10 filmów o innym mężczyźnie, które musisz zobaczyć

„A Different Man” zanurza się głęboko w złożone warstwy tożsamości, postrzegania siebie i zapadającego w pamięć uścisku przeszłości. To film wyreżyserowany przez Aarona Schimberga, z Sebastianem Stanem w roli głównej dramat psychologiczny podąża za mężczyzną, który przechodzi operację rekonstrukcji twarzy, ale ma obsesję na punkcie aktora grającego go w sztuce teatralnej opartej na jego życiu. Niesamowita atmosfera filmu i przejmująca eksploracja wyobcowania sprawiają, że jest to niezapomniane przeżycie, które pozostaje na długo po napisach końcowych. Jeśli skusiło Cię niepokojące napięcie psychiczne i narracja oparta na bohaterach „ Inny człowiek ”, istnieje świat filmów o podobnej tematyce. Od odkrywania rozbitych tożsamości po ciemne zakątki świata ludzka obsesja , filmy te oddają tę samą intensywność, a jednocześnie dodają im niepowtarzalnego charakteru. Na tej liście znajdują się filmy podobne do „Inny człowiek”, łączące w sobie elementy dramatu psychologicznego, kryzysów tożsamości i dręczącej autorefleksji.

10. Oczy bez twarzy (1960)

„Oczy bez twarzy” Georgesa Franju to zapadająca w pamięć i poetycka eksploracja poczucia winy, obsesji i mrocznych wysiłków, jakie można podjąć, aby uzyskać odkupienie. Film opowiada historię doktora Génessiera, błyskotliwego, ale moralnie skompromitowanego chirurga, udręczonego zniekształceniem swojej niegdyś promiennej córki, Christiane, po wypadku samochodowym, który spowodował. Pogrążony w poczuciu winy i pragnieniu przywrócenia jej urody, porywa młode kobiety z pomocą swojej wiernej asystentki Louise. W swojej odosobnionej posiadłości przeprowadza groteskowe eksperymenty, chirurgicznie usuwając twarze swoich ofiar w desperackiej próbie wszczepienia ich Christiane.

Film Franju, będący adaptacją powieści Jeana Redona pod tym samym tytułem, to mrożąca krew w żyłach mieszanka ciała przerażenie i dramat psychologiczny. Ugruntowane, choć niepokojące założenia filmu nawiązują do powszechnych lęków przed tożsamością i kruchością ludzkiej doskonałości. Jego oniryczne wizualizacje, niesamowite sekwencje operacji i zniewalająco beznamiętna maska ​​Christiane wznoszą go na nieziemski poziom. Podobnie jak „A Different Man”, „Oczy bez twarzy” poruszają tematykę oszpecenia, postrzegania samego siebie i obsesji. Obydwa filmy badają, w jaki sposób fizyczna przemiana lub dążenie do niej odsłania głębsze blizny emocjonalne, dzięki czemu klasyka Franju jest idealnym towarzyszem psychologicznej odysei Schimberga.

9. Bestia (2017)

„Bestia” w reżyserii Michaela Pearce’a to prowokacyjne i klimatyczne studium charakteru, które wabi widzów w świat pokręconych pragnień, ukrytych sekretów i emocjonalnego zamętu. Film koncentruje się wokół Moll (Jessie Buckley), młodej kobiety żyjącej pod opresyjnymi rządami swojej rodziny, która nawiązuje romans z Pascalem (Johnny Flynn), tajemniczym i prawdopodobnie niebezpiecznym mężczyzną z mroczną przeszłością. Gdy ta dwójka zostaje spleciona w intensywnym, niestabilnym związku, emocjonalne zmagania Moll i jej pragnienie uwolnienia się od przeszłości zderzają się z nawiedzającymi, nierozwiązanymi tajemnicami otaczającymi Pascala. To, co zaczyna się jako pozornie prosty romans, szybko zamienia się w szarpiącą nerwy tajemnicę, a prawda o charakterze Pascala powoli wychodzi na jaw w nieprzewidywalny i niepokojący sposób.

Film w dużej mierze czerpie z gatunku thrillera psychologicznego, z jego powolną narracją i oszałamiającymi kreacjami aktorskimi, które dźwigają ciężar emocjonalnej podróży filmu. Gra Buckleya w roli Moll jest po prostu niezwykła i oddaje złożoność kobiety uwięzionej pomiędzy miłością, poczuciem winy i własną tożsamością. Podobnie jak inny człowiek, „Bestia” porusza tematy transformacji – zarówno fizycznej, jak i psychicznej – oraz wpływu traumy na samoocenę. Obydwa filmy skupiają się na głęboko zmartwionych bohaterach poruszających się po labiryncie własnych wewnętrznych zmagań, pokazując, jak miłość może uwikłać się w manipulację i obsesję. Intensywna intensywność „Bestii” odzwierciedla emocjonalne zamieszanie w „A Different Man”, co czyni ją odpowiednią rekomendacją dla osób poszukujących podobnie niepokojącej eksploracji tożsamości i relacji.

8. Jaskółka (2019)

„Swallow” to wymowna i zapadająca w pamięć eksploracja kobiecego ucisku, traumy i fizycznej manifestacji emocjonalnego bólu. Reżyser Carlo Mirabella-Davis opowiada historię Huntera (Haley Bennett), pozornie doskonałej gospodyni domowej z przedmieść, która zaczyna kompulsywnie połykać niejadalne przedmioty – co daje jej poczucie kontroli nad swoim skądinąd opresyjnym i dusznym życiem. Los Hunter nie dotyczy tylko przedmiotów, które konsumuje, ale jest symbolem jej walki o odzyskanie sprawstwa w życiu podyktowanym oczekiwaniami społecznymi i kontrolującym, pełnym przemocy małżeństwem. W miarę jak przez swoje dziwaczne zachowanie staje się coraz bardziej odizolowana, Swallow zagłębia się w emocjonalne blizny pozostawione przez męża (Austin Stowell) i toksyczną dynamikę jej rodziny, odsłaniając trudną rzeczywistość życia pod ciągłą kontrolą.

Portret Swallow psychologicznej i fizycznej traumy pobrzmiewa autentycznością, oddając desperację kobiety uwięzionej w złoconej klatce. Podróż Hunter ukazana jest z uderzającą wrażliwością, a jej kompulsje służą jako wołanie o wolność od świata, który dławi jej ducha. Gra Bennetta jest hipnotyzująca – jednocześnie wrażliwa, silna i bezbronna – dzięki czemu wewnętrzna walka Huntera staje się namacalna. W podobny sposób, w jaki „A Different Man” ukazuje złożoność własnej tożsamości i walkę o autonomię, „Swallow” rzuca światło na skrajności, do jakich może się posunąć kobieta, aby odzyskać kontrolę nad swoim życiem i ciałem. Obydwa filmy podejmują tematykę transformacji, gdy bohaterowie szukają wyzwolenia w świecie, który zdefiniował ich w ograniczający i szkodliwy sposób. Intensywność emocjonalna i katharsis odkryte w „Swallow” sprawiają, że jest to doskonały towarzysz dla widzów, których pociąga „Inny człowiek”, ponieważ oba filmy po mistrzowsku radzą sobie z ludzkim pragnieniem wyrwania się z łańcuchów oczekiwań społecznych i osobistych traum.

7. Przykuci na całe życie (2018)

„Chained for Life” to mroczny, introspektywny i eksperymentalny film, który bada warstwy tożsamości i wykorzystanie deformacji fizycznych w kinie. Film Aarona Schimberga koncentruje się na Rosenthalu (Adam Pearson), oszpeconym aktorze występującym w niskobudżetowym horrorze, w którym gra postać ucieleśniającą lęki społeczeństwa przed tym, co „paskudne” i potworne. Rosenthal stara się zapamiętać swoje kwestie i odnaleźć się w często toksycznym środowisku branży filmowej, a marzy mu się prostsze, bardziej akceptowane społecznie życie kelnera – rola, która wydaje mu się równie nieosiągalna, jak jego filmowe marzenia.

Film zaciera granice między rzeczywistością a fikcją, oferując świadomą medytację nad przedstawianiem anomalii fizycznych i związanych z nimi piętn społecznych. Krytykuje sposób, w jaki twórcy filmowi często wykorzystują oszpecenie do uzyskania szokującej wartości lub nikczemnych ról, których symbolem jest „brzydka” postać potwora wisząca w tle i czekająca na ponowne wykorzystanie. W ten sposób Chained for Life rzuca światło na szkodliwą, redukcyjną soczewkę, przez którą w kulturze popularnej często postrzega się osoby różniące się fizycznie.

„Chained For Life” stanowi przejmujący komentarz na temat dehumanizacji i inności osób z widoczną niepełnosprawnością. Podobnie jak „A Different Man”, który porusza tematy tożsamości i transformacji, „Chained for Life” analizuje wewnętrzne i zewnętrzne zmagania życia w świecie, który definiuje cię poprzez swój wygląd. Filmowa eksploracja napięcia między osobistymi pragnieniami a oczekiwaniami społecznymi odzwierciedla wewnętrzne konflikty widoczne w „Innym człowieku”, w którym bohater musi skonfrontować się z tym, jak inni postrzegają jego wygląd zewnętrzny. Obydwa filmy poruszają kwestię odzyskania własnej tożsamości przed spojrzeniami innych, dzięki czemu „Chained for Life” jest fascynującym i skłaniającym do myślenia odpowiednikiem „Innego człowieka”.

6. Skóra, w której żyję (2011)

„Skóra, w której żyję” Pedro Almodóvara to mrożący krew w żyłach, skrupulatnie wykonany thriller psychologiczny, który zabiera widzów w wstrząsającą podróż w mroczne zakamarki obsesji, tożsamości i zemsty. W filmie występuje Antonio Banderas w roli doktora Roberta Ledgarda, znanego chirurga plastycznego, który powodowany żalem i potrzebą kontroli przeprowadza eksperymentalny przeszczep skóry kobiecie o imieniu Vera (Elena Anaya), która w tajemniczych okolicznościach jest zamknięta w jego posiadłości. W miarę rozwoju narracji pokrętna i niepokojąca natura eksperymentów Ledgarda staje się jasna, zmuszając widzów do skonfrontowania się z niewygodną prawdą o ludzkich pragnieniach, manipulacji i transformacji.

Dzięki surowej, metodycznej akcji i chwilom palącej intensywności emocjonalnej „Skóra, w której żyję” wpycha widzów w otchłań dyskomfortu, pozostawiając ich bez tchu po zakończeniu. Reżyseria Almodóvara jest po prostu genialna, ponieważ umiejętnie manipuluje tajemnicami historii, ujawniając je we właściwym momencie, aby zmaksymalizować efekt. Bezkompromisowy obraz traumy, zarówno fizycznej, jak i psychicznej, wymaga od widza aktywnego zaangażowania, nagradzając go mrocznie satysfakcjonującym doświadczeniem, które nie daje łatwych odpowiedzi.

„Skóra, w której żyję” inspirowana jest powieścią „Tarantula” Thierry’ego Jonqueta z 1995 roku. Podobnie jak „A Different Man”, film porusza tematy tożsamości, cielesnej autonomii i transformacji. Obydwa filmy badają psychologiczne skutki zmian fizycznych, choć różnymi metodami, przy czym „Skóra, w której żyję” wykorzystuje eksperymenty medyczne, a „Inny człowiek” koncentruje się na transformacyjnej mocy przeszczepu twarzy. Obydwoje zagłębiają się także w emocjonalne zawiłości postrzegania siebie i bolesne poszukiwanie tożsamości w świecie, który często definiuje jednostki na podstawie ich wyglądu.

5. Granica (2018)

„Border” w reżyserii Alego Abbasiego to fascynujący i niekonwencjonalny film, który łączy mroczną fantazję z intymnym, ugruntowanym ludzkim dramatem. Film oparty na opowiadaniu „Gräns” Johna Ajvide Lindqvista, tego samego autora, który stworzył „Wpuść właściwą osobę”, opowiada historię Tiny (Eva Melander), strażniczki granicznej o niezwykłym węchu, która odkrywa nieznajomego (Eero Milonoff), która podziela jej szczególne cechy fizyczne i zdolności. W miarę jak ich więź się pogłębia, film przekształca się w zapadającą w pamięć eksplorację tożsamości, przynależności i wyobcowania z powodu odmienności w społeczeństwie ceniącym konformizm. Mieszanka elementy fantasy a surowa, emocjonalna opowieść sprawia, że ​​Border jest zarówno niepokojący, jak i głęboko empatyczny, tworząc świat, który jest jednocześnie dziwny i prawdziwy.

To, co wyróżnia „Border”, to niezwykła zdolność osadzania nadprzyrodzonych elementów w bardzo przystępnej i namacalnej rzeczywistości. Film uchwycił zwyczajne szczegóły – taśmę klejącą na lodówce, przyziemne interakcje – wprowadzając jednocześnie dziwaczne elementy nadprzyrodzone, tworząc poczucie prawdopodobieństwa, które wciąga widza. Protetyka, muzyka i występy dodatkowo podkreślają niepowtarzalną atmosferę filmu. Podobnie jak „A Different Man”, „Border” wykorzystuje motywy fizycznej transformacji i wyobcowania związanego z życiem w nieznanym ciele, aby zgłębić głębokie pytania dotyczące tożsamości i bytu. Obydwa filmy zagłębiają się w transformacyjną moc wyglądu, ale podczas gdy „Inny człowiek” mierzy się z nią przez pryzmat rekonstrukcji twarzy, „Border” wykorzystuje dziwne, nieludzkie cechy swojego bohatera, aby zakwestionować społeczne postrzeganie piękna i akceptacji.

4. Ulica pragnienia (2017)

„Thirst Street” to uwodzicielska mieszanka psychodramy i czarnej komedii, która zanurza się w obsesji, tożsamości i złudzeniach. Akcja reżyserska Nathana Silvera rozgrywa się w tętniącym życiem Paryżu i opowiada historię Giny (Lindsay Burdge), amerykańskiej stewardessy, która podczas przerwy w podróży wdaje się w niefortunny romans z paryskim barmanem (Damien Bonnard). To, co zaczyna się jako namiętny romans, szybko się rozpada, gdy Gina zostaje uwięziona w spiralnej sieci oszustw, nieodwzajemnionej miłości i autodestrukcyjnej obsesji. Siłą napędową filmu jest mistrzowska kreacja Burdge, która ukazuje imponującą gamę gry aktorskiej, ukazując wewnętrzne zamieszanie kobiety powoli tracącej poczucie rzeczywistości.

Zdjęcia Seana Price’a Williamsa dodają kolejną warstwę intensywności wizualnej dzięki odważnym kadrom i kolorystyce, które uzupełniają emocjonalną zmienność filmu. Wyraźny kontrast między romantycznym spojrzeniem Giny na związek a zimną rzeczywistością, z którą się mierzy, odzwierciedla motywy filmu „A Different Man”, który bada także psychologiczne zawiłości towarzyszące przemianom tożsamości. Obydwa filmy poruszają kwestię napięcia pomiędzy postrzeganiem siebie a tym, jak postrzegają nas inni, ale podczas gdy „A Different Man” koncentruje się na fizycznych i emocjonalnych zmianach spowodowanych przez nową twarz, „Thirst Street” zagłębia się w spustoszenie spowodowane przez nieodwzajemnione pożądanie i emocjonalna desperacja.

3. Pod skórą (2013)

' Pod skórą ’ to mistrzowski kurs wizualnego opowiadania historii, wykraczający poza to, co typowe fantastyka naukowa gatunku, oferując intensywnie atmosferyczne i zapadające w pamięć wrażenia. Film wyreżyserowany przez Jonathana Glazera jest adaptacją powieści Michela Fabera, również zatytułowanej „Pod skórą”, która zanurza widza w niesamowitą podróż obcej istoty (Scarlett Johansson), która odnajduje drogę przez zimnego, oderwanego człowieka świat. Film przyjmuje założenia książki i przekształca je w rzadką, minimalistyczną narrację, która w równym stopniu opowiada o poczuciu izolacji i obserwacji, jak i o obcej naturze głównego bohatera.

Film znakomicie zestawia surrealistyczne chwile z szorstkością socrealizmu, oddając zwykłe, często opuszczone doświadczenia człowieka w Szkocji. Glazer wykorzystuje kolor, kształt i teksturę z taką precyzją, że każde ujęcie sprawia wrażenie starannie zaplanowanego, aby przywołać surowość ludzkiej egzystencji i niepokojącą naturę obecności obcych. Portret obcej postaci przez Johansson jest hipnotyzujący: jej pozbawiona wyrazu, hipnotyczna postawa dodaje dodatkowej warstwy wyobcowania, która jest zarówno urzekająca, jak i głęboko niepokojąca. Porównując „Pod skórą” do „Innego człowieka” oba filmy poruszają tematy tożsamości, wyobcowania i manipulacji ludzkim doświadczeniem. Podczas gdy „Under the Skin” przedstawia zimną, pozbawioną uczuć siłę zewnętrzną, „A Different” Man zagłębia się w ludzką psychikę w poszukiwaniu samotransformacji. Obydwa filmy skupiają się na niewygodnej naturze obserwowania i bycia obserwowanym, z głęboko introspekcyjnym spojrzeniem na relacje bohaterów z otoczeniem i ciałami.

2. Święte silniki (2012)

„Holy Motors” to surrealistyczna eksploracja tożsamości, transformacji i zmiennej natury ludzkiego doświadczenia. Film opowiada historię tajemniczego pana Oscara (Denis Lavant), który w ciągu jednego dnia zmienia się w wiele ról. Każde „życie”, które zakłada, jest drastycznie odmienne, a jednak łączy je nadrzędny temat performansu. Jest zimną, niemal pozbawioną emocji postacią, która zmienia się z mordercy w żebraka, potwora w człowieka rodzinnego – każda tożsamość ma swój własny zestaw rytuałów, spotkań i stawek emocjonalnych. W tej ciągłej transformacji „Holy Motors” kwestionuje samą naturę tożsamości i sztukę aktorską, zacierając granice pomiędzy performansem a rzeczywistością. Struktura filmu jest celowo chaotyczna, co odzwierciedla fragmentaryczną, przejściową naturę życia bohatera. Przeplatające się historie czerpią z absurdu, czarnego humoru i niezwykle przejmujących momentów, a wszystko to oprawione w unikalny styl wizualny Caraxa. Występ Lavanta jest po prostu niezwykły, ponieważ płynnie przechodzi między postaciami z fizycznością i intensywnością, która wydaje się niemal nieziemska.

W porównaniu do „Innego człowieka” oba filmy poruszają kwestię poszukiwania odkrycia na nowo i performatywnych aspektów tożsamości. W „A Different Man” fizyczna przemiana bohatera i poszukiwanie nowego siebie zajmują centralne miejsce, natomiast Holy Motors przedstawia ciągłą, niemal egzystencjalną płynność ról, które postać przyjmuje w ciągu dnia. Obydwa filmy łączy medytacja nad ludzką potrzebą ucieczki od ograniczeń dawnego siebie, jednak „Inny człowiek” skupia się bardziej na psychologicznych i fizycznych skutkach transformacji, podczas gdy „Holy Motors” rozkoszuje się niemal absurdalnym wyzwoleniem, jakie wiąże się z pozbyciem się jedna tożsamość dla drugiej.

1. Człowiek-słoń (1980)

„Człowiek słoń” to rozdzierająca serce opowieść o ludzkiej godności, tożsamości i traktowaniu przez społeczeństwo tych, którzy wykraczają poza jego normy. Film oparty na prawdziwej historii Josepha Merricka, znanego jako John Merrick, przedstawia życie mężczyzny żyjącego z poważnymi deformacjami w XIX-wiecznym Londynie. Joseph, okrutnie wykorzystywany jako atrakcja poboczna, zostaje uratowany przez doktora Fredericka Trevesa (Anthony Hopkins), który jest pełnym współczucia chirurgiem. W miarę rozwoju wydarzeń w reżyserii Davida Lyncha okazuje się, że Merrick to coś znacznie więcej niż tylko groteskowa powierzchowność, jaką przypisuje mu się społeczeństwo. Pod fizycznymi deformacjami kryje się człowiek o wielkim intelekcie, wrażliwości i, co najważniejsze, głębokiej tęsknocie za kontaktem międzyludzkim.

Mistrzowska reżyseria Lyncha sprawia, że ​​film unika melodramatu, który z łatwością mógłby przytłoczyć taką tematykę. Zamiast tego film jest ponurym i intymnym portretem mężczyzny, który stara się być postrzegany takim, jakim naprawdę jest, a nie tym, kim się wydaje. Zdjęcia do filmu, oszałamiająco uchwycone w czerni i bieli, podkreślają wyraźny kontrast między zewnętrznym wyglądem Merricka a jego wewnętrznym człowieczeństwem. Kreacja Merricka przez Johna Hurta jest po prostu niezwykła, ponieważ ożywia postać, która pomimo fizycznej izolacji przepełnia emocjonalna głębia i złożoność.

W porównaniu do „A Different Man” „The Elephant Man” jest przejmującą medytacją na temat bólu i wrażliwości nieodłącznie związanych z fizyczną przemianą, zarówno zewnętrzną, jak i wewnętrzną. Podczas gdy „A Different Man” bada psychologiczną podróż polegającą na odkrywaniu siebie na nowo poprzez procedurę transformacyjną, „The Elephant Man” koncentruje się na tym, jak postrzeganie wyglądu fizycznego przez społeczeństwo może utrudniać zdolność nawiązywania kontaktu z innymi. Obydwa filmy z mocą zadają pytanie, czy można spojrzeć poza powierzchnię i naprawdę zrozumieć człowieka takim, jakim jest. W „A Different Man” walka bohatera o tożsamość ma swoje korzenie w poszukiwaniu akceptacji i zewnętrznej walidacji, podczas gdy w „The Elephant Man” podróż Merricka jest desperacką próbą bycia postrzeganym jako coś więcej niż tylko jego zewnętrzne deformacje, aby znaleźć przyjaźń i bycia przyjętym ze względu na swoją duszę, a nie ciało. Jeśli podobał Ci się „A Different Man”, pokochasz „The Elephant Man” za całą jego złożoność i emocje.