12 najlepszych filmów nazistowskich wszechczasów

Wraz z powstaniem nazistowskiej ideologii świat był świadkiem swoich najciemniejszych czasów. Od kraju całkowicie pochłoniętego przez satanistyczne zbrodnie wojenne po niezliczone rzesze ludzi umierających w przekonaniu o „czystości”, nie jest tajemnicą, że sam diabeł zstąpił na Ziemię.

Chociaż nie ma sposobu, aby nasza wyobraźnia mogła pojąć takie mroczne czasy, różni filmowcy próbowali spisać myśli ludzkości w tej przerażającej erze. Podczas gdy niektórym udało się zrozumieć i stworzyć inspirujące kreacje filmowe, innym się to nie udało. Jednak filmy te ukazały epokę nazizmu z kinowym pięknem. Filmy te niekoniecznie odkrywają na nowo wydarzenie Holokaustu, ponieważ jest do tego osobna lista , ale produkuj dzieła sztuki komentujące wojnę, śmierć, stratę i smutek. Należy koniecznie zrozumieć, że chociaż niektóre filmy mogą być lepsze pod względem kinowym, ranking opiera się na ich obserwacji i wprowadzaniu do tematów nazistowskich, a nie na czysto kinowych alegoriach. Tak więc, bez dalszych ceregieli, oto lista najlepszych filmów nazistowskich w historii. Możesz oglądać niektóre z tych nazistowskich filmów na Netflix, Hulu lub Amazon Prime.

12. Wyrok w Norymberdze (1961)

Wyreżyserowany przez weterana w reżyserii Stanleya Kramera „Wyrok w Norymberdze” przedstawia fabularyzowaną wersję procesu sędziowskiego z 1947 r., Który był jednym z dwunastu sądów wojskowych USA podczas kolejnych procesów norymberskich. Film prowadzony jest przez znakomite kreacje czołowej obsady, a reżyseria Kramera podniosła atmosferę na sali sądowej. Film równoważy humanistyczne i filozoficzne idee reżysera oraz autorytarną aurę dramatu sądowego. Filmy nieodłącznie podejmują temat i wyjątkowe kreacje obsady. Ogromny sukces krytyczny, dzięki któremu film zdobył kilka prestiżowych nagród, w tym 2 Oscary, 2 Złote Globy oraz wprowadzenie do „dziesiątego najlepszego filmu w dramacie sądowym Amerykańskiego Instytutu Filmowego” gatunek muzyczny'.

11. Mephisto (1981)

Mephisto, pierwszy węgierski film, który zdobył nagrodę dla „najlepszego filmu nieanglojęzycznego” podczas ceremonii wręczenia Oscarów, podąża za niemieckim aktorem teatralnym, który znajduje nieoczekiwany sukces i mieszane błogosławieństwa w popularności swojej roli w faustowskiej sztuce, jaką biorą naziści władzy w Niemczech przed II wojną światową. Gdy jego współpracownicy i przyjaciele uciekają lub są pod wpływem nazistowskiego terroru, popularność jego postaci zastępuje jego własną egzystencję, dopóki nie odkryje, że jego najlepszym występem jest utrzymywanie pozorów dla nazistowskich patronów. Film rezonuje z inspiracją i innowacjami. Wyreżyserowany przez Istvána Szabó „Mephitso” jest komentarzem do hitlerowskich wyczynów, które miały wpływ na psychikę człowieka. Ze spójnym scenariuszem napisanym przez trio Pétera Dobai, Klausa Manna i Istvána Szabó oraz ze znakomitymi zdjęciami Lajosa Koltaia i echem w tle napisanym przez Zdenko Tamassy.

10. Życie jest piękne (1997)

Charakterystyczne spojrzenie na nazistowski obóz koncentracyjny, `` Life Is Beautiful '' lub `` La vita è bella '' to włoski komediodramat opowiadający o życiu żydowskiego bibliotekarza i jego syna, który po zatrzymaniu przez nazistów używa humoru, aby chronić syna przed niebezpieczeństwami wokół ich obozu. Wyreżyserowany przez Roberto Benigniego film bada tematy siły woli, fantazji i niewinności w jednym z najbardziej tortur w historii ludzkości. Sam reżyser wcielił się w opiekuńczego libertarianina Guido Orefice, a na czele filmu stoi jego komediowa wrażliwość.

Narracja, której akcja toczy się obok Benigniego, została napisana przez Vincenzo Cerami, na podstawie której Rubino Romeo Salmonì „Na końcu pokonam Hitlera” z absolutną zręcznością. Dopełnieniem sztuki jest oszałamiająca muzyka Nicoli Piovaniego, która uzupełnia dowcipny komediowy czas i smutek, który przenika przez upadek lodowca. Bogate zdjęcia Tonino Delli Colli oddają drobne zawiłości otoczenia obozu koncentracyjnego z godną pochwały techniką i wizją.

9. Wielki dyktator (1940)

Stanowiący część przejścia Charliego Chaplina do filmów dźwiękowych, „Wielki dyktator” połączył kłującą satyrę i parodię z gatunkiem „filmów nazistowskich”. Nakręcony w czasie, gdy okrucieństwa Holokaustu nie zostały jeszcze zbadane, film otrzymał kilka krytyki za pozornie komiczne podejście Chaplina do tematu. Jednak film z 1940 roku kłuje polityczną alegorią i satyrą, która komentuje surowy reżim i nieludzkość, które przenikały przez żyły kraju. Film przedstawia role żydowskiego fryzjera w getcie i Adenoida Hynkla, dyktatora Tomanii, co jest parodią Niemiec i Adolfa Hitlera. Film śledzi ich tożsamość i przeplata ją z komedią Chaplina. Film, który odniósł krytyczny i komercyjny sukces, jest uważany za jedno z najważniejszych dzieł satyry, które zostało wybrane przez Bibliotekę Kongresu do zachowania w National Film Registry w Stanach Zjednoczonych.

8. Żegnajcie dzieci (1987)

Autobiograficzny film „Au revoir les enfants” opowiada o więzi, którą łączy dwóch uczniów w szkole z internatem w okupowanej przez nazistów Francji, kiedy jeden dowiaduje się, że drugi jest Żydem ukrywającym się przed nazistowskimi żołnierzami. Film wyreżyserowany i napisany przez Louisa Malle'a bada wstrząsające realia reżimu i niewinność rozdzieraną przez propagandę polityczną. W filmie z 1987 roku, w którym wystąpili Gaspard Manesse jako Julien Quentin i Raphaël Fejtö jako Jean Kippelstein, film z 1987 roku doskonale oddaje dziecięcą rozkosz i dozgonną przyjaźń w okropnościach wojny.

Opisowe zdjęcia Renato Berty ukazują skażoną administrację i zatrute instytucje akademickie, którymi rządził pozbawiony skrupułów rząd nazistowski. Innowacyjne i dodające otuchy spojrzenie na młodość i przyjaźń filmu było krytycznym i komercyjnym sukcesem. Dzięki wyraźnemu scenariuszowi opublikowanemu przez cenionego „Gallimarda” i filmowi, który zdobył 7 Cezarów, „Au revoir les enfants” ugruntował swoją pozycję jako jeden z najważniejszych filmów o nazizmie.

7. Upadek (2004)

Bruno Ganz w roli Adolfa Hitlera, „Upadek” lub „Der Untergang” śledzi wspomnienia Traudl Junge Alexandry Marii Lary, ostatniego sekretarza Adolfa Hitlera, który opowiada o ostatnich dniach dyktatora w berlińskim bunkrze pod koniec II wojny światowej. Wyreżyserowany przez Olivera Hirschbiegela film adaptuje powieści „Inside Hitler’s Bunker” (1945) napisane przez Joachima Festa oraz „Until the Final Hour” (1947) napisane przez Traudl Junge i Melissę Müller do kinowej reprezentacji. Dosłowne podejście do tytułu, film jest pomyślany z perspektywy Junge, która wyraża swój wstyd i poczucie winy z powodu podziwu Hilter w młodości. Napisany przez scenariusz Bernda Eichingera, film opiera się na bohaterach, a nie wyłącznie na fabule lub narracji. Jednak miało to swoją cenę, ponieważ kilku krytyków magazynów filmowych i gazet kwestionowało wybór reżysera, by pokazać „ludzką” stronę Hitlera.

Film spoczywa na twardych barkach aktora Bruno Ganza, którego badania i studia nad stylem życia, mową i mową ciała dyktatora przyniosły oszałamiające przedstawienie. Innowacyjne podejście do przerażającego tyrana przyniosło filmowi wiele pochwał od badaczy, biografów i krytyków filmowych.

6. Łódź (1981)

Niemiecki film wojenny, napisany i wyreżyserowany przez Wolfganga Petersena, „Das Boot” jest kroniką burzliwej II wojny światowej poprzez fikcyjną historię U-96 i jego załogi. Uosabiając strach, podekscytowanie, smutek i moc, Peterson po mistrzowsku przedstawia poczucie klaustrofobii i płynności czasowej. Pełen technicznego blasku film jest całkowicie uwikłany w ideologię wojny, zniszczenia i melancholii. Tło wojny światowej sprawia, że ​​przerażająca rzeczywistość wkrada się w żyły widzów, a fikcyjna historia pomaga reżyserowi ukształtować ich emocjonalne podstawy moralne.

Chociaż film nie odniósł natychmiastowego sukcesu finansowego, zyskał uznanie krytyków i zdobył sześć nominacji do Oscara, nagrody BAFTA i DGA. Z biegiem czasu niezła praca Petersena stała się jednym z najwspanialszych filmów wszechczasów.

5. Casablanca (1942)

Uznawany za jeden z największych filmów światowego kina, `` Casablanca '', którego akcja rozgrywa się podczas współczesnej II wojny światowej, koncentruje się na amerykańskim emigrantach Ricku Blaine'ie, napisanym przez Humphreya Bogarta, który musi wybrać między swoją miłością do kobiety a pomaganiem jej i jej mężowi , przywódca czeskiego ruchu oporu, ucieka z Casablanki kontrolowanej przez Vichy, by kontynuować walkę z nazistami. Film rozbrzmiewa inspiracją i odkupieniem. Wyreżyserowany przez Michaela Curtiza „Casablanca” charakteryzuje się koncepcjami socjologicznymi i analizuje klasę społeczną, rasę, poświęcenie i wiele innych. Ze spójnym scenariuszem napisanym przez trio Juliusa J. Epsteina, Philipa G. Epsteina i Howarda Kocha film jest adaptacją filmu „Everybody Comes to Rick’s” napisanego przez Murraya Burnetta i Joan Alison. Kultowy status filmu uzupełniają mistrzowskie zdjęcia Arthura Edesona i odbijająca się muzyka w tle autorstwa Maxa Steinera.

Dzięki trzem nagrodom Akademii i gamie niezapomnianych postaci, momentów i efektów wizualnych „Casablanca” na nowo zdefiniowała sztukę i stała się jednym z największych dzieł światowego kina.

4. Armia cieni (1969)

Wyreżyserowany przez Jean-Pierre'a Melville'a „Army of Shadows” lub „L'armée des ombres” opowiada o życiu bojowników podziemia w okupowanej przez nazistów Francji. Nakręcony jako dokument, film przedstawia przeplatające się historie kilku członków francuskiego ruchu oporu. Wbrew jakiejkolwiek kategoryzacji gatunkowej, film tchnie thriller, historię szpiegowską i heroiczną podróż. Podczas gdy film przedstawia bohaterów jako bohaterskich, film przedstawia ponury, nieromantyczny obraz ruchu oporu. Podczas gdy wyważone podejście do postrzegania Francji okupowanej przez nazistów mogło być irytująco nudne, to nieskrępowane spojrzenie na nazistowskie nadużycia uczyniło go godnym pochwały dziełem sztuki.

Z tak bezczelnym podejściem spotkała się jednak ogromna krytyka. Francuscy krytycy potępili film za domniemaną gloryfikację Charlesa de Gaulle'a, w wyniku czego kompletnie zawiódł w kasie i nie doczekał się światowej premiery. Jednak w połowie lat 90-tych „Cahiers du cinema” opublikował ponowną ocenę filmu, co doprowadziło do jego renowacji i ponownego wydania w 2006 roku. Ostatecznie się odkupił i od tego czasu jest uznawany za jedno z najlepszych dzieł kina światowego.

3. Pianista (2002)

Wymaga pewnego poziomu magii, aby połączyć ciepło muzyki i horror nazistowskich wyczynów. Roman Polański to czarodziej. Dramat biograficzny „Pianista” opowiada historię polskiego żydowskiego muzyka Władysława Szpilmana, napisaną przez Adrien Brody, i jego walkę o przetrwanie zniszczenia warszawskiego getta w czasie II wojny światowej. Oparty na wspomnieniach wspomnianego pianisty film stawia sztukę równolegle z wojną i ukazuje nawiedzoną rzeczywistość. Scenariusz zaadaptowany przez pisarza Ronalda Harwooda jest poetyckim pięknem. Melancholijna aura odgrywa rolę bohatera i stanowi podstawę artystycznej twórczości Szpilmana oraz tragedii, która przetoczyła się przez Niemcy.

Dopełnieniem reżysera i scenarzysty są Wojciech Kilar, którego tło przeszło dreszczem po plecach oraz zdjęcia Pawła Edelmana, które przejmująco uosabiały lęk przed ludzkością. Film otrzymał ogromne pochwały krytyków, zdobywając Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes, 3 Oscary dla „Najlepszego aktora pierwszoplanowego”, „Najlepszy reżyser” i „Najlepszy scenariusz, scenariusz adaptowany”, 2 Nagrody BAFTA dla „najlepszego filmu” i „najlepszej reżyserii” oraz 7 francuskich Cezarów, w tym między innymi „Najlepszy film”, „Najlepszy reżyser” i „Najlepszy aktor”.

2. Shoah (1985)

Francuski dokument „Shoah” przedstawia wywiady reżysera Claude'a Lanzmanna z ocalałymi, świadkami i sprawcami podczas wizyt w niemieckich miejscach Holokaustu w całej Polsce, w tym w obozach zagłady. Tym, co czyni ten film tak ważnym dokumentującym nazistowskie zbrodnie, jest atmosfera osobistej interakcji, jaką Lanzmann stworzył między swoją pracą a widzami. Dokument z 1985 roku w mózgowy sposób przedstawia traumę, przez którą przeszli ocaleni z Holokaustu, oraz ich wpływ na ich życie i sposób zarządzania nimi.

Zespół kinematografów, w skład którego wchodzą Dominique Chapuis, Jimmy Glasberg, Phil Gries i William Lubtchansky, wykonuje niezwykłą robotę, koncentrując się na rozmówcach, a nie na ankiecie, i uchwyceniu ich emocji i uczuć. Jednak wysiłki Lanzmanna sprawiły, że film stał się sensacją dzięki jego genialnym umiejętnościom badawczym. Reżyserowi udaje się schwytać nie tylko ocalałych, ale także ludzi odpowiedzialnych za to zniszczenie. Wspólne wysiłki zespołu przyniosły filmowi ogromną pochwałę, a niektórzy nawet nazwali go „największym dokumentem o historii współczesnej, jaki kiedykolwiek powstał”. Film został okrzyknięty arcydziełem przez kilku szanowanych krytyków, takich jak Richard Brody, François Mitterrand i Roger Ebert, by wymienić tylko kilku.

1. Lista Schindlera (1993)

Reżim nazistowski został udokumentowany jako jeden z najbardziej okrutnych, tortur i łamiących serce okresów w historii ludzkości. Jednak walka nie dotyczyła tylko propagandy politycznej. Chodziło o wewnętrzną walkę z tak przerażającą rzeczywistością, a Steven Spielberg uderzył w strunę z elegancją i elokwencją.

Film z Liamem Neesonem w roli Oskara Schindlera jest kroniką jego historycznego wyczynu, jakim było uratowanie życia ponad tysiąca uchodźców, głównie polsko-żydowskich, przed Holokaustem, zatrudniając ich w swoich fabrykach podczas II wojny światowej. Dopełnieniem pocieszającego występu Neesona jest nawiedzony dyskurs Ralpha Fiennesa jako oficera SS Amona Götha oraz niezachwiane wsparcie Bena Kingsleya jako żydowskiego księgowego Schindlera Itzhaka Sterna.

Film oparty na powieści Thomasa Keneally'ego „Schindler’s Ark” (1982) opiera się na mistrzowskiej artystycznej współpracy reżysera ze scenarzystą Stevenem Zaillianem. Wyartykułowany dyskurs narracyjny gnijącej ludzkości jest osadzony równolegle z humanistyczną podróżą Schindlera od oportunistycznego biznesmena do postaci bohaterskiej. Dopracowaniem spójnego scenariusza jest ekspresyjne zdjęcia Janusza Kamińskiego, które doskonale wyznaczają kontekstualne podteksty wizji reżysera. Gdy cały film jest czarno-biały, melancholijne konotacje wzmacnia historyczna dokładność. Całość została dosłownie oddana przez sugestywną partyturę Johna Williamsa.