15 najbardziej niedocenianych reżyserów filmowych wszechczasów

Bardzo trudno jest znaleźć reżysera, którego można obiektywnie uznać za niedocenionego. Na obrazie pojawia się kontekst i jest wiele czynników, które ludzie podnoszą, aby spierać się o ten stan. Nie ma w tym nic złego, bo zawsze miło jest znaleźć ludzi, którzy doceniają pracę mniej znanych filmowców. Na tej liście będę rozważał bardzo uogólniony świat jako punkt odniesienia, taki, który uważa Spielberga za boga kina, a Odkupienie Shawshank jako największy film, jaki kiedykolwiek powstał. Nie zamierzam też bagatelizować, ale uważam, że w tym niezwykle zróżnicowanym świecie filmów zawsze jest za wcześnie, aby nazwać kogoś najlepszym i przy okazji nie kwestionować własnego gustu, by odkrywać najdalsze zakątki kina. Wszyscy ci filmowcy wnieśli decydującą przewagę w procesie wprowadzania innowacji, a tym samym ugruntowali swoją spuściznę w sercach zagorzałych miłośników kina. Mając to na uwadze, oto lista najbardziej niedocenianych reżyserów wszechczasów.

15. Satoshi Kon

Filmy do obejrzenia: Paprika, The Perfect Blue, Millenium Actress

Pamiętam, jak oglądałem „The Perfect Blue” miesiąc temu i jak bardzo przypominało mi to arcydzieło Davida Lyncha „Mulholland Drive”. Chociaż jego wykonanie staje się bardzo trudne pod koniec i traci subtelność, którą obiecuje, pozostaje przerażającym studium postaci jego bohatera i mózgowej sprawności Kona. Myślę, że Kon nie wierzył w studiowanie surrealizmu, tak jak w sny. Jego filmy są naznaczone symboliką, ale nigdy nie wykorzystuje ich do przekraczania granic sztuk wizualnych, przesuwając swoje twórcze granice w nieskończoność. Udowodnił, że można pracować w ramach tradycyjnego opowiadania historii i wykorzystywać każdą linijkę scenariusza do samodzielnego opowiadania historii, co skutkuje niezwykle złożoną strukturą bez mieszania narracji.

14. Jim Jarmusch

Filmy do obejrzenia: Paterson, Stranger Than Paradise, Ghost Dog: The Way of the Samurai

Chociaż Jim Jarmusch był księciem niezależnego przemysłu filmowego w Ameryce, prawie cała jego filmografia pozostaje niezauważona, nawet pod radarem amerykańskiej publiczności, ze względu na ich minimalizm, zarówno w filmie, jak iw świecie rzeczywistym. Jest mężczyzną, który wydycha esencję okresu, w którym żyje, poprzez cokolwiek słuchowego lub wizualnego, czy to na liście Billboard # 1, którą jego postać gra w jego samochodzie, czy milenijne tendencje, które przedstawia żona jego bohatera.

13. Claire Denis

Filmy do obejrzenia: biały materiał, 35 ujęć rumu, czekolada

Uwielbiam Claire Denis za to, jak różni się jej praca od typowej dla współczesnych autorek. Albo masz kogoś, kto jest całkowicie poetycki, albo kogoś, kto rozwija się na solidnych scenariuszach. Do pewnego stopnia, podobnie jak Chantal Akerman, Denis kontroluje oba aspekty. Dzieciństwo spędziła w kolonialnej Afryce, a młodość na francuskich przedmieściach. Jej filmy naznaczone są skutkami wojny na kontynencie i problemami różnic rasowych. Nigdy nie skupiamy się na pojedynczej historii ani postaci, gdy podróżujemy przez kultury, krajobrazy, dźwięki, problemy i tożsamości w filmie Claire Denis.

12. Lisandro Alonso

Filmy do obejrzenia: The Dead, Liverpool, Jauja

Nie ma już filmowców takich jak Lisandro Alonso. Ludzi, którzy wierzą, że w kinie nie ma nic potężniejszego niż obrazy. Przypadkowemu widzowi bardzo trudno byłoby tolerować jego pracę, ponieważ jego filmy ledwo składają się z dialogów, a każda scena oddycha przez co najmniej minutę, a to nie obejmuje długich ujęć. „Umarli”, „Liverpool” i „Jauja” to filmy drogowe, a Alonso używa podróży jako metafory eksploracji. Jego bohaterowie przemierzają bagna, śnieg, pola i miejsca, których kiedyś byli częścią. Nie ma samo-eksploracji, jego bohaterowie istnieją w danej chwili, a jedyne, co się ujawnia, to ich podstawowe emocje.

11. Victor Erice

Filmy do obejrzenia: The Spirit of the Beehive, La Morte Rogue, El Sur

Będąc fanatykiem horroru, to, co uzyskałem z debiutanckiego filmu Victora Erice „The Spirit of the Beehive”, to godzina ciszy i zatopienia się w samoocenie. To, czego właśnie doświadczyłem, było zmysłową formą teleportacji do tak niewinnego świata, nawet przerażający ton filmu wydawał się złośliwy i nic więcej. W karierze trwającej ponad 40 lat jest prawdopodobnie najmniej płodnym artystą na tej liście, ale nie jest to zaskakujące, biorąc pod uwagę, jak osobista jest jego praca. Zaskakuje mnie to, jak traktuje każdą klatkę jak nowe płótno, starając się upiększyć wpływ każdego obiektu na ekranie. Jego szczególne użycie ciszy daje widzom uspokajające poczucie wolności do obserwacji wspomnianej techniki.

10. Maya Deren

Filmy do obejrzenia: Siatki popołudnia, Kołyska Wiedźmy, Medytacja o przemocy

Nie sądzę, by praca Mayi Deren była tak awangardowa jak jej własne. Prawdopodobnie jest ucieleśnieniem fazy, w której ludzkość osiąga pragnienie wyrażenia każdego pragnienia narastającego w jej podświadomości. Każde pragnienie, którego świat unika, ponieważ nie jest zgodne z normami lub zorganizowanym funkcjonowaniem świata. Deren eksperymentował ze wszystkim; narracje, ciągłość, techniki kamer, wizualne opowiadanie historii i co najważniejsze, montaż. Jej najbardziej znane dzieło „Meshes of the Afternoon”, także jej pierwszy utwór, działa jak trans, skręcając i wyginając się jak myśli w twoim umyśle, gdy wchodzisz w interakcje z różnymi przedmiotami.

9. Shohei Imamura

Filmy do obejrzenia: Ballada o Narayamie, Pornografowie, Kobieta-owad

Shoehei Imamura był kolejną wybitną postacią japońskiej Nowej Fali i jedynym japońskim reżyserem, który zdobył dwie Złote Palmy. W czasie, gdy większość współczesnych reżyserów z jego regionu interesowała się energią kryjącą się za filmami o samurajach i jidaigeki, Imamura był oszołomiony surową zmysłowością, która rodziła się pod ozdobną fasadą japońskiego społeczeństwa. Wojna zniszczyła Japonię, a Imamura odważył się ujawnić nieuniknioną niegodziwość, którą ludzie zdecydowali się przeoczyć, w tym domy produkcyjne. Filmami takimi jak „Kobieta-insekt” i „Pornografowie” Imamura poruszył tematy prostytucji i niewykorzystanej seksualności.

8. Chantal Akerman

Filmy do obejrzenia: Jeanne Dielman, I You He She, Hotel Monterey

Chantal Akerman jest prawdopodobnie najbardziej wpływową kobietą filmową wszechczasów, kontynuując awangardowy styl swoich poprzedniczek Mayi Deren i Alice Guy-Blache, łącząc go z silną narracją i hipnotycznym poczuciem kadrowania. Jej podejście obejmowało nacisk na określony czas i przestrzeń oraz wpływ tego, jak zamieszkujący bohaterowie są przez nie związani. Świetnie pokazuje to wykorzystanie kuchni i pokoi w jej filmach, gdy bada mury między udomowieniem a urbanizacją własnego ja.

7. Michael Powell i Emeric Pressburger

Filmy do obejrzenia: Podglądacz, Życie i śmierć pułkownika sterowca, Czarny narcyz

Nie można opuścić żadnego z nich, dyskutując o jednym. Dlatego rozważę całą ich zbiorową filmografię. Ich filmografia to prawdopodobnie najbardziej zróżnicowana kolekcja filmów, jakie kiedykolwiek napotkasz, od komedii po romantyczne dramaty i horrory. Najbardziej niezwykłym aspektem jest jednak ich zdjęcia do 3 Strip Technicolor, które było rewolucyjne. Pressburger był scenarzystą i nadzorował montaż, podczas gdy Powell zajmował się większością reżyserii. Ich pracom nie nadano znaczenia, na jakie zasługuje, ze względu na ich nikczemne tematy, a od dziesięcioleci zainteresowanie wzrasta wykładniczo po cytatach przedstawionych przez Scorsese, Copoola i innych reżyserów New Wave.

6. Frantisek Vlacil

Filmy do obejrzenia: Marketa Lazarova, Adelheid, The Valley of the Bees

Muszę podziękować Criterion za przedstawienie mi „Markety Lazarovej” i jej reżysera Frantisekowi Vlacilowi. 50 lat po premierze tej pierwszej obie nazwy pozostają nietkniętymi zabytkami przeszłości i teraźniejszości kina europejskiego. Znajduję podobieństwa w jego wizji i Tarkowskiego, ponieważ obaj uważali kino za poezję wizualną. Będąc studentem historii i mieszkańcem Czechosłowacji, zaszczepiono mu silne poczucie problemów nękających średniowieczną Europę. Jego obrazowanie jest bardzo metaforyczne i porusza tematy indywidualistycznej wolności, ortodoksji, powstania i upadku kultur oraz związanych z nimi dogmatów. Podobnie jak Tarkowski, jego praca była zawsze pod lupą przez siły komunistyczne w kraju.

5. Mario Bava

Filmy do obejrzenia: Czarna niedziela, Kill Baby Kill, Blood and Black Lace

Za każdym razem, gdy znajduję się w kręgu filmowym, czuję się tak, jakbym został złapany wśród rzezi, tyle że nie ma kul, tylko nazwiska europejskich reżyserów. I chociaż zawsze uwielbiałem makabrę, nie wpływa to na moje rozczarowanie brakiem jednego nazwiska, a mianowicie Mario Bava. Włoski mistrz podniósł się z miejsca, w którym wyszedł Hitchcock, i ukrył tajemnice w aksamitnych światłach i pożądliwej zemście. Bardzo trudno jest znaleźć artystę tak wszechstronnego jak Bava, ponieważ ten człowiek zrewolucjonizował kinematografię, efekty specjalne, reżyserię, scenariusze i Eastmancolor w swoim rodzinnym kraju, który ostatecznie rozprzestrzenił się na całą Europę.

4. Frederick Wiseman

Filmy do obejrzenia: Titicut Follies, The Last Letter, Boxing Gym

Prawdopodobnie przeznaczeniem Fredericka Wisemana było przeoczenie w dniu, w którym zdecydował się podążać za rzeczywistością. Większość z nas jest tak dotknięta kaprysami sytuacji, które napotykamy w prawdziwym życiu, że decydujemy się oglądać je w wyimaginowanych światach na ekranach kinowych o szerokości 50 stóp. Wizja Wisemana to nie tylko jego wizja, ale także ludzi, którzy nie mają przywileju jej przekazywania. Żaden film nie może być obiektywnie bezstronny, a jego uwaga o tym, że każda minuta, którą kręcisz, będzie podlegała nieuniknionej analizie i uprzedzeniom, ponieważ ma on pewne obowiązki do przestrzegania, mówi wiele o swojej etyce pracy.

3. Jean Cocteau

Filmy do obejrzenia: trylogia orficka

„Kiedy robię film, to sen, w którym śnię.” - Jean Cocteau. Widzieliśmy, jak Lynch, Fellini, Bunuel i Jodorowsky tworzą alternatywne rzeczywistości, które dekonstruują każdy element ludzkości, umieszczając go w świecie, którego nie można pojąć. Ale jeśli przyjrzeć się wystarczająco uważnie, prawie wszyscy z nich na różnych etapach swojej filmografii czerpali inspirację z Cocteau. Chociaż jego styl jest uważany za bardzo poetycki, faktura jego obrazów jest bardzo szorstka, a kontrast czerni i bieli jest bardzo definiujący. Szczególnie wydaje się, że „The Orphic Trilogy” Cocteau jako artysta w końcu znalazł medium do wyrażenia swojej wyobraźni i podniesienia jej do granic, na które nie pozwoliłby mu żaden papier.

2. Masaki Kobayashi

Filmy do obejrzenia: Harakiri, Kwaidan, Human Condition Trilogy

Chociaż uwielbiam Akirę Kurosawę, jeśli jest jeden japoński filmowiec, którego dorobek jest najważniejszą częścią powojennego kina japońskiego, uważam, że jest nim Masaki Kobayashi. Chociaż jego prace rozprzestrzeniły się w szerokich ramach czasowych i rzeczywistości, jego tematy zawsze były stałym odzwierciedleniem realizmu, który został wzmocniony przez jego wstrząsające doświadczenie wojenne. Kobayashi, w przeciwieństwie do większości reżyserów z tej samej epoki, skupiał się na dekonstrukcji i krytyce japońskiej kultury i nigdy nie satyrował swoich filmów, prezentując w ten sposób niepokojąco ponury i pesymistyczny pogląd na społeczeństwo, który został odrzucony jako obraźliwy i szczery. „Harakiri” i „Trylogia kondycji ludzkiej” to świetne przykłady krytyki reżysera dla koncepcji wojny, ponieważ widzimy jej następstwa w dwóch zupełnie różnych okresach.

1. F. W. Murnau

Filmy do obejrzenia: Nosferatu, Sunrise, Faust

F.W. Murnau to pomnik. „Nosferatu” będzie miał 100 lat po 5 latach i szczerze mówiąc, od czasu jego premiery pojawiło się niezliczona ilość horrorów. Z wyjątkiem kilku, żaden z nich nie był na tyle wpływowy, by zostawić ślady swojej doskonałości w każdym innym filmie z tego gatunku. „Wschód słońca” to kolejny film, którego pozostałości zostały posypane poetycką oprawą wizualną w europejskim kinie artystycznym i jest prawdopodobnie pierwszym filmem, który dosłownie rzeźbi czas i kino za jego pomocą. Jest „The Last Laugh”, którego introspekcja kondycji człowieka, będąca jednym z najwcześniejszych studiów nad postaciami, jest zamaskowana ekspresjonizmem, a jego styl mógł mieć wpływ na włoski neorealizm i kino równoległe. A potem jest „Faust”, w którym legendarny alchemik zawiera pakt z diabłem i chociaż Goethe zagrał już sztukę w 1806 roku, czuję, że kino zawsze było bardziej skuteczne niż teatr, jako doświadczenie. A Faust jest największym świadectwem tego stwierdzenia.