocne uderzenie: kilka scen lizujących z kinetycznym sprzężeniem zwrotnym wyłącznie dzięki sile ich obrazów i ciszy lub falom dźwięku, które im towarzyszą. Myślę, że głos Kurosawy wnosi niewiele nowego do wyjątkowo mocnego kanonu kina dotyczącego starzenia się i generalnie nie udaje mu się osiągnąć odkrywczych wyżyn Dzikie truskawki lub Życie i śmierć pułkownika Blimpa pomimo ich porównywalnego braku kinowej natychmiastowości - jednak nic z tego nie umniejsza oszałamiającego rezonansu pracy AK.

31. Blind Beast (1969)

Niezrównana eksploracja zmysłowości i fizycznej istoty, Ślepa bestia śledzi relacje między niewidomym mężczyzną a kobietą, którą bierze do niewoli, uwięzionym w mozolnie zaprojektowanym labiryncie wyłożonym rzeźbami ludzkiej postaci - ze ścianami zakrytymi oczami i ustami, a podłogą zasłoniętą nieuniknioną plątaniną kończyn. Ta surrealność i intrygujące założenie nie są oknami na naprawdę gęsty obszar tematyczny, chociaż reżyser Yasuzo Masumura udaje się uzewnętrznić związek pożądania z tęsknotą o wiele lepiej niż konsekwentna krawędź porażki Nagisa Oshima tak często się ślizga i przecina. Jeśli chodzi o bardziej kontemplacyjne prace na temat seksualności, Yoshishige Yoshida jest artystą niezbędnym - ale zaprzeczanie całkowicie wyjątkowej wizji Masumury byłoby przestępstwem - niezależnie od jej braku treści. Zamiast tego wypełnia swój film wspaniałymi planami i bolesnymi uczuciami, które drapią bohaterów. Na stylistycznym froncie, Ślepa bestia absolutnie szybuje.

30. The Human Condition, pt 3: A Soldier’s Prayer (1961)

Niszczycielsko potężne zakończenie jego dziesięciogodzinnej trylogii Masakai Kobayashiego, Stan ludzki część 3: Modlitwa żołnierza służy jako kulminacja wszystkiego, co przez cały czas rozwijał Kobayashi, w równych częściach wpływowych i zdominowanych - tak jak w przypadku innych elementów. Szkoda, że ​​seria nigdy do końca nie przezwyciężyła bezwładności książki ani wymuszonego humanizmu, który czasami może zahamować skądinąd silną formę jej reżysera: Jednak bez tych szczudłowych chwil nigdy nie zostalibyśmy obdarowani przytłaczającą kolekcją pięknie zrealizowanych sceny, które same mogłyby stworzyć arcydzieło. Modlitwa żołnierza nie jest bardziej delikatny niż jego poprzednicy - jednak to poczucie zakończenia wisi nad twórczością Kobayashiego jak zmęczony świt - chętny na nowy dzień z odnowionym udziałem w japońskim przemyśle filmowym. Zarówno wielki triumf epickiego kina, jak i, co ważniejsze, ostatni krok w bramie sławy, który zapewnił Kobayashiemu dużą swobodę artystyczną przez następną dekadę. Rezultat jest, jak zobaczymy, więcej niż kilka godzin ćwiczeń & hellip;

29. Double Suicide (1969)

Niepokojąco niesamowita eksploracja procesu twórczego, Podwójne samobójstwo widzi drewnianą lalkę wystawioną z zamiarem ożywienia dwóch głównych wątków - z cienistymi postaciami grasującymi po scenie, by rozwinąć swoją fałszywą narrację. Gorączkowo przerażająca opowieść, w której fasada spada, a jej koszmarni lalkarze wykonują kolejne ruchy - często zmieniając scenografię w połączeniu z przesuwającym się aparatem Masahiro Shinody, tworząc ohydnie wykrzywione poczucie przestrzeni. Poza swoim wieloaspektowym artystycznym zabiegiem, fabuła Podwójne samobójstwo jest stosunkowo konwencjonalny i nie znajduje żadnego głębokiego gruntu - ale być może to zapewnia jego sukces: Shinoda ostrożnie zgłębia swój własny blok twórczy, gdy wścibskie demoniczne ręce szarpią krawędzie jego wizji, aby uczynić ją bardziej precyzyjną - a także wykoleić jej intencje całkowicie. Czy to reprezentacja jego wewnętrznych zmagań, czy siła robocza, której reżyser nie potrafi koordynować - podwójna zarozumiałość Podwójne samobójstwo wykracza poza swoją przeciętną bajkę, zapewniając kinowe wrażenia, które zasługują na czołową 50 i więcej niż przykład kolosalnych talentów Masahiro Shinody jako filmowca.

28. Ringu (1998)

Natomiast nieco podobny Ju-On dusi się pod naporem własnej pustej nudy, Ringu's pustka jest jego najbardziej śmiercionośną bronią. Wyciekające morze ciszy reżysera Hideo Nakaty przenika i wdziera się w każdą przechodzącą scenę, podkreślając każdy hałas zwiększoną intensywnością osoby napędzanej strachem, pulsującej adrenaliną - bez względu na to, jak przyziemna jest scena. I tak istotne liczniki dźwięku, jak dzwonienie telefonu, przecinają ciszę z bezkompromisową dzikością. Nie ma ucieczki Ringu w każdym zakątku twojego umysłu. Nieważne, gdzie biegniesz - gdy tylko zaczniesz grać, po prostu przedłużasz to, co nieuniknione. W końcu co może być bardziej przerażającego niż śmierć potwierdzona naszą nieuniknioną ciekawością?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo Kuroneko czuje się jak przeraźliwy miraż kompozytów z horroru, poskładanych razem, by stworzyć doskonale demoniczną wizję absolutnego koszmaru. Złożony dylemat moralny, który gotuje się pod powierzchnią, jest świeżym spojrzeniem na te niepowstrzymane duchy, na które japońskie horrory stawiają od samego początku - tworząc wewnętrzną narrację, która przezwycięża szorstkość wcześniejszego Shinody Onibaba stworzyć coś wyjątkowego. To uwodzicielsko nakręcone, wciągające estetycznie dzieło, które wypełnia lukę między rzeczywistością a złowrogą fantazją z wyraźnie współczującym okiem - pomimo najeżonej wściekłości bohaterów. Nie tylko ostateczny film J-Horror, ale także klasyk światowego dramatu późnych lat sześćdziesiątych.

26. Spirited Away (2001)

Niewiele jest na drodze animacji, z którą może w pełni konkurować Spirited Away , przynajmniej w twórczym sensie. Film jest przepełniony oszałamiającym morzem unikalnych projektów i zapadających w pamięć postaci, które poruszają się i mówią równie ekspresyjnie jak główni bohaterowie. Szczegółowy wszechświat, który Hayo Miyazaki zdołał stworzyć, w moim przekonaniu znacznie przewyższa charakterystyczne dziwne opowiadanie historii i tempo jego pracy - nie różni się od Akira w tym, że przeskakuje do przodu i do tyłu w losowych odstępach czasu w celu uzyskania materiału na inny akt; przez apatyczne niebezpieczeństwo Spirited Away znajduje się w nim, ale pozwala nam przynajmniej zanurzyć się w jego żywych kreacjach na trochę dłużej.

25. Śmierć przez powieszenie (1968)

Rzuciłem drobne uwagi do uznanej reżyserki Nagisy Oshimy na całej tej liście i rozumiem infantylność takiej postawy: ale robię to tylko dlatego, że ten prawdziwie utalentowany filmowiec tak często tonie w obsesyjnie nadmiernie seksualnym dorobku filmowym. Porównywalnie konfrontacyjny ciąg wczesnych prac Imamury jest skuteczny w komentowaniu leżącym u podstaw ludzkich emocji - ale z Oshimą tak niewiele pozostaje wyobraźni, zaczynam wierzyć, że za niczym nie stoi frustrująco nieudolna praca. To znaczy, z wyjątkiem genialnie dziwacznej Death by Hanging z 1968 roku. Opowieść o egzekutorze, który nie chce umrzeć, Oshima używa swojego prostego, ale mimo to spostrzegawczego obiektywu, aby uwypuklić mnóstwo problemów społecznych, niepowodzeń rządu i ludzkich wyrażeń - wszystko to opakowane w stale zabawną komedię farsową z pewną siebie samoświadomością, jak filmowiec równie często brudny, jak poprzednio Oshima wydawał się być tak daleki. Ani wcześniej, ani później nie udało mu się dopasować tego natchnionego ujęcia kary śmierci, co jest wstydem - ale przynajmniej raz widzieliśmy, jak wzbija się w powietrze.

24. Uciekinier z przeszłości (1965)

Tomu Uchida Uciekinier z przeszłości jest jednym słowem: wyjątkowy. Zachowane filmy jego wystarczająco kompetentnego reżysera są po prostu nieporównywalne z prezentowaną tutaj pracą, mówiącą do jakiegoś nieoczekiwanego pioruna w butelce, gdy Uchida został obdarzony dokładnie taką historią, aby spełnić swoją obietnicę jako artysty. Uciekinier z przeszłości patrzy na przemoc i żal samookaleczony w sposób, w jaki niewiele filmów jest w stanie - mierzyć zarówno z piaskiem czasu, który spływa w dół, a więcej postaci zbliża się do dostarczenia boskiej zemsty naszemu bohaterowi - wyjątkowo wymagającej postaci, zarówno za, jak i przeciw tak próbuje uciec z krwawej ścieżki przemocy, którą przeciął Japonię we wczesnych latach życia. Znalazłem to Uciekinier z przeszłości ma tak wyjątkową moc, a nawet głęboką rezolucję, że nie powinienem mówić nic więcej, niż oczywiście zobaczyć to jak najszybciej.

23. Pułapka (1962)

Zaskakujący debiut fabularny Hiroshiego Teshigahary, Pułapka łączy gatunki z pewnością siebie i precyzją starego mistrza - a tym bardziej reżysera, który wcześniej zajmował się tylko dokumentami. Podczas gdy on trochę stara się, aby jego historia była fascynująca przez pełne 97 minut - co? Pułapka oferty przeważają nad wszelkimi problemami w ich narracji. Bawimy się naszym postrzeganiem rzeczywistości poprzez mieszanie morderców, fantomów i surrealistycznych obrazów Pułapka jest często przerażająca, ponieważ wiele postaci desperacko próbuje odeprzeć niepowstrzymanego napastnika: normalny mężczyzna ubrany w biały garnitur wymachujący nożem sprężynowym. Człowieczeństwo upiornego zabójcy Teshigahary działa jako pierwszy z wielu komentarzy społecznych, które jego prace robią wyłącznie w obrazie - nigdy nie poświęcając czasu ani wiarygodności, aby przesunąć punkt do celu. Brak jego lewicowych skłonności, Pułapka zachowuje swoją moc jako wstrząsające doświadczenie kinowe: zawiera kilka szokujących scen, które mówią o klarowności i rzemiośle metody Teshigahary, gdy wstrzykuje nawet najbardziej niezwykłe chwile ogromną gamę emocji, które tak swobodnie tańczą wokół siebie - łącząc się od humoru do horroru w bicie serca. Niewiele debiutantów było tak skrupulatnie świadomych ścieżki kariery swojego mistrza.

22. Tokyo Twilight (1957)

Ostatni czarno-biały film Yasujirō Ozu, Tokyo Twilight’s myto jako zarówno kontekstualną elegancję monochromatycznych wyjść mężczyzny, jak i być może jego najbardziej mroczną cechą. Godne uwagi odejście Ozu od własnej zasady 360 stopni i zamiast tego siedzieć za postaciami, a ich ponure twarze zastąpione są przytłaczająco pustymi, zimnymi włosami, to mistrzowskie odejście od jego charakterystycznego blokowania i kompozycji w znacznie bardziej ponurym romansie - jedno odzwierciedlenie jego nieustępliwa sytuacja kluczowych graczy. Tokyo Twilight czerpie wskazówki z Hollywood noir z jego utrzymującymi się cieniami i błotnistymi, niedoskonałymi scenami, aby stworzyć uniwersalnie niewybaczalny, ostatecznie bezcelowy świat filmowy, który wpływa w swoich ponurych emocjonalnych podobieństwach do naszego własnego społeczeństwa, a nie na nieproporcjonalną dystopię, która z pewnością straciłaby swój blask z czasem. Wyjątkowy, mocno niedekranowany klejnot.

21. Eureka (2000)

Najdłuższy film na tej liście, S. Eureka rozciąga się na s- i wydaje mi się, że niewybaczalne byłoby ujawnienie któregokolwiek z jego wątków. Nawet za najbogatszy rok w ostatnim kinowym wspomnieniu, Eureka nadal zalicza się do najlepszych filmów z 2000 roku, a nawet całej dekady: uroczysty, efektowny wizualnie i wyjątkowo & hellip; język japoński portret żalu. Tylko w takim kraju można było połączyć taką trzeźwość i poruszającą melancholię z dotykowym strumieniem humoru, lekkomyślności i bezwiednie przyjmowanego absurdu - wszystko wplecione w falujący gobelin ludzkich emocji, który po prostu trzeba zobaczyć. Nie czytaj żadnych streszczeń - nie zaglądaj do tego - po prostu zobacz Eureka .

20. Vengeance is Mine (1979)

Reżyser Shohei Imamura to znakomita postać nieprzyzwoitego kina. Jego mroczne, zniszczone postacie i sytuacje naładowane konfrontacją wyrażają bezwstydną fascynację zepsutością ludzkiej duszy. Vengeance is Mine przenosi relację Ryūzūo Saki o prawdziwym seryjnym mordercy Akirze Nishiguchi z wstrząsającym wyrafinowaniem: przedstawia głęboko gwałtownego, socjopatę, a jednocześnie niewątpliwie prawdziwego człowieka, którego wszystkie nasze osobliwości sieją zniszczenie. Tempo Imamury zderza się z przepływem, zgodnie z tym, ale uważam, że w tym przypadku historia gwarantuje wydłużony czas działania, a na końcu zapewnia wyjątkowo metafizyczne rozwiązanie tak brutalnej pracy - wzywając wiatr i samą ziemię do wydać swój ostateczny wyrok.

19. Yojimbo (1961)

W kinie akcji małe trzaski na piętach są całkiem podobne Yojimbo . Ujmujące użycie motywu przewodniego przez Kurosawę wprawia w ruch jego postacie i sprawdza się równie dobrze przy napinaniu namiotów, jak i przy każdej ścieżce dźwiękowej Morricone. Ostre sekwencje akcji są nieco stępione przez zgrabny projekt dźwięku i uznanie dla publicznego pisku - coś takiego jak Miecz Zagłady i Zamach nie ma problemów z - ale w zamian daje to ciągle komediowe podejście do Red Harvest - Mifune produkuje klasyczny spektakl, który emanuje fizyczną osobowością i dowcipem, działając jako zwornik do tego, co jest prawdopodobnie najlepszym prostym film akcji, jaki kiedykolwiek powstał.

18. Przesłuchanie (1999)

Przesłuchanie to film z gorączkowo precyzyjną kontrolą własnego brzmienia. Takashi Miike, który skądinąd chybił, zasłynął z płodnej, czasami owocnej kariery, która ożywiła przełomowe klasyki, takie jak Gość Q i Oko - ale niewiele z jego reżyserskiego stylu na zewnątrz przekazuje pewność siebie i ostre umiejętności wymagane do zrobienia czegoś tak zuchwałego jak Przesłuchanie . O wiele bardziej dojrzałe niż jakakolwiek inna jego praca, dzieło Miike'a eksploruje proste założenie z brutalną skutecznością: plamiąc każdą delikatną chwilę zmysłowo ponurą paletą i niesamowitym tempem, które stawia każdą scenę na krawędzi brzytwy czegoś strasznie złego. Przesłuchanie reprezentuje hipnotyzujący szczyt tego nieskończenie podziwu godnego japońskiego komfortu w kręceniu filmów gatunku: rozwikłanie krystalicznie czystej zagadki i transcendentalnie szokujące efekty. Zobaczyć to uwierzyć.

17. Ran (1985)

Najsłynniejsza adaptacja Szekspira Kurosawy - jeśli taka, która w moim umyśle oddaje zbyt dużo ziemi swojej inspiracji. King Lear to nienaganny tekst, ale na ekranie powolny grind, który nie oddaje oszałamiającego wrażenia, jakim były pierwsze 85 minut. Od początku do niewyobrażalnie głębokiej sekwencji oblężenia: Biegł to arcydzieło: kawałek kinowego artyzmu niezrównanego w bardziej niż imponującym dorobku Kurosawy - i niewątpliwie miejsce na czołową dziesiątkę. Ale po mistrzowsku przeprowadzonej rozbudowie i wypłacie Kurosawa kontynuuje opowieść o Królu Learu w sposób, który przesiąka wzdłuż żmudnie - apatyczna i płaska pomimo wysiłków doskonale zagranych złoczyńców Lady Kaede. To prawdziwy wstyd Biegł W każdym razie trwoni tak duży potencjał na wierność - ale przynajmniej żarzący się płomień pierwszej połowy płonie wystarczająco jasno, aby zapewnić sobie miejsce w pierwszej dwudziestce.

16. Księżniczka Mononoke (1997)

Mroczna fantazja Hayo Miyazakiego nigdy nie była szczególnie skomplikowana. Żaden film z przesłaniem zwykle nie przekazuje go w wyrafinowany sposób i jak trafnie ujął to Orson Welles: „Można to napisać na główce szpilki”. Tępa i rażąca wiadomość Księżniczka Mononoke Jednak dzwoni trochę prawdziwsze w sercu niż w umyśle. Starannie skonstruowany podział Miyazakiego na ludzi i potwory prowadzi do fascynującego porównania tego, jak starożytni widzieli nasz świat - i jak nieuchronny upadek ich cywilizacji może pewnego dnia odzwierciedlać nasz. Tajemnica i mistycyzm bohaterów jest rdzeniem, na które pozwala Mononoke aby przekroczyć tradycyjnie niewyraźne pułapki filmu - prześlizgnąć się przez jego wszechobecną linię bez słowa, każda akcja nadaje mu powagę, a czyniąc to, wzmacnia kinowy wpływ tego, co jest na ekranie. Przedstawione tutaj wzajemne relacje mówią o ogromnym talencie Hayo Miyazakiego jako filmowca - i że jego praca to coś więcej niż olśniewająca kreatywność, która budzi zamieszki.

15. Jesienne popołudnie (1962)

Myślę, żebym skomentował Jesienne popołudnie marnuje oddech, który spędziłem już na oglądaniu filmu, który Ozu nakręcił ponad dekadę wcześniej, a on faktycznie przerobił tutaj swój ostatni film. Jesienne popołudnie jest równie elegancki, subtelny i melancholijny - potrafi rozwinąć kilka koncepcji przedstawionych w pierwszym filmie i rozwinąć je. Odsuwa się od niektórych elementów oryginału, aby skupić się na innych pomysłach - dając wielkiemu artyście rzadką okazję do podłączenia podobnych głębi do tej samej formy. Ozu spędził całą swoją karierę na kręceniu bardzo podobnych filmów, ale za każdym razem udawał się wydobywać nowe obszary interakcji międzyludzkich - produkując jedne z najlepszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały. Pozostawiając po sobie tak czcigodną spuściznę, mężczyzna mógł zakończyć bieg w dowolny sposób. Jesienne popołudnie jest idealnym uzupełnieniem jego błyszczącej twórczości.

14. Tron krwi (1957)

Mistrzowska adaptacja, jeśli kiedykolwiek istniała , Tron Krwi bierze niezrównanego Makbeta Szekspira i wykuwa artystyczny tekst, który jest sam w sobie. Kontrolowane, niszczycielskie zejście Toshiro Mifune do morderczego szaleństwa pozostaje jedną z najlepszych ról tego mężczyzny - a sam Kurosawa dodaje do swojego filmu wyjątkowe obrazy, które są prawie nie na miejscu w przypadku reżysera oderwanego od scentralizowanej ikonoklastycznej praktyki. Jednak to jest obraz Tron Krwi to sprawia, że ​​jest tak masywny. Tak wciągające i nadprzyrodzone. Kulminacyjny atak widzi jeden z najwspanialszych wniosków postaci, jakie kiedykolwiek udało się sfilmować, i cementuje go jako dzieło sztuki, które w jakiś sposób całkowicie omija imponujący cień swojej rodzicielskiej gry.

13. Tokyo Story (1953)

Mówiąc o zabytkach z lat pięćdziesiątych, niewiele jest filmów, które tak niezłomnie napędzają twoje aspiracje jako filmowca, jak Tokyo Story . Migoczący szczyt nienagannej filmografii Yasujirō Ozu, zawsze w najlepszym wydaniu, to film, w którym ćwiczy się rozbrajająco prosty język filmowy, aby uzyskać przeszywające, intymne efekty. Publiczność zasiada wraz z bohaterami - cichymi podglądaczami rodziny, która powoli wyrywa z życia stopniowo degradujące się starsze pokolenie. Ozu daje głos wszystkim swoim postaciom, komponuje eleganckie i imponujące momenty objawienia i porusza aparatem tylko raz na pełne 136 minut. Nie ma obiektywnie „najlepszego” czy nawet „świetnego” filmu, ale do tych z Was, którzy wybierają, co oglądać w oparciu o takie strony, muszę dodać, że Tokyo Story to NAJLEPSZA praca na Rotten Tomatoes, z niewiarygodną średnią ocen 9,7. Wystarczy powiedzieć, że cierpliwe, refleksyjne spojrzenie na życie i wiek dotknęło wielu niezmiernie - i gwarantuje, że każdy, kto przeczyta tę listę, spróbuje samemu.

12. Pożary na równinie (1959)

Od Kona Ichikawy, prawdopodobnie najbardziej przejmująco humanistycznej postaci powojennego kina japońskiego, Pożary na równinie opowiada historię jednego człowieka straconego w wyniku przegranej bitwy w ogniu II wojny światowej. To film odważny w swojej samotności - przedstawiający sytuacje wojenne w pustym, pozbawionym życia krajobrazie, pełnym lęku, a na każdym rogu znajduje się inna postać Odyseusza, która ma towarzyszyć naszemu zwietrzałemu bohaterowi lub go zniszczyć. Podobnie jak w epickim poemacie Homera, uchwycenie przez Ichikawy szerszego obrazu tworzy gęsto emocjonalny świat, w którym nasz bohater jest elementem układanki poruszanym i motywowanym przez generałów z dala od linii frontu. To film cuchnący własną izolacją, zaginiony w domu i prowadzony do amoralnych aktów terroru przetrwania. Mistrzowska praca osobliwej, ale mimo to ważnej postaci z branży w latach pięćdziesiątych.

11. Samurai Rebellion (1967)

Kluczową siłą dramatu Masakai Kobayashiego jest to, że pozwala mu się gotować, prawie do winy. Jego skrupulatne kompozycje i nienagannie zaplanowane działania krążą coraz ciaśniej wokół centralnego konfliktu - wyciskając do sucha każdy centymetr oddechu, aż pozostaje tylko konieczność działania - podstawowa zaleta zawsze obecnych ideałów moralności jego bohaterów. W Rebelia samurajów , sam akt jest pod ręką nawet po przeczytaniu tytułu, ale mężczyzna gra na nim co sekundę - kłując publiczność drobnymi ukłuciami w kierunku pierwszego wyciągniętego miecza, zanim ostatecznie rozstrzygnie się w gorzkiej, brutalnej i ostatecznie krwawej sprawie, która trwa nadal z bezlitosnymi rygor Kobayashi radzi sobie tak dobrze: niezrównana umiejętność zarówno konstruowania ostatecznej nieuchronności sytuacji swoich bohaterów, jak i współczucia im na każdym kroku. To właśnie w Samurai Rebellion ten selektywny humanizm osiąga swoje najbardziej sugestywne wyżyny i łączy się z kulminacją kariery jednego z największych artystów Japonii.

10. Eros + Massacre (1969)

Ze wszystkich reżyserów Nowej Fali, będących synonimami psychoseksualizmu, żaden nigdy nie dorównał ekscytującemu labiryntowi diabelskiej kreatywności Yoshishige Yoshidy. W przeciwieństwie do tego Oshima i Imamura tylko biją na te same tematy, jeden bardziej przekonująco niż drugi, a tylko Kiju zdołał przebić sedno ich egzystencjalnej kontemplacji z tak zdumiewająco filmową brawurą. Nie ma gdzie jest to hipnotyzujące mistrzostwo narracji psychoseksualnej i estetyki, którą przywołuje, bardziej obfite niż w Eros + Massacre , Epicka, 215-minutowa przypowieść Yoshidy o awangardzie, niezrozumiała euforia wzroku, dźwięku i namacalnego dotyku…

9. Mój sąsiad Totoro (1988)

Błyszczący magią dzieciństwa „Mój sąsiad Totoro” to bezgranicznie radosny film. Dopiero w końcu odkryłem to w wieku 18 lat, ale to niewiarygodne piękno i zdolność do zadziwienia sprawiły, że ponownie wszedłem w młodszy umysł - lub może po prostu mniej cyniczny. Często ciężkie brzemię ludzkiego doświadczenia sprawia, że ​​albo żądamy eskapizmu, albo pragniemy ciągłego realizmu, ale to, co robi Totoro, co podnosi go ponad być może jakąkolwiek inną animowaną funkcję, jaką kiedykolwiek stworzono, jest całkowitym zignorowaniem pragnień publiczności i przedstawieniem historii, która zamiast tego pozwala ci przyjść urzekający swoim bujnym projektem wizualnym, skocznymi postaciami i odkrywaniem ukrytych skarbów przyrody u boku swoich tropów. Zamiast odwoływać się do dziecka, którym kiedyś byliśmy - Totoro pozwala sobie na szersze poczucie przygody i nadziei zainwestowane w głębszą tajemnicę naszej planety. Nagrodą za taką wiarę jest lśniący diament Japanimation: świetlisty, uniwersalnie poruszający i absolutnie kwintesencja.

8. Twarz innego (1966)

Niesamowicie epokowa diagnoza współczesnego życia poprzez cicho wytrenowany celownik mrocznej fantazji, Face of Another bada doświadczenie oszpeconego człowieka po tym, jak jego cudowna nowa twarz zaczyna przytłaczać jego starą osobowość. Twórczość Teshigahary jest zawsze na tyle dopracowana, że ​​pojawia się na wyciągnięcie ręki, podczas gdy cicho drapiąc się pod nią swoimi szkieletowymi palcami, a jego arcydzieło z 1966 roku jest najbliższe ujawnienia jego prawdziwej natury: przenoszenie złowieszczych kompozycji i surowych horrorów prosto do metropolii i wpatrywania się w jej miejskie miasto otchłań z tą samą oderwaną wizją, która tak żywo ożywiła Travisa Bickle'a w Taxi Driver dekadę później. Dzieło, które może konkurować z Personą i Eclipse Seconds w tym samym roku ze względu na wymagającą prowokację pożądania, osobowości i tożsamości - Face of Another to żywotne kino: olbrzymi triumf metody Teshigahary i dzieło tak mocno wkręcone w swoją własną nieskazitelność idee i atmosfera byłoby zbrodnią, gdybyśmy wyjawili więcej jej tajemnic. Sam zobacz…

7. Rashomon (1950)

Jedna z moich osobistych bram do światowego kina, Akiry Kurosawy Rashomon stał się tak integralną częścią kultury filmowej, że został wprowadzony w język, aby opisać psychologiczny efekt, jaki niosą ze sobą bohaterowie: każdy z nich dostarcza sprzeczne świadectwo makabrycznego gwałtu / morderstwa. Witalność Kurosawy jest w pełni widoczna, pionierskie techniki fotograficzne, takie jak strzelanie bezpośrednio w słońce i zasłanianie go przez bałagan liści, dzięki czemu każda scena w lesie była tak samo abstrakcyjna, jak jej odpowiednik na dworze. Rozbrajająca prostota Rashomona nieodparty haczyk fabularny tworzy miejsce na komentarz do ludzkiej prawdy, moralności i bogatego kinowego doświadczenia ze słynnymi pokazami szermierki Kurosawy. Niewiele można dodać do dialogu otaczającego Rashomona, poza tym, że wciąż czuje, że wyprzedza on swoje czasy o dziesiątki lat. Można sobie tylko wyobrazić wrażenie, że zobaczymy tę drogę w 1950 roku.

6. Harakiri (1962)

Harakiri jest tak mocna, jak filmy. Rozpoczynając ujęcie tak wpływowym, jak można sobie wyobrazić, reżyser Masakai Kobayashi stworzył fenomen, który pozostaje jednym z najbardziej chwalonych filmów wszechczasów: zaliczany do najlepiej ocenianych filmów na ogromnej większości witryn użytkowników, pomimo tego, co miałem pierwsze. przypuszczalnie słabnie. To żmudna cierpliwa, podstępnie inspirowana zgłębianie japońskiego kodeksu honoru - wciąż krzywiącej się rany powojennej 1962 r., Do której Kobayashi podchodzi nie tylko jako rodak, ale jako istota ludzka. Wlała się każda kropla krwi Harakiri mówi o bolesnej nienawiści artysty do śmierci i przemocy: prawie tak, jakby bolało go umieszczanie takiej brutalności na ekranie. W dzisiejszym świecie taki zaciekły ludzki kierunek jest boski do zobaczenia - i działa jako zwornik do zakończenia filmu. Bez poświęcenia wszystkich zaangażowanych Harakiri zostałby zapomniany jako kolejny sztuczny dramat, starannie wykonany, ale poza tym pokorny. Harakiri siedzi tutaj dzisiaj, ponieważ Masakai Kobayashi troszczy się bardziej, niż można sobie wyobrazić, i myślę, że w swojej własnej ostrej, błogiej elegancji umieszcza go pośród największych filmów lat sześćdziesiątych.

5. Siedmiu samurajów (1954)

Najbardziej uznany film, jaki kiedykolwiek wyszedł z Japonii, Seven Samurai wypalił niezatarty ślad na medium i nadal ma korzenie w dzisiejszym kinie akcji. Zmoczony deszczem punkt kulminacyjny Kurosawy w wielu kamerach nie przyćmiewa do końca proroczej głębi oblężenia zamku Rana, ale nadal wpływa na sposób, w jaki dzielimy razem sekwencje akcji, nawet jeśli współcześni redaktorzy mogą nie zauważyć jego wpływu. Znacznie ponad jego trwałą kulturową potęgą leży fascynująca charakterystyka Seven Samurai: stworzenie całego świata bogatych postaci z ogromnym wsparciem skrupulatnego rozszerzenia metody Kurosawy nawet na najmniejszą część, aby jego wizja feudalnej Japonii była tak wciągająca, jak to tylko możliwe. Ten nieodłącznie stworzony tygiel mistrzowskiej akcji i świetnej narracji daje w efekcie przełomowy kawałek kina, który wpływa, elektryzuje i ostatecznie pozostawia tak odważne i potężne zakończenie filmu, jakie kiedykolwiek widziałem. Zasłużony element panteonu międzynarodowego kina.

4. Blady kwiat (1964)

Gdyby nie tylko dwa słowa rozrzucone na liście wielkich japońskich filmów, nazwisko Masahiro Shinoda nie zakradłby się na trzy metry tej listy. Biorąc pod uwagę jego wkład w wielkie japońskie kino, to płaczący wstyd - i myślenie, że takiemu arcydziełowi prawie udało się uniknąć badań, to powiedzieć coś o tym, jak wiele filmów prosi się o ponowne odkrycie. Chwalony w momencie premiery i cicho wydany przez Criterion Collection, Blady kwiat to jeden z najlepszych filmów kryminalnych wszechczasów. Po prostu obserwowanie, jak hazardzista i jego nowo odkryta miłość wpadają w napędzaną rozpaczą spiralę degradacji i beznamiętności - pozostaje jednym z najbardziej odważnie mrocznych, wizjonerskich dzieł, które uciekają z ust japońskiej nowej fali: takiej, która jest zabójczo ostra od kadrowanie jednego do końca, co zapewnia równie transcendentalny efekt kinowy, jak każde mniej ekstremalne dzieło Ozu czy Kurosawy. Shinoda nigdy nie zostanie uznany za jednego z największych, przynajmniej przez ogół społeczeństwa - ale mam przynajmniej nadzieję, że ludzie są zmuszeni odkrywać jego kino z tego tygla zbrodniczej perfekcji: Dzieło tak surowe i bez łańcuchów jak nadmiernie stymulowane igraszki nadmiernej kontrkultury, a jednocześnie tak głęboko delikatne i kontrolowane, jak każdy film, jaki kiedykolwiek widziałem. Jest skrupulatny, cudowny i niewątpliwie ukryty. Napraw to.

3. Kobieta na wydmach (1964)

Jeśli Kiju Yoshida i jego Eros + Massacre jest mistrzem wysokiej sztuki psychoseksualizmu - wówczas Hiroshi Teshigahara Kobieta na wydmach jest mityczny w porównaniu. Przeniesiona ze słynnej powieści źródłowej współpracownika Kōbō Abe, prawie złośliwa metoda Teshigahary jest tutaj zarówno najbardziej złośliwa, jak i torturowo współczująca. Przyćmione światła stłumionej ludzkości przeświecają przez ruchome piaski otaczające naszych dwóch bohaterów - ludzi zmuszonych do najbardziej pierwotnego stanu bytu w imię rozgoryczonego przetrwania. Rzeczywiście Kobieta na wydmach , odporność jest zgłoszenie. Nic nie jest święte. Żadne miejsce nie jest bezpieczne przed okrutnymi oczami prawie nieobecnych wieśniaków, którzy skazują naszych bohaterów na ich piekielną otchłań. To doskonały pomysł, nienagannie zrealizowany w kinie przez Hiroshiego Teshigaharę, a także stworzenie czegoś, co uważam za najbardziej efektywną ścieżkę dźwiękową legendarnego kompozytora Toru Takemitsu. Połączenie trzech niesamowicie pewnych siebie artystów w tym samym duchu, co De Niro, Scorsese i Schrader Kierowca taksówki - Kobieta na wydmach jest własną, równą sobie ludzką i nieuchronnie przerażającą bestią. Przerażające, niezbędne dzieło sztuki.

2. Późna wiosna (1949)

Późna wiosna jest objawieniem współczesnej monotonii: egzorcyzm demonów w tym miejscu i czasie wymaga nie tylko trzymania go pod kluczem, ale także ukrycia, jakby ich nie było. Podczas gdy bolesne pragnienie wyrażenia tych lęków nigdy nie jest całkowicie uwolnione, możemy wykryć kącikiem każdego oka, między słowami każdej linijki i często cicho brzęczącymi w środku każdego pokoju. I tak dla świata tak powierzchownie przesyconego zębami uśmiechów i delikatnych melodii - Ozu's Późna wiosna kryje w sobie także atmosferę całkowitej rozpaczy: strach, że nie zostaniemy zaakceptowani - że każda ekspresja może doprowadzić do porażki, dlatego lepiej nazwać kurs nieodwołalnym, zamiast ryzykować i stać pośrodku torów. Jego powracający kamień probierczy zderzających się pokoleń leży u podstaw Późna wiosna starannie potraktowany dramat, ale myślę, że tutaj, bardziej niż jakiekolwiek inne jego dzieła (lub może jakikolwiek film wyprodukowany przez te dekady): Ozu zdołał znaleźć idealne zakończenie. Osiągnięcie jasnego podsumowania twoich tematów i uczuć twoich postaci nie jest łatwym zadaniem, tym bardziej, że znaleźć moment tak wyjątkowo wstrząsający, jak tu się narodził, dlatego sugeruję każdemu, kto jest w fazie dramatycznego pisania, reżyserii, produkcji lub po prostu kinematograficzne laski zainteresowania Późna wiosna u góry listy obserwowanych. Zaufaj mi: to cię posadzi.

1. Wysoka i niska (1963)

High & Low to z natury niemożliwe przedsięwzięcie filmowe. Rozciąga się za nieuchwytnym elementem z tak skonfliktowanym rdzeniem, że wydaje się, że nie ma nic do znalezienia. Na powierzchni brakuje mu niuansów, ale mimo to przytłaczającej mocy Siedmiu Samurajów, a także wolno płonącego piekła, które szaleje w upokarzającej ciszy pod koniec późnej wiosny. Prawdę mówiąc, High & Low łączy oba: kroczenie tak niepewnie pośród zwykłych ludzi ze strachu przed wpadnięciem w więcej chorób, zepsucia i uzależnienia - z większą chciwością, zazdrością i bezlitosną amoralnością, które sączy się bez końca za każdym rogiem ulicy. To film przerażony tym, co widzi w ludzkiej kondycji, coś, co tak wyraźnie boli Kurosawę, by pokazać go na ekranie - i to jego zmienny prąd twórczej autodepresji zapewnia jego czcigodne znaczenie. High & Low ma czelność stawić czoła całkowitemu beznadziejnemu, banalnemu okrucieństwu, które czai się w naszych sercach - z tym, jak brzydki i przytłaczający jest cały świat w swoim nasyceniu bezduszną samoobsługą. Być może, aby w końcu się odwrócić i rozpoznać to, w ten sposób stajemy się lepszymi ludźmi. Potrafi zrozumieć, że dobrze jest się bać, o ile akceptujesz obecność niewytłumaczalnego. Niezapłacalne. Ostatecznie jedyną pociechą, jaką możesz znaleźć, jest przebaczenie. Jeśli masz zamiar zrobić wszystko, co w twojej mocy, aby obejrzeć jakikolwiek film z tej listy: zrób to.