100 najlepszych filmów wszechczasów

Alejandro Jodorowsky Prullansky, słynny chilijsko-francuski reżyser filmowy, poeta, dramaturg i kompozytor, powiedział kiedyś: „Zawsze myślałem, że ze wszystkich sztuk kino jest sztuką najbardziej kompletną”. Zgadzam się. Pod wieloma względami kino w rzeczywistości jest połączeniem wszystkich innych ważnych form sztuki: malarstwa, pisania i muzyki. To nie przypadek, że kino to także najnowocześniejsza z form sztuki. Przecież ewolucja innych form sztuki była konieczna, aby kino mogło zaistnieć. Fakt, że pozostaje najpopularniejszą formą sztuki niemal od momentu powstania, świadczy zarówno o jej sile, jak i słabości: jest łatwo dostępny, a przez to bardziej komercyjny.

Mając to na uwadze, z przyjemnością przedstawiam Państwu listę The Cinemaholic's 100 najlepszych filmów wszechczasów . Zanim przejdziesz do przeglądania naszej listy 100 najlepszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały, przypomnijmy sobie jeszcze raz, że listy ze swej natury nigdy nie są doskonałe. Dlatego nie twierdzimy, że jest to Święty Graal z listy absolutnie najlepszych filmów na świecie. Ale mogę was zapewnić, że za utworzeniem tej listy pozostało wiele badań. Rozważano tysiące tytułów filmów, a każdy ostateczny wybór był przedmiotem debaty. Jestem pewien, że na liście brakuje wielu Twoich ulubionych filmów. Brakuje też wielu moich ulubionych! Ale zamiast denerwować się tym, skorzystaj z okazji i obejrzyj filmy, których nie widziałeś. Kto wie, może w końcu odkryjesz swoich nowych ulubionych!

100. Parasolki z Cherbourga (1964)

Jacques Demy nadaje swojej romantycznej operze stonowaną, przesadną finezję, która wydaje się nieco hipsterska. Ale ten kolor to nie tylko ten na ścianach, ubraniach i parasolach. Jest również na policzkach młodej dziewczyny, która jest niemożliwie zakochana, gdy przechodzi przez ulicę, aby powitać swojego kochanka i jego nieobecność, kiedy widzimy tę twarz w welonie, młodą dziewczynę, która teraz jest oblubienicą kogoś innego. Jest też kolor w sposobie, w jaki ludzie mówią, a ściślej mówiąc, śpiewają. Ale ich liryczne rozmowy nie rymują się jak większość piosenek. Kiedy wszystko, od zawodów miłosnych po troskę o pieniądze, jest przepojone nieodróżnialną pasją, nie przydałoby ci się łowienie rymów lub rozsądku. Podczas gdy film i wszystkie jego melodyjne rewelacje, wzmocnione nieziemską muzyką Michela Legranda, są rozdzierająco romantyczne, wszystkie decyzje podejmowane przez naszych bohaterów są, jak wszystko w życiu, zdecydowanie takie nie.

Jak na tak nudną fabułę, która stała się podstawą niezliczonych popowych piosenek i telenoweli, każda ramka „Parasolek z Cherbourga”, przepełniona melancholią, jest kusząco świeża, wręcz nieznana. Możesz to przypisać temu, jak autentyczne są emocje i jak szczery jest ich wyraz. Działając na tak skromnej skali, jak to robi, „Parasole” niszczy Cię najmniejszymi odbiciami. Byłem zdumiony tym, jak znaczący może być wpływ dwóch pustych krzeseł, które kiedyś były wypełnione przez dwoje kochanków. W czule wykonanym przysmaku Demy, maszerujemy w karnawałach przepełnionych wstążkami i konfetti, dekorujemy choinki i wręczamy sobie prezenty, chowając wszystkie nasze uczucia gdzieś w zakamarkach naszych serc, bo bez względu na to, jak ciężka jest czyjaś nieobecność czy przeszłość to zapomnieć, wszystko, co możemy zrobić, to żyć fantazją dnia dzisiejszego.

99. Trainspotting (1996)

Trochę trudno jest wyjaśnić kinomanom takim jak my fanatyzm „Trainspotting”. Zdarzyło się to w czasie, gdy narkotyki dopiero zaczęły się zagłębiać. Można by powiedzieć, że upowszechniały one nadużywanie narkotyków i do pewnego stopnia to prawda. Fakt, który z tego wyszedł, był próbą Danny'ego Boyle'a pokazania wzlotów i upadków narkomanii, bez opowiadania się po żadnej ze stron. „Trainspotting” to kultowy film, który opowiada historię czwórki przyjaciół i ich schadzki z nałogiem. Skandaliczne i dziwaczne to jedyne dwa słowa, które to opisują. Uzależniony od narkotyków, który chce być czysty, ale słabnie na każdym kroku z powodu swojej najgłębszej chęci naćpania. Film, hojnie przedawkowany humorem, stara się podkreślić fakt z całą powagą: pomimo luksusów, jakie oferuje życie, młodzi odmawiają im z dużą powagą. A powody? Nie ma powodów. „Kto potrzebuje powodów, kiedy masz heroinę?”

98. Absolwent (1967)

Ach, dni młodości! Beztroski i radosny. Zabawa nie ma się czym martwić. Żadnej troski o przeszłość, która została w tyle, ani o przyszłość, która dopiero nadejdzie. Benjamin Braddock wiódł to beztroskie życie po ukończeniu studiów. A kiedy w końcu wrócił do swojego rodzinnego miasta, spotkał tam panią Robinson. Płomień romansu zaczyna płonąć. Życie przybiera chytry obrót, gdy młody Ben myli seks za towarzystwo. Robi się do góry nogami, kiedy zakochuje się w jej córce. Skłaniający do myślenia film w przebraniu komedii „Absolwent” jest jednym z najzabawniejszych filmów wszechczasów. W roli głównej Dustina Hoffmana pojawia się kultowa linia - „Pani Robinson, czy próbujesz mnie uwieść?”

97. Podwójne życie Weroniki (1991)

Chyba żaden inny filmowiec nie rozumiał kobiet tak głęboko emocjonalnie jak Krzysztof Kieślowski. Mężczyzna po prostu ich kochał i okazywał to z taką pasją i intymnością, że nie możesz się powstrzymać od tego, by poczuć się zakochanym w jego surowej emocjonalnej mocy. „Podwójne życie Weroniki” może być jego największym artystycznym osiągnięciem. Film opowiada o kobiecie, która zaczyna czuć, że nie jest sama i że jakaś część jej życia żyje gdzieś na świecie w innej duszy. Veronique i Weronika to dwie identyczne kobiety, które nie znają się, a łączy ich tajemniczo intymna więź emocjonalna. Wysoce stylizowane zdjęcia Sławomira Idziaka nadają filmowi czule melancholijny charakter, który otula cię i nie odpuszcza. Są uczucia i emocje, które naprawdę trudno nam wyrazić słowami, a film ożywia te niewytłumaczalne uczucia smutku i samotności. „Podwójne życie Weroniki” to oszałamiające dzieło sztuki, które przedstawia ludzką duszę z jej wszystkimi pięknymi słabościami i delikatnością.

96. Cinema Paradiso (1988)

Wiele osób uważa kino za pobłażanie, rozrywkę, rozrywkę, która nie ma żadnego znaczenia w życiu. Ale ja, mając armię zagorzałych kinomanów, którzy gorliwie mnie wspierają, mogę stwierdzić z absolutnym przekonaniem, że kino jest tak samo potrzebne do życia, jak życie dla kina. A „Cinema Paradiso” to piękny, choć ironiczny sposób wyrażenia mojego zdania. Salvatore, odnoszący sukcesy reżyser, wraca pewnego dnia do domu, by usłyszeć o śmierci Alfredo, po czym wraca do swojego rodzinnego miasta na Sycylii w latach 50. Młody i psotny Salvatore (nazywany Toto) odkrywa trwałą miłość do filmów, co zwabia go do wiejskiego kina Cinema Paradiso, w którym Alfredo jest kamerzystą. Po upodobaniu się do chłopca stary chłopak staje się dla niego ojcowską postacią, gdy skrupulatnie uczy Toto umiejętności, które byłyby odskocznią do jego sukcesu w filmie.

Oglądanie Toto i Alfredo dyskutujących o kinie z szacunkiem i patrzenie, jak Alfredo udziela porad życiowych poprzez cytaty z klasycznych filmów, to czysta radość. Dzięki opowieści o dorastaniu Toto „Cinema Paradiso” rzuca światło na zmiany we włoskim kinie i umierający handel tradycyjnym filmem, montażem i projekcjami, jednocześnie odkrywając marzenie młodego chłopca o opuszczeniu swojego małego miasteczka na wycieczkę na zewnątrz. Jeden z najlepszych „filmów o filmach”, jaki kiedykolwiek istniał.

95. Lot nad kukułczym gniazdem (1975)

Jedno z tych rzadkich filmowych przeżyć, które wywołują od razu mnóstwo emocji. W niektórych jest to zabawne, w niektórych podnosi na duchu, a w innych rozbija serce. Jest to również jeden z innych rzadkich wyczynów w prostym, skutecznym opowiadaniu historii, opowiadający o Randle McMurphy, przestępcy, który ma nadzieję na uniknięcie więzienia, udaje, że jest chory psychicznie i nie przyznaje się do winy z powodu szaleństwa. Po przybyciu do szpitala psychiatrycznego buntuje się przeciwko autorytarnej pielęgniarce Rached (granej przez stalową Louise Fletcher) w klasycznym scenariuszu porządku i chaosu. Film udowadnia, że ​​naprawdę nie ma nikogo lepszego do odgrywania postaci z waleniem i wdziękiem w równym stopniu niż sam Jack Nicholson, zdobywając zasłużoną nagrodę Oscara za rolę w filmie. To, co zaczyna się jako trwały i wzruszający film, eskaluje do tragicznego, aczkolwiek pełnego nadziei zakończenia, po niepokojących scenach z samobójstwem i terapią elektrowstrząsami na pacjentach. Film jednak nigdy nie odpuszcza uwagi widza i patosu wobec bohaterów na ekranie, wywołując autentyczne emocje i wiwat dla ludzkiego ducha, który emanuje nawet w obliczu nieodwzajemnionej władzy.

94. Pyaasa (1957)

Gęsty ideami zmiany społecznej i zjadliwymi komentarzami na temat panującej złośliwości i stygmatów społeczeństwa „Pyaasa” nie tylko uosabiał złoty wiek indyjskiego kina, ale był także odbiciem samego indyjskiego burżuazji. Jest to film o subtelnej jakości, w którym wszystkie bezczelne prawdy i surowe realia społeczeństwa gotują się pod powierzchnią, czekając na zbadanie i ekstrapolację przez uważną publiczność. Nie bez powodu „Pyaasa” to ponadczasowy klasyk. Nawet po 60 latach od wydania pozostaje aktualny w czasach współczesnych, ponieważ Indie nadal nękane są przez te same społeczne przekleństwa - korupcję, mizoginię, materializm - do których „Pyaasa” odnosi się bezpośrednio lub pośrednio.

93. Czasy współczesne (1936)

„Czasy współczesne” to humorystyczny film z mocnym przesłaniem. Przedstawiając charakterystyczne dla Chaplina motywy nadziei i ubóstwa, obraz ten skupia się na niekorzystnym wpływie maszyn i innych form postępu technologicznego na zwykłych ludzi, przyciągając w centrum uwagi pracownika fabryki, którego życie przechodzi przez wiele zwrotów akcji, gdy próbuje poradzić sobie z nowym światem. Chociaż slapstick jest niesamowicie zabawny, to wszystko jest zawarte w naczyniu smutku. „Czasy współczesne” wykorzystują inteligentne, subtelne elementy, aby od czasu do czasu zadawać ważne pytania filozoficzne. Punkt kulminacyjny jest jednym z najbardziej wzruszających w historii, obejmującym smutną formę szczęścia i brak prawdziwej odpowiedzi lub rozwiązania. Ten film może być najlepiej napisanym dziełem Chaplina i zaskakujące jest, jak aktualne są tu przedstawione idee nawet dzisiaj. Bez wątpienia przetrwała próbę czasu, droga, którą podąża współczesność, by podzielić się swoimi przemyśleniami, jest prawdopodobnie najlepszym aspektem tego filmowego triumfu.

92. Cienka czerwona linia (1998)

Terrence Malick Powrót do kręcenia filmów po dwudziestoletniej przerwie był naznaczony tym cudownie oszałamiającym dramatem wojennym, który opowiada nie o wojnie, ale o emocjach związanych z wojną. Film jest prawdziwie malicki z natury, z większym naciskiem na efekty wizualne niż na historię, pozwalając ci zanurzyć się w jej doświadczeniu. Geniusz filmu tkwi w wizji Malicka, która widzi piękno w czymś tak mrocznym i krwawym jak wojna. Potrzeba absolutnego geniuszu, aby zmienić coś tak brutalnego i krwawego jak wojna w tak hipnotyczne doświadczenie, które wykracza poza realia wojny, a zamiast tego pozwala zanurzyć się w emocjach jej bohaterów. To takie wciągające doświadczenie, które prosi Cię, abyś poczuł ludzi za bronią i bombami. To zdruzgotane dusze, takie jak my, tęskniące za delikatnym dotykiem, brakuje im ciepła oddechu swoich kochanków i żon, a jednocześnie mają do czynienia z najbrzydszą z odległych od nich rzeczywistości. „Cienka czerwona linia” to po prostu niepowtarzalne doświadczenie; taki, który trzeba zobaczyć, poczuć i nad nim przemyśleć.

91. Łowca androidów (1982)

Ostateczna wersja „Łowcy androidów” Ridleya Scotta jest moim zdaniem największym dystopijnym filmem, jaki kiedykolwiek powstał. Choć Metropolis jest wyborem spornym, trzeba zwrócić uwagę na nieautentyczne wizualizacje kojarzone z niemieckim kinem ekspresjonistycznym. Z drugiej strony „Blade Runner” jest więcej niż doskonały w budowaniu świata, który cierpi z powodu nierówności finansowych, boomu demograficznego, braku czegokolwiek naturalnego, ponieważ nie można tu ufać nawet ciału. Migoczące oświetlenie jest kontekstowo naturalne, ponieważ jest to świat elektroniczny, a Jordan Cronenweth używa go podobnie do codziennego oświetlania przedmiotów w filmie noir. Choć może nie stawiać pytań tak daleko idących jak „Odyseja kosmiczna”, ale sprawia, że ​​zastanawiamy się, czy „androidy śnią o elektrycznych owcach”.

90. Fargo (1996)

Gwałtowny, zabawny, ciepły i brutalnie intensywny „Fargo” to jeden z najlepszych amerykańskich filmów lat 90. i jeden z największych dramatów kryminalnych, jakie kiedykolwiek powstały. Film opowiada o człowieku, który zatrudnia dwóch mężczyzn, aby porwać jego żonę i wyłudzić pieniądze od bogatego teścia. Genialne wykorzystanie czarnego humoru braci Coen przenika film z ciepłą atmosferą, która nadaje filmowi bardzo charakterystyczny ton. To mistrzowskie połączenie komedii, dramatu i przemocy sprawia, że ​​„Fargo” jest tak niezapomnianym kinowym przeżyciem. To wspaniałe ujęcie otwierające wypełnioną śniegiem Minnesotę, pięknie dopełnione nawiedzoną ścieżką dźwiękową, nadaje ton filmowi i wywołuje głęboki smutek, który kryje się pod przemocą i humorem, jakie zawiera film. Frances McDormand jest wyraźnie gwiazdą filmu i kradnie serial, przedstawiając ciężarną szefową policji uwikłaną w świat zła i brutalności, ale udaje jej się znaleźć światło i nadzieję. „Fargo” to emocjonalnie surowy, brutalnie intensywny, ujmująco zabawny i boleśnie realistyczny kawałek czystego, porywającego kina.

89. Eraserhead (1977)

„Eraserhead” to podręcznik o atmosferycznym horrorze. Film, opowiadający historię mężczyzny z dziwnymi włosami, który próbuje samodzielnie wychować rodzinę, z każdą minutą staje się coraz bardziej surrealistycznym koszmarem. Wykorzystując dźwięk i zbliżenia, aby wywołać poczucie klaustrofobicznego strachu, i dopasować to do fabuły, która nie ma sensu na pierwszy zegarek, debiut Davida Lyncha okazuje się jednym z najlepszych w reżyserii głównego reżysera, co samo w sobie jest wielkim uznaniem. To, co robi „Eraserhead”, to stworzenie dystopijnego świata - poplamionego brzydkimi budynkami i mechanicznymi urządzeniami zanurzonymi w okrutnej czerni i bieli - i wrzucenie do niego postaci, które są mniej lub bardziej zagubione w otoczeniu. Chociaż ustalenie „znaczenia” tego obrazu jest prawie niemożliwe, należy zdać sobie sprawę, że nigdy nie jest to intencją. „Eraserhead” wywołuje w umysłach odbiorców uczucie całkowitego dyskomfortu, wykorzystując zarówno wygląd, jak i surrealistyczny styl, i znajduje sposób na manipulowanie ich myślami. Tylko kilka zdjęć jest tak pięknie skonstruowanych, a jednocześnie niezaprzeczalnie groźnych, jak to, i jest to coś, co mógł zrobić tylko ktoś taki jak Lynch.

88. Boyhood (2014)

„Boyhood” to czułe przypomnienie minionych lat nieskrępowanej radości, niezachwianego optymizmu i kipiącej niewinności. Opiera się na czerpaniu piękna, radości i emocji ze zwykłego życia ludzi, a nie z żadnego wzmożonego dramatu (chleb powszedni w większości filmów). Fascynujące jest obserwowanie, jak ze sceny na scenę zmieniają się nie tylko fizyczność postaci, ale także zauważysz zmianę ich mody, fryzury, gustu muzycznego i ogólnie perspektyw na życie. „Boyhood”, w sposób, w jaki robi to bardzo niewiele filmów, przekracza granice kina i staje się maleńką częścią naszego własnego istnienia i doświadczenia. Linklater ponownie przypomina nam, dlaczego jest najlepszy w biznesie, jeśli chodzi o opowiadanie prostych historii o zwykłych ludziach.

87. Days of Heaven (1978)

Ewolucja Terrence'a Malicka w w pełni kontrolowanego, autorytatywnego wizjonera filmowego jest jedną z najwspanialszych rzeczy, jakie kiedykolwiek przydarzyły się kinie amerykańskiemu. Z jego wczesnych prac jasno wynika, że ​​desperacko chciał wyrwać się z konwencjonalnych granic kina. Filmy takie jak „Badlands” i „Days of Heaven” miały pozornie prostą narrację, ale były to filmy, które starały się być czymś więcej. Coś więcej niż tylko opowieść. Doświadczenie. „Days of Heaven” robi to wspaniale niż „Badlands”. Wiele osób często krytykowało film za jego słabą fabułę. Nie mogę powiedzieć, że się całkowicie mylą, ale historia i tak nie jest najważniejszym aspektem filmu. Malick używa tutaj wizualności kina, które kładzie nacisk na nastrój opowieści, a nie na samą historię. Jego intencjami nie jest wywołanie emocji za pomocą losu bohaterów, ale pozwolenie ci ich obserwować, poczuć piękno krajobrazów i zapach ich miejsca. A stworzenie takiego poruszającego trzewi doświadczenia jest niczym innym jak cudem.

86. Grave of the Fireflies (1988)

Przejmujący, wzruszający film, który jest na równi pod każdym względem, o którym można pomyśleć, z innymi filmami akcji na żywo, które podkreślają łupy wojenne. Ten japoński film animowany, skupiający się na okropnościach II wojny światowej, skupiający się na życiu pary rodzeństwa, złamał mi serce w sposób, w jaki żaden inny film nie zdołał, i wciąż tupał po kawałkach do samego końca. Będąc filmem wojennym, działa również cuda na ludzkim froncie, pięknie urzeczywistniając i rozwijając delikatne relacje między Seitą i Setsuko w obliczu przeciwności, które były podczas drugiej wojny światowej. Przekaz jest głośny i wyraźny. Żadna wojna nie jest naprawdę wygrana, a wszelkiej chwale wiążącej się ze zwycięstwami towarzyszą także lamenty niewinnych istnień zniszczonych podczas wojny. Chwaliłbym ten film za to, że nie był jawnie manipulujący emocjonalnie, by uczynić z nas korzenie dla jego bohaterów; ale nie popełnij błędu, jego potężny i bezkompromisowy punkt widzenia na wojnę i trawestacje pary rodzeństwa doprowadzą cię do szlochającego bałaganu. To jest TAKIE smutne. Biorąc to pod uwagę, nie ma innego sposobu, bym to zrobił. To doskonałość w najbardziej rozdzierającej serce formie.

85. Manhattan (1979)

Romans w filmach Woody'ego Allena zawsze wydawał się boleśnie prawdomówny i przygnębiająco realistyczny, pomimo cudownie przejmującego poczucia humoru, jakim je otacza. Choć „Annie Hall” pozostaje jego najodważniejszym filmem, „Manhattan” okazuje się dziełem bardziej dojrzałym pod względem artystycznym. W filmie Allen gra znudzonego, zdezorientowanego Nowojorczyka, niedawno rozwiedzionego, umawiającego się z licealistką, ale ostatecznie zakochuje się w kochance swojego najlepszego kumpla. Allen nieco złagodził humor w tym filmie, abyśmy mogli naprawdę poczuć smutek ogarniający jego bohaterów, który sprawia, że ​​jest to tak wyczerpujące emocjonalnie doświadczenie. To tylko głęboko przejmujący portret miażdżących związków i ułomnych istot ludzkich, zmagających się ze sobą i swoim istnieniem, desperacko poszukujących szczęścia, którego nigdy by nie rozpoznali i nie osiągnęli. I to właśnie ta słodko delikatna, przejmująca świadomość ludzkiej kondycji sprawia, że ​​„Manhattan” jest tak potężnym filmem.

84. Marketa Lazarova (1967)

Bezcielesny senny krajobraz, Marketa Lazarová, ikona czeskiej ikony Franti & scaron; ek Vláčila, jest po prostu jednym z najbardziej niewiarygodnych dzieł sztuki, jakie powstały w XX wieku^thStulecie. Jej awangardowe podejście do języka filmowego ledwo mieści się w granicach tego często potępiającego zwrotu frazesów - bo to coś więcej. Oszałamiająca fuzja obrazu i dźwięku, nieskrępowana konwencją, strukturą lub jakąkolwiek zapisaną zasadą, przez lata buntownicy kinematografii nadawali filmowej formie. Dla porównania, wszystko inne wygląda na tak ściśle kontrolowane - tak nienaturalne i wymyślone w wykonaniu. Marketa Lazarová jest surowa, instynktowna i zaskakująco dynamiczna. Krótko mówiąc: tak wolny - prawdziwy szczyt możliwości odkrywania kinowego medium w każdym calu. Dlatego jest jednym z najwspanialszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały.

83. Singin ’In The Rain (1952)

Singin ’In The Rain to najbardziej wyrazisty musical Złotego Wieku Hollywood. Nie sposób zapomnieć obrazu Gene Kelly tańczącego przy ulicznej latarni, kiedy mówimy o świetlistych chwilach w kinie. Film nie tylko radośnie celebruje własną biegłość, ale także przejście kina z wizualnego medium do rezonującego i stymulującego. To monumentalne osiągnięcie w kinie Technicolor, reżyserski wysiłek Kelly'ego został początkowo zabawnie odrzucony przez krytyków i publiczność. Uważam, że znaczenie tego klasyka rośnie z dnia na dzień, ponieważ różnica między okresami objętymi filmem (życie rzeczywiste i rolkowe) a teraźniejszością rośnie. Tracimy kontakt z ważną erą, a ten film roi się od swojej nostalgii.

82. Nie patrz teraz (1973)

Bardzo trudno jest znaleźć dzieło sztuki wizualnej, które jest tak hipnotyzujące jak „Dont Look Now” Nicolasa Roega. Pod wieloma względami to arcydzieło przypomina ohydnego krasnoluda na końcu. Jest pięknie udrapowany w ekstatycznej kolorystyce, ale kryje w sobie najgorszą część życia: śmierć. Bez względu na to, jak skuteczna jest postać Sutherlanda, uważam, że jest to film napędzany emocjami, ponieważ Roeg stawia pogoń za utraconą miłością nad rozstrzygającą historią. Gotycka podstawa jest bardzo potężnym narzędziem, które wykrzykuje wagę więzi, na których się opiera, więzi ojcowskiej i rodzinnej, a także nadaje niejasny kształt duchom, które nawiedzają bohatera. „Niektóre miejsca są jak ludzie, niektóre świecą, a inne nie”.

81. Podziemny krąg (1999)

Co jakiś czas pojawia się dzieło sztuki, które określa psychikę pokolenia. Jeśli chodzi o kino, lata 50. miały „Buntownika bez powodu”, lata 60. „Absolwenta”, a lata 70. „Amerykańskie graffiti”. Nawet dwie dekady później „Fight Club” jak ulał pasuje do ponurego, niezadowolonego, anty-establishmentowego etosu naszego pokolenia. Jak wiele innych świetnych filmów, „Fight Club” bardzo dzieli i można go filozoficznie interpretować na wiele różnych sposobów - niektórzy uważają, że definiuje współczesną męskość, podczas gdy inni uważają, że gloryfikuje przemoc i nihilizm.

Zasadniczo thriller, film jest opowiadany z POV bezimiennego bohatera cierpiącego na bezsenność i niezadowolonego ze swojej monotonnej pracy, który przecina ścieżki z porywczym wytwórcą mydła o nazwisku Tyler Durden. Durden i główny bohater wkrótce założyli podziemny „Podziemny krąg”, aby niezadowoleni członkowie społeczeństwa mogli wyładować swój gniew. Wkrótce jednak plany Tylera i relacje narratora wymykają się spod jego kontroli, prowadząc do wybuchowego punktu kulminacyjnego (dosłownie!)

Wraz z propagowanym przez siebie nastawieniem do diabła, „Fight Club” jest także znakiem rozpoznawczym jakiegoś asa reżysera współczesnej legendy Davida Finchera. Ponura paleta kolorów, ostry montaż i zgrabna praca kamery zainspirowały hordy mrocznych thrillerów po filmie. Przełomowy film z lat 90.

80. Przed zachodem słońca (2004)

Oto prawda o ewolucji człowieka, której nikt Ci nie powie: Ludzkość wkrótce zatraci sztukę konwersacji. Postęp technologiczny ma duży efekt uboczny: ludzie są coraz mniej zainteresowani prowadzeniem prawdziwej rozmowy - ponieważ mają technologię, za którą mogą się ukryć. Właśnie dlatego seria „Before” będzie działać przez dziesięciolecia. Seria filmów o dwojgu ludzi zaangażowanych w prawdziwą rozmowę to rzadkość nawet dla tego pokolenia. W przyszłości takie filmy w ogóle się nie pojawią. Dlatego przyszłe pokolenia będą spoglądać wstecz na trylogię Przed z podziwem i podziwem. I nie zdziwię się, jeśli trylogia znajdzie swoje zasłużone miejsce nie tylko w historii filmu, ale także w bibliotece każdej szkoły filmowej.

Spośród trzech filmów przed zachodem słońca „Before Sunset” wyróżnia się tym, że jest najbardziej rozdzierający serce. Film, który z natury jest o najsilniejszym ludzkim pragnieniu: pragnieniu bycia z kimś, z kim mógłbyś spędzić resztę życia. Jeśli przyjrzysz się uważnie, „Przed zachodem słońca” ostatecznie staje się lustrem, w którym patrząc, możesz ocenić swoje własne relacje: Gdzie popełniłeś błąd? Kto był dla Ciebie „tym jedynym”? Jakie możliwości przegapiłeś? Co mogło być? To jeden z najrzadszych z rzadkich filmów, w którym Twoje własne doświadczenie życiowe wzbogaci i wzmocni Twoje doświadczenie związane z filmem.

79. Matrix (1999)

Genialny, sprytny pomysł wyrenderowany na ekranie przez Wachowskich, który zaowocował filmem, który sprawił, że wielu widzów nieufnie odnosiło się do rzeczywistości, w której się znaleźli. To prawda, kiedy powstał „Matrix”, nie było już powrotu, zmieniło się rzeczy. Film nie tylko przełamał nieco nowy grunt w swojej historii, ale także zrewolucjonizował sposób, w jaki później powstawały filmy science fiction i filmy akcji. Sukces „Matrixa” jako filmu polega również na tym, że mistrzowsko balansuje on między tematami, w tym filozofią, egzystencjalizmem, a nawet religią, cały czas ubrany w postać akcji i filmu science-fiction. Zdolność Neo do manipulowania symulowaną rzeczywistością w celu dokonania pozornie niemożliwych wyczynów oraz wykorzystania „bullet time”, techniki akcji, która jest teraz niczym innym jak ikoniczną, dodaje filmowi pomysłowości. Gatunek może być teraz przesadzony, ale kiedy wyszedł jako pierwszy, można śmiało powiedzieć, że publiczność nie widziała czegoś podobnego.

78. Siódmy Kontynent (1989)

Nazywanie horroru „Siódmym kontynentem” Michaela Haneke'a brzmi dla mnie bardzo źle, ale tak określa go większość ludzi, którzy go widzieli. Trudno z nimi polemizować, ponieważ oglądanie tego filmu pozostawia uczucie beznadziejności, przygnębienia i strachu. Mając do czynienia z rodziną, która nienawidzi świata i życia w ogóle, ten klasyk z 1989 roku przyjmuje zimną i odległą postawę, aby jeszcze bardziej odizolować trójkę graczy od reszty społeczeństwa, co powoli, ale z pewnością powoduje, że publiczność głęboko czuje się z nimi jako ich istnienie przybiera mroczny obrót. Będąc jednym z najbardziej niepokojących filmów, jakie kiedykolwiek pojawiły się na srebrnym ekranie, debiutancki kawałek Haneke drwi z widza i nigdy nie odpuszcza. Jeśli widzowie nazywają to horrorem, to robią to w nawiązaniu do przerażającego filmu, który nie przypomina żadnego innego. Pokryta niejednoznacznością i realizmem, Siódmy kontynent to osobista, intymna i przerażająca opowieść o prawdziwej historii, która pozostawia cię w ciszy, ponieważ przez co najmniej kilka minut po jej zakończeniu nie możesz wypowiedzieć ani jednego słowa.

77. Zodiak (2007)

„Zodiac” nie jest zwykłym thrillerem; jest powolny i koncentruje się bardziej na nastroju i postaciach niż fabule. Panuje aura, którą David Fincher buduje tak bardzo, że czujesz w kościach nastrój filmu. To nie jest film, który sprawi, że będziesz szczęśliwy, kiedy się skończy. To także film, w którym zły wygrywa, dobrzy przegrywają. I dlatego jest tak dobra. Nie tylko dobre, ale nowoczesne arcydzieło. Kiedy film wprawia cię w drgania przez pełne dwie i pół godziny i zostawia cię na myśl przez wiele dni, musi mieć wiele rzeczy dobrze, których nie mają rutynowo kręcone thrillery. Moim zdaniem „Zodiak” to najlepszy film Finchera, w którym dzięki swojej dyscyplinie i wachlarzowi umiejętności pokazuje, dlaczego czasami „mniej znaczy więcej”.

76. Magnolia (1999)

„Magnolia” jest bez wątpienia najbardziej osobistym dziełem Paula Thomasa Andersona. Histeryczna atmosfera, którą Anderson wnosi do filmu, nadaje melodramatowi pewną płynność emocjonalną, która jest tak niesamowicie uzależniająca i oczyszczająca w swojej energii. Film rozgrywa się w całości w dolinie San Fernando, a różne powiązane ze sobą postacie przechodzą przez różne fazy swojego życia, walcząc z własnymi wewnętrznymi demonami i konfliktami emocjonalnymi. Anderson kocha tych ludzi, zna ich i rozumie, ale bez skrępowania przedstawia ich tym, kim są; zupełnie nagie istoty ludzkie, surowe i czyste, konfrontując się i pokonując swoje najgłębsze lęki i słabości. To, co sprawia, że ​​„Magnolia” jest tak wyjątkowa, to fakt, że jest to film, który wiele mówi o swoim twórcy. Mamy wgląd w życie Andersona, miejsce, do którego należy, i ludzi w jego życiu. W całym filmie jest bardzo dużo Andersona. Film taki jak „Magnolia”, gdyby wyreżyserował go jakikolwiek inny filmowiec, wydawałby się przestarzały i wydawałby się produktem swoich czasów, ale z Andersonem tylko dodaje mu uroku.

75. Rosemary’s Baby (1968)

„Rosemary’s Baby” to mroczne, pokręcone dzieło sztuki, które bawi się niewinnością, aby stworzyć poczucie horroru. Film, poświęcony kobiecie doświadczającej komplikacji w czasie ciąży, wkracza na zupełnie nową ścieżkę fabularną, pozwalając odegrać główną rolę elementom rytualnym. W tym filmie jest tak wiele do pokochania, począwszy od dobrze napisanych postaci, a skończywszy na odległym, wylęgającym się środowisku otaczającym każde zdarzenie, które ma miejsce. W całym obrazie zawsze pojawia się napięcie, a to częściowo dzięki cichej, ciągłej kinematografii wykonanej w ścisłym reżyserskim stylu Polańskiego. Mia Farrow gra tutaj najlepiej w karierze jako Rosemary Woodhouse, kobieta, która słabnie, walcząc z bólami towarzyszącymi noszeniu dziecka. Ogólnie atmosfera uchwycona przez ten film jest dopasowana do kilku innych, a sposób, w jaki przenika do twojej skóry, jest naprawdę czymś innym.

74. Dobry, zły i brzydki (1966)

Porywające postacie grane przez legendarnych aktorów, nieokiełznana, brutalna akcja rewolwerowców, wciągająca muzyka i intensywne kinematografia - trzecia część trylogii „Dollars”, o której mówi się, że jest narodzinami spaghetti westernów, to pobłażliwe, wciągające i rozrywkowe kino w najlepszym wydaniu. Blondie or No Name (The Good), zawodowy rewolwerowiec i Tuco (Brzydki), poszukiwany wyjęty spod prawa, tworzą niechętną lojalność, gdy każdy z nich dowiaduje się ważnego szczegółu na temat zapasu złota ukrytego przez zbiegłego sprzymierzeńca. którego Angel Eyes (The Bad), zabójca, ma zabić. Podróż tria stanowi sedno porywającej fabuły, która kończy się spojrzeniem w dół w klasycznym stylu westernu. Clint Eastwood jako Blondie jest obrazem machismo, Lee Van Cleef jako Angel Eyes jest uosobieniem zła, a Eli Wallach jako Tuco dodaje złożoność postaci, w postaci impulsów i wściekłości, prostszym, ale bardziej efektownym działaniom dwóch większych gwiazd Dobra kontra Zło. Ale wodze reżysera są zawsze w rękach Sergio Leone - używa on rozległych długich ujęć i intensywnej kinematografii z bliska, aby stworzyć napięcie w postępowaniu. Definiujący gatunek film Quentin Tarantino, jeden z największych przedstawicieli współczesnego westernu, nazywany niegdyś „Najlepiej wyreżyserowanym filmem na świecie”.

73. Podróżujący gracze (1975)

Zbyt długo intymny, delikatnie skomponowany epos Theo Angelopoulosa był znany niewielu entuzjastom filmu i być może doceniony przez jeszcze nielicznych. Jego dostojne, stopniowe wznoszenie kinowego pomnika naszej ezoterycznej, tajemniczej relacji z czasem jest zrozumiałe, nie dla każdego. Ale dla ciekawskich wśród nas było znane, że zapewnia ukojenie, daje mądrość i daje spostrzeżenie, które pomaga w znalezieniu stałych, których można się trzymać w tym uniwersalnie i okrutnie dynamicznym świecie. Wśród wielu rzeczy, które ten film jest słuszny, jest nieskazitelne zrozumienie objawień z opowieści „Orestes”. Mitologia związana z tragiczną postacią uchwycona jest z paraliżującą pokorą, a mimo to filmowi udaje się przenieść nas przez swoją elastyczną wizję do melancholijnego, powolnego spojrzenia na Grecję z połowy XX wieku. Jej doczesna elegancja usprawiedliwia oglądanie historii stojąc obok trupy: z zewnątrz do wewnątrz. Masz skłonność zarówno do wyczuwania jej surowości, jak i do refleksji nad jej stworzeniem. Jest to rzadka antyfaszystowska lekcja historii, ponieważ nigdy nie mówi nam, co mamy myśleć. Pokazuje nam tylko, co czuć. Angelopoulos i autor zdjęć Giorgos Arvanitis umieszczają nas w zapierających dech w piersiach miejscach i zmywają je niszczycielską okrucieństwem tamtego okresu. „Podróżujący gracze” to skromny, rzadki klejnot, który sprawia wrażenie, jakby został ocalony z ulic pełnych zamieszek i przetrwał głód. Mówiąc prościej, nie zasługujemy na to.

72. Cache (2005)

Michael Haneke jest często oskarżany o to, że zawsze zajmuje się ponurymi narracjami. Ta charakterystyka jest całkowicie niesprawiedliwa, ponieważ zasadniczo dostarcza humanitarnego wglądu w ciemność, która nas wszystkich otacza, w jaki sposób nasze błędne postrzeganie prowadzi do bolesnej izolacji i jak nasze złudzenia zmniejszają nasze szanse na pokonanie tej izolacji. „Caché” to nie tylko obszerny, palący dokument, który wskazuje na okrucieństwo masakry na Sekwanie w 1961 roku i naszą nieludzkość jako społeczeństwo, ale także poetycko uniwersalne studium charakteru. Georges, nasz bohater, postrzega życie i swoją obecność jako istotę społeczną w zniekształconym poczuciu radości. Ucieka przed komfortem zaufania i komunikowania się z innymi. Cieszy się swoją wyobcowaniem, tak jak zraża wielu, którzy go tak kochają. W ten sposób Haneke kpi z pokolenia, które pragnie zostać sam. Jego kamera jest czasami niezwykle odległa, tak jak wielu z nas jest w relacji do naszego otoczenia. Ale pod jego kontrolą musimy stawić czoła naszej nieprzyzwoitości, naszej bezmyślności, naszej rzeczywistości. Jeden z najtrudniejszych fragmentów kina, jakie kiedykolwiek zobaczysz.

71. Spirit of the Beehive (1973)

Hiszpański mistrz Victor Erice przed przejściem na emeryturę nakręcił tylko trzy filmy fabularne. Jego filmy, takie jak El Sur, „Drzewo słońca” Quince, a zwłaszcza Spirit of the Beehive, jego nieokreślony debiut, sprawiają, że wszyscy żałujemy, że nadal kręci filmy. Parabilistyczna opowieść o dwójce dzieci, z których jedno bada swoje życie z niewinną, często oszałamiającą fascynacją, a drugie obsesją na punkcie filmu „Frankenstein”, który grał w lokalnym teatrze. Jego tajemniczy portret hiszpańskiego serca pozostaje w kuszącej dwuznaczności charakterystycznie neutralny kierunek Erice - rzadko zapuszcza się w filmową metodę na rzecz cichej obserwacji. Wynikowa praca jest kłopotliwa, wciągająca i sprawi, że będziesz się zastanawiać nad nieodłączną zagadką samego życia: jego nierozwiązanymi pytaniami, wielkimi tajemnicami i zaskakującą niedostępnością. Aby pozostawić cię całkowicie zdruzgotanego lub nieporównywalnie poruszonego, nie ma wątpliwości, że w obu przypadkach „Duch Ula” będzie ważnym doświadczeniem.

70. Wszyscy ludzie prezydenta (1976)

Watergate. Jedno słowo, które zniweczyło zasłony prezydenta Richarda Nixona i uświadomiło ludziom, że nawet osoba o randze prezydenta może schylić się w jak najmniejszym stopniu, aby załatwić swoje sprawy. Podczas gdy kumple Prezydenta zajęli się sprzątaniem bałaganu, który stworzył, było dwóch reporterów, którzy poczuli to. Pomimo grożących im zagrożeń, pracowali niestrudzenie, ścigali nawet najmniejsze wskazówki, a niekiedy przynosili na siebie niebezpieczeństwo w procesie przedstawiania ludziom faktów. Oparta na książce pod tym samym tytułem, napisanej przez reporterów Boba Woodwarda i Carla Bernsteina, „All the President’s Men” to wnikliwa obserwacja tego, czym powinno być prawdziwe dziennikarstwo. Film wyreżyserowany przez Alana J Pakulę był nominowany do ośmiu nagród akademii, ostatecznie wygrywając trzy i tracąc przy okazji najlepszy obraz na rzecz „Rocky'ego”.

69. Army of Shadows (1969)

Myślę, że doskonałym punktem odniesienia dla nowicjuszy w twórczości Jean-Pierre'a Melville'a jest Stanley Kubrick. Obaj praktykują ekstremalną techniczną precyzję i emanują absolutną pewnością siebie w każdym bębnie pracy, który wykonali w ciągu długich i twórczo lukratywnych karier. To powiedziawszy, tanią, ale trudną skargą, którą każdy może złożyć na amerykańskiego reżysera, jest jego „bezduszność”. Pustka ludzkiej ekspresji. Tak nie jest w przypadku Melville. W „Army of Shadows” postacie Melville'a płoną gorzką iskrą napędzaną rozpaczą, która sprawia, że ​​każda ich akcja emanuje ludzkością. W śmiertelnym świecie ruchu oporu wojennego jeden fałszywy ruch może doprowadzić do całkowitej destrukcji i to właśnie dzięki wspomnianej wdziękowi i wirtuozowskiej kontroli nad swoim kinem Melville zasiewa ziarna całkowicie wiarygodnego, przekonująco martwego świata. „Army of Shadows” to jedno z najcichszych, intrygujących i monumentalnie poruszających dzieł, jakie wyszły z francuskiego kina - a przegapienie takiego pomijanego przez przestępców klasyka byłoby wyrządzeniem sobie poważnej krzywdy.

68. Lśnienie (1980)

W swojej adaptacji klasyka Stephena Kinga Stanley Kubrick stworzył w 1980 roku film, który na nowo zdefiniował gatunek horroru. Tutaj nie chodzi tylko o historię lub postacie, których boją się narodziny. Środowisko i sposób, w jaki został sfilmowany, wspaniale pomagają w tym, że otępiające napięcie przeniknęło do umysłów widzów. Film śledzi Jacka Torrence'a, nowo mianowanego opiekuna w The Overlook Hotel, i jego rodzinę, którzy spędzają okres całkowitej izolacji w tajemniczym budynku. Dzięki oszałamiającym występom i doskonałej pracy kamery Kubrick sprawia, że ​​treść filmu wnika głęboko w naszą podświadomość. Sposób, w jaki manipuluje dźwiękiem i atmosferą, jest absolutnie niesamowity i tworzy niezapomniane i mrożące krew w żyłach dwie i pół godziny. Świat „Lśnienia” jest pięknie ciemny, ściskając mocno za kołnierz przez cały zapierający dech w piersiach trzeci akt.

67. Chinatown (1974)

Jest film noir i neo-noir, a dokładnie pomiędzy nimi siedzi Jake Gittes, ubrany schludnie ubrany w świeżą fedorę, która komplementuje uśmiech na jego twarzy. Chociaż jestem wielkim wielbicielem Polanki, zawsze jest coś, co nie pasuje do końcowego produktu jego filmów. Z wyjątkiem Chinatown. To przełomowe arcydzieło nie tylko stworzyło własną tożsamość, ale jest zawsze oglądane przez filmowców, którzy zapożyczają jego styl, aby stworzyć tożsamość dla swojego filmu. Polański to magik w pracy, oszukuje nas wyróżniającymi się leadami oraz klasycznym tempem i scenerią noir. Ale potem nadchodzi ostatni akt Chinatown, który tak szybko przełamuje wszelkie konwencje pierwotnie związane z podobnymi kryminałami, że zostajesz z przytłaczającym uczuciem szoku i rozpaczy. Jego niepowodzenie w pokonaniu Ojca Chrzestnego II wciąż mnie intryguje, ale po pół wieku ludzie zapomnieli o Sycylii, ale nigdy o Chinatown.

66. Szatan Tango (1994)

Wyznanie numer jeden: prawie nigdy nie widziałem rozległego, cudownego arcydzieła Béli Tarr. Można by przypuszczać, że jest to ulubieniec kina wszechczasów i znakomita reputacja, jaką zdobył wśród amerykańskich kręgów artystycznych, a wśród najbardziej poinformowanych krytyków filmowych na całym świecie zaintrygowałaby mnie. Ale sam ogrom czasu jego trwania (około 432 minut) i tempo podobne do loris, które tak cieszyłem w „Werckmeister Harmonies” Tarra, wydawały się zniechęcające. Spowiedź numer dwa: po raz pierwszy zobaczyłem „Sátántangó” za jednym zamachem. Zahipnotyzował mnie jego pragmatyczny sens realnego świata i cierpliwa, roztropna sensacja kina. Więcej obserwował, niż odzwierciedlał i rozważał, niż przedstawiał zgrabnie sformułowane oświadczenia. Jej mityczny, ponury realizm był zbyt piękny, aby był prawdziwy i zbyt brutalny, aby można go było zrealizować z takim okiem na piękno.

Do końca chciałem tylko zamknąć wszystkie okna i otulić się w ciemności, ponieważ film był dla mnie jak ten szaleniec w kościele, a jego zawodzenie miało zbyt wiele sensu. Wyznanie numer trzy: Z radością informuję, że mądre refleksje społeczne i polityczne „Sátántangó” zaczęły być dla mnie jasne, ponieważ wielokrotnie do nich wracałem. Szczególnie niezapomniane było lato spędzone na pożeraniu powieści László Krasznahorkai, która jest materiałem źródłowym do filmu. Jedyne, co mogę teraz zrobić, to mieć nadzieję, że nadal będę czerpać korzyści z tego szczęśliwego wypadku.

65. Egzorcysta (1973)

„Egzorcysta” Williama Friedkina jest wyreżyserowany doskonale. Mężczyzna jest niesławny z powodu błędnej ścieżki kariery, w której klasyki wpadają w szał (i często dwie grupy przechodzą w fascynujące eksploracje filmowej bezwstydności). W swoim najlepszym filmie Friedkin zdecydował się nakręcić dramat, który akurat dotyczył opętania przez demony: szycie patosu dla swoich złożonych postaci i trzeźwe tłumaczenie tekstu oryginalnego autora Williama Petera Blatty'ego uwięzionego między wiarą a paraliżującymi wątpliwościami. Końcowy rezultat pracy dwóch wspaniałych artystów na szczycie swojej gry, aby dostarczyć migoczącego klasyka amerykańskiego kina: takiego, który przyćmiewa prawie każdy film w swoim gatunku (z wyjątkiem być może niesłusznie przerażającego `` Wake in Fright '' lub nieoczekiwanego tour-de Tobe Hoopera -siła Teksańska masakra piłą mechaniczną ). Po prostu oszałamiające.

64. Suspiria (1977)

„W naszych snach wkraczamy w świat, który jest całkowicie naszym własnym” - J.K. Rowling. A co by było, gdyby jeden z najbardziej pokręconych umysłów kina zdecydował się spryskać swoją podświadomość fragment filmu. Uważa się, że film Suspiria Dario Argento przeciwstawia się logice filmowej dzięki swojej dziwnie skonstruowanej historii. Uważam jednak, że to arcydzieło neoekspresjonistyczne, które oddaje prawdziwą istotę kina, czyli sprawić, że poczujemy się naprawdę, prawdziwie żywi. Argento rozumie wartość przestrzeni, dlatego bardziej skupia się na kinematografii i scenografii, które są dominującymi mieszkańcami jego filmu. „Suspiria” nie tylko reprezentuje styl Argento, ale także cały włoski horror, gatunek inspirowany estetyką sztuki.

63. A Man Escaped (1956)

Niesamowicie precyzyjny i inspirująco ekonomiczny, tak rzadki strzał Roberta Bressona został trafiony w 1956 roku „A Man Escaped”. Szczyt sił rtęciowych tego mężczyzny jako filmowca, jest następstwem prób ucieczki francuskiego agenta ruchu oporu Fontaine'a z coraz bardziej niebezpiecznego nazistowskiego więzienia i znajduje znaczenie w każdej klatce. Od oszałamiająco ludzkiego portretu głównego bohatera François Letterriera, którego zapadnięte policzki i wyłupiaste oczy tak przekonująco wyrażały miażdżący ciężar życia w czasie wojny, po minimalizm Bressona, który potrafił pielęgnować palącą intymność między publicznością a zdesperowanym człowiekiem : Od częstych POV i eleganckich kompozycji, które nie przesadzały z technikami, otaczająca go praca Bressona czasami utonęła. Nie wycinałbym ani jednej klatki - i dlatego ten film służy jako absolutnie niezbędny sposób edukacji dla początkujących filmowców: Aby namaluj coś tak żywego i gęstego, bez poczucia, że ​​jest to przytłaczające.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

W takich czasach nie ma lepszego filmu niż „Zabić drozda”, który wyjaśni neonazistom prawdziwe znaczenie kasty, wyznania i rasy. Umiejscowiony na osi czasu podzielonej rasowo Ameryki, Afroamerykanin zostaje oskarżony o naruszenie skromności białej kobiety. U szczytu rasowej niesprawiedliwości, kiedy sąd pełen białych ludzi domaga się jego krwi, jeden człowiek musi walczyć w jego sprawie. Jeden biały człowiek o imieniu Atticus Finch. Walczył mężnie, aby udowodnić, że wszyscy ludzie są równi w sądzie, bez względu na to, czy byli kolorowi, czy nie. Jego wysiłki poszły na marne, ponieważ sąd orzekł winnego mężczyznę. Ale to, co pozostaje z widzem, to lekcja, którą Atticus Finch przekazuje swoim dzieciom. Oznacza to, że „nigdy tak naprawdę nie rozumiesz osoby, dopóki nie rozważysz rzeczy z jej punktu widzenia”. Na podstawie bestsellera Harper Lee o tym samym tytule „To Kill A Mockingbird” to jeden z najlepszych filmów wszechczasów.

61. Tylne okno (1957)

To, co odróżnia arcydzieło thrillera od zwykłych ścieków, które regularnie na nas spiętrzają, to fakt, że w tym ostatnim zwrot akcji pojawiają się w mgnieniu oka, spoczywając bardziej na naszym szoku niż na prawdziwości zwrotu, który wywarł wpływ. Ale w filmach takich jak „Rear Window” drobne rzeczy widoczne są z czasów, gdy jeżdżący na wózku zawodowy fotograf L.B. „Jeff” Jeffries wygląda przez tylną szybę i gromadzi się kropla po kropli, aż do zalania, przez co niewinny Jeff podejrzewa, że ​​mężczyzna mieszkający po drugiej stronie dziedzińca popełnił morderstwo. Hitchcock po mistrzowsku wykorzystuje swój aparat jak narzędzia iluzjonisty, aby utrzymać swoich widzów w napięciu, oszukaniu i zgadywaniu, aż do oszałamiającego odkrycia. Poprzez obsesyjne śledzenie przez Jeffa tematu, który go interesuje, Hitchcock komentuje błędne przekonania o voyeuryzmie, jego kuszące i ponurego stylu życia w mieście, które do niego prowadzi. Co jeszcze bardziej niewiarygodne, jest to komentarz na temat podglądactwa widza w takim samym stopniu jak komentarz Jeffa; ponieważ jesteśmy urzeczeni zniewoleniem Jeffa. Patrzenie, gdy nie jest się obserwowanym, jest niegodziwą radością; Hitchcock to wie, podziwia i wciąga nas w to.

60. 4 miesiące 3 tygodnie i 2 dni (2007)

Niektóre filmy cię poruszają; niektóre rozśmieszają; niektóre łamią ci serce. „4 miesiące, 3 tygodnie i 2 dni” należą do specjalnej kategorii filmów: takich, które wywołują niepokój i zdenerwowanie. Jak można się domyślić, takie filmy są prawdopodobnie najrzadszymi z rzadkich ras. Film śledzi losy dwójki przyjaciół, którzy próbują zorganizować aborcję w brutalnym komunistycznym reżimie Ceausescu w Rumunii. Trzewny i bezkompromisowy film chwyta cię za kark i nigdy nie pozwala odejść. Oglądanie tego filmu jest jak bolesne uczucie, kiedy nerwowo czekasz, aż ktoś z Twoich bliskich wyjdzie z sali operacyjnej po operacji. To nie jest tylko realistyczne kino w najlepszym wydaniu; jest to również jeden z filmów, które zmieniają życie, jakie kiedykolwiek zobaczysz.

59. Ostatni rok w Marienbadzie (1961)

Alan Resnais ”1961 film„ Ostatni rok w Marienbadzie ” jest najbliższą wizualizacją snu, jaką udało nam się osiągnąć, i odbywa się to w tak dziwny sposób, jak to tylko możliwe. Muzyka, która zajmuje tło przez większość czasu odtwarzania, działa jako środek uspokajający, który wprowadza publiczność w senny stan. Mimo to prawie niemożliwe jest oderwanie wzroku od ekranu, ponieważ na całym obrazie dzieje się tak wiele, ale tylko niewiele jest pokazanych. Lubię myśleć o „Last Year At Marienbad” jako film wyobrażony z podświadomości, ze względu na swoją powtarzalność i zagmatwanie. Postaci są zdezorientowani dziwacznym światem, w który zostali umieszczeni. To dojrzały i wyrafinowany utwór, a dla mnie główny wątek - dotyczy mężczyzny i jego relacji z dziwną kobietą, którą doskonale pamięta spotkanie rok wcześniej, choć ona nie pamięta o nim tego samego - bardzo wciągająca, oryginalna, namiętny, romantyczny, zjawiskowy i oczywiście genialny.

58. dzikie truskawki (1957)

Czy byłeś kiedyś na wycieczce, podczas której nie masz nic lepszego niż wyglądanie przez okno? Przez pewien czas patrzysz na widok na zewnątrz, zanim nadejdą twoje myśli, a to, co jest na zewnątrz, jest teraz tylko szablonem - nie przykuwa już twojej uwagi. Tak dzieje się z Isakiem Borgiem, bohaterem klasycznego nastroju Bergmana, który znalazł się na niezliczonych listach najlepszych filmów wszechczasów, w tym na liście opracowanej przez Stanleya Kubricka w 1963 roku. Podróżuje ze swoją synową, aby otrzymać dyplom „Doktora Jubilarisa” ze swojej macierzystej uczelni. Ona go nie lubi i planuje zostawić jego syna. Ale nasz profesor, grany przez genialnego Victora Sjöströma, nie interesuje się zbytnio przyszłością. Jego myśli, aw konsekwencji film, katapultowany przez wielu ludzi, których spotkał podczas swojej podróży, rzucają światło tylko na jego przeszłość. Widziane przez wyrozumiały, pewny obiektyw Bergmana, jego wspomnienia są proste, znajome i ludzkie. Nie gloryfikują jego życia ani nie odrzucają jego osiągnięć. Są niechlujne, jak większość naszych i celowo zniekształcone. Kiedy w końcu dociera do miejsca, w którym ma otrzymać zaszczyt, zdajemy sobie sprawę, że nigdy nie potrzebował nagrody. Dostał to już w tych truskawkach, które zebrał ze swoją ukochaną z dzieciństwa, kupcem, który go pamiętał, niespokojną relację z żoną, dobro i zło, odkupienie i niewybaczenie. Podobnie jak my, w postaci tego tajemniczego, niewytłumaczalnie poruszającego się filmu.

57. Zasady gry (1939)

Genialna, zjadliwa komedia obyczajowa Jeana Renoira zachowuje się zaskakująco dobrze po tylu latach, pozostając równie zabawnym i nawiedzającym jak zawsze. Został on odrzucony w momencie jego premiery zarówno przez krytyków, jak i publiczność, co spowodowało, że Renoir wyciął znaczną część filmu po katastrofalnej premierze - część, w której przeważała postać Octave, którą grał sam Renoir. Trudno się dziwić, od tego czasu jego wzrost. Film, w swoim przebiegłym, autorytatywnym żonglowaniu postaciami, tematami, tonami i scenerią, jest zawsze szalenie zabawny, ale nigdy nie jest mniej pracowity lub mniej bogato wykonany niż najlepsze światowe kino z tamtego okresu. Jego skrupulatnie kute obrazy pulsują wyrafinowaniem, ale wysiłek nigdy nie jest widoczny, a film pozostawia zdziwienie w zdumieniu, jak głęboko uwikłałeś się w umiejętnie zbudowaną atmosferę. Operatorzy Jean Bachelet i Renoir bawią się aparatem w sposób, który nadaje filmowi lekkości, ale ich nieustanna kontrola sprawia, że ​​jest to nieustannie intrygujące przedsięwzięcie. Jeśli to wszystko nie wystarczy, powinieneś wiedzieć, że Alain Resnais powiedział kiedyś, że film był najbardziej przytłaczającym przeżyciem, jakie kiedykolwiek miał w kinie. Trudno byłoby znaleźć bardziej promienną rekomendację.

56. Trzeci człowiek (1949)

Film-noir to gatunek kojarzony z filmami, które pełne są ciemnych uliczek, tajemniczych, uwodzicielskich postaci, tajemniczości i kremowej czerni i bieli, która to wszystko pokrywa. Chociaż wiele z tych zdjęć jest intrygujących i zapewnia dobrą zabawę, niewiele z nich próbuje czegoś innowacyjnego i innego. Trzeci człowiek to jeden z najwspanialszych filmów noir, jakie kiedykolwiek nakręcono, ponieważ wyjątkowo dobrze opowiada swoją zdumiewającą historię, wykorzystując imponujące holenderskie pochylenia, uderzające światło i piękną muzykę. Film opowiada o człowieku i jego własnym dochodzeniu w sprawie zabójstwa jego zamożnego finansowo przyjaciela. Fabuła Trzeci mezczyzna jest podszyta romansem, czarnym humorem, zwrotami akcji i napięciem. W istocie film można nazwać słodką historią miłosną, ale biorąc pod uwagę wszystko inne, zauroczenie pozostaje wątpliwe. Odgrywając mistrzowsko napisany scenariusz, magnum opus Carol Reed jest takim, które utrzymuje cię na krawędzi swojego miejsca od skromnego, lekkiego pierwszego aktu do końca, który może być najmądrzejszym finałem każdego obrazu, który ty. kiedykolwiek zobaczę.

55. Cries and Whispers (1972)

Tragiczny dramat rodzinny Ingmara Bergmana dotyczy smutku, który jest zarówno nieskazitelnie desperacki, jak i gorączkowo naglący. To nie jest cierpliwie budowane scena po scenie i dostarczane na tacy do końca. Jesteś zmuszony do wdychania go od samego początku filmu, który przedstawia głównych graczy i ich stwardniały, palny smutek z pięknymi zbliżeniami, które wyraźnie pokazują ich duszący dyskomfort. Wszystko to pokryte jest bezlitosnym mnóstwem czerwieni, w postaci szkarłatu, którym pomalowane są ściany domu, w którym toczy się historia. Bergman uświadamia nam smród śmierci, który otacza kobiety o tak imponującym kierunku, że faktyczna śmierć nie jest powodem do niepokoju. Z natury gwałtowna tęsknota kobiet sprawiła, że ​​wszystko w filmie stało się nawiedzonym, przesiąkniętym krwią wspomnieniem w moim umyśle. Niezmiennie fascynujące efekty wizualne Svena Nykvista są łagodzone przez subtelne teksty Bergmana i mistrzowsko przeżywane kreacje aktorów. Świetlista Liv Ullman wydaje się tajemnicza i fascynująca za każdym razem, gdy kamera jest na niej, podczas gdy niedowierzająca Ingrid Thulin i Harriet Andersson są tak nietknięte w swojej pracy, że kontakt z ich uczuciami wydaje się inwazyjny. Bergman nie daje nam jasnych pomysłów do zabrania do domu, ale odmawia nam wszystkich innych wrażeń niż te, których doświadczają jego bohaterowie. Zastanawiamy się, jak daleko sięga jego dostęp do naszych emocji i poszerza go na każdym kroku. Ostatecznie nie należy wierzyć w „Krzyki i szepty”, należy nimi żyć.

54. Pewnego razu na Zachodzie (1968)

Może to zapadająca w pamięć muzyka Morricone, a może wizja Delli Colli, która jest tak rozległa jak Zachód, a może niezachwiany żwir w oczach Bronsona i Fondy i może jest kulminacją wszystkich tych aspektów w prawie każdym kadrze mistrza Sergio Leone . Jeśli potrzebujesz westernu, który ma zarówno piękno Johna Forda, jak i bezlitosną dzikość Sama Peckinpaha, to po prostu nie ma nikogo blisko Leone. W swoim magnum opus osiąga to, co zajęło mu 3 filmy wcześniej, aby stworzyć mistyczny świat pośrodku niczego. Chociaż na powierzchni może nie być nic duchowego, film ma bogów. Bogowie noszący korony wypełnione 10 galonami prochu i żwirem, który połykają wodą. Poza tym obsadzenie Henry'ego Fondy jako antagonisty było prawdopodobnie decyzją tamtej dekady, ponieważ jego lodowate niebieskie oczy nie przypominały niczego, czego Zachód kiedykolwiek był świadkiem.

53. Annie Hall (1977)

Nikt nie może twierdzić, że rozumie zagmatwaną, pochłaniającą wszystko zagadkę, jaką jest miłość jak Woody Allen. Żaden film Woody'ego Allena nie jest tak bliski pokazania go w jego prawdziwej, dziwacznej chwale, jak ta opowieść o Alvy Singerze, neurotycznym, nihilistycznym komik z Nowego Jorku, który zakochuje się w `` więcej niż miłości '' zawrotnej, lekkiej, wesołej Annie Hall i następnie wypada z niego. Film bada także różnice płci w seksualności poprzez relacje w rodzaju „Yin i Yang” Alvy i Annie. Pod koniec nawet Alvy akceptuje miłość jako „irracjonalną, szaloną i absurdalną”, ale niezbędną w życiu. Użycie wielu innowacyjnych technik narracyjnych, takich jak zaimprowizowane przełamanie czwartej ściany, szybka przemiana przeszłości i teraźniejszości za pomocą płynnych cięć, wyświetlanie w napisach, jak czują się Alvy lub Annie, podczas gdy w rzeczywistości mówią coś zupełnie innego, a także dodanie „ historia w opowieści ”jako punkt kulminacyjny, podnieś już wciągającą historię. „Annie Hall” to prawdopodobnie pierwszy prawdziwie modernistyczny romans na celuloidzie, który zainspirował całe pokolenie komedii romantycznych. Żaden jednak nie jest tak czarujący jak ten, którego chcą naśladować.

52. M (1931)

Pojawienie się technologii nagrywania głosu, zjawiska, dla którego topowy tytuł był „The Jazz Singer” z 1927 roku, doprowadziło do absurdalnego nasycenia dialogów w filmach. Technologia została uznana za coś oczywistego, jako bezpośrednie ulepszenie, a nie narzędzie do użycia w połączeniu z uznanym językiem filmowym. Fritz Lang, człowiek, który swoją karierę rozpoczął w niemym kinie szeregiem mistrzowskich dzieł, w tym Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen i wyjątkowej Metropolis. Jego migracja do dźwięku osiągnęła swój szczyt w 1931 roku „M” - filmie, który w przeciwieństwie do wszystkich otaczających źródeł pozbawił prawie całego szumu otoczenia. Rezultatem jest ciche talkie z przytłaczająco pozbawioną życia atmosferą: taką, która tak skutecznie stanowi podstawę jego narracji. Historia, o której mowa, uderza w mordercę dzieci i niekompetencję niemieckich rządów w złapaniu go - tworząc własny sąd kangurów, aby ukarać zabójcę. To, co Lang przekazuje tutaj, ma niewiarygodną dojrzałość w przesłaniu: Sprawiedliwość, która zasługuje na to, by jej służyć, całkowicie podważona przez kontekst polityczny tamtych czasów - z udokumentowaną polityką eutanazji i coraz bardziej brutalnymi ideałami Narodowej Partii Socjalistycznej, objawiającą się jako zjadliwy guz oskarżeń ludu . Przedstawienie Petera Lorre'a, bogate w patos i udręczony humanizm, pomaga zrozumieć głębokie oszustwo „M”, które pozostaje niezmiernie poruszające nawet do dnia dzisiejszego.

51. 12 Angry Men (1957)

Nigdy się nie dowiemy, czy chłopiec był winny, czy nie. Ale jedno, co potwierdza 12 Angry Men, to logika zawsze przeważy nad intuicją, jeśli w świecie głupców znajdzie się jeden rozsądny człowiek. I czy głupota jest chorobą, czy tylko produktem ubocznym ignorancji? Dramat Sidneya Lumeta nie wymaga od ciebie używania mózgu nad sercem, ale dąży do osiągnięcia punktu, w którym będziesz mógł podjąć decyzję, pracując jednocześnie. Oprócz porywającego scenariusza, który z dumą znajduje się w programie nauczania każdej szkoły filmowej na całym świecie, zdjęcia i inscenizacja są jak klasyka japońskiej nowej fali. Szczycący się niezapomnianym występem obsady zespołu, 12 Angry Men jest pomnikiem kina amerykańskiego.

50. City Lights (1931)

Niewielu wczesnych filmowców ma w dzisiejszej kulturze uznanie i popularność, którymi cieszy się Chaplin. Może to mieć wiele przyczyn. Jego filmy przemawiają do zwykłego człowieka i są niesamowicie zabawne, ale co więcej, jego historie patrzą na melancholijne sytuacje w humorystycznym świetle. Tak jest w przypadku jego prawdopodobnie najbardziej osobistego obrazu „City Lights”, który opowiada historię włóczęgi i jego wysiłków, by zaimponować i pomóc biednej niewidomej dziewczynce z kwiatami. Robi to pod fasadą, udając bogatego mężczyznę, aby zwrócić jej uwagę, ale robi to w tarapatach. Kiedy film nadal jest tak samo zabawny i wzruszający w dzisiejszych czasach, jak to było ponad 75 lat temu, zwykle oznacza to, że coś robi dobrze. `` City Lights '' odcisnęło swoje piętno na świecie dzięki przedstawieniu ubóstwa i życia w ciężkich latach kryzysu, który jest tak dobrze wykonany i odczuwany, że nigdy nie przestaje poruszać publiczności, jednocześnie dając im nadzieję na lepsze jutro.

49. Przyjdź i zobacz (1985)

Druga połowa niewiarygodnie utalentowanego zespołu filmowego, reżyser Elem Kilmov, była żoną Larisy Shepitko - świetnej wirtuozki „Skrzydeł” i „Wzniesienia”. Kiedy tak smutno zginęła w wypadku samochodowym, Kilmov zakończył pracę nad swoim wyjątkowym niedokończonym projektem `` Pożegnanie '' (który mógł po prostu zająć to miejsce) - i myślę, że to, co sprawia, że ​​cały ten kontekst jest tak potężny, to sposób, w jaki żal mężczyzny przenika do każdą klatkę jego pracy. Kino Kilmova kipi niewyrażoną wściekłością i desperacją: hulanie w swoim przytłaczającym ciężarze emocji - a niewiele filmów, które kiedykolwiek powstały, pulsowało tak silnym uczuciem jak Chodź zobacz . Prawdopodobnie najlepszy film wojenny, jaki kiedykolwiek powstał, jego piekielne przedstawienie inwazji Wehrmachtu na Białoruś odbija się echem ogłuszających eksplozji, koszmarnych wizualizacji i świata powoli wysychającego z życia - jego sceny kręcone są w cudownym, pustym świetle. Jednak w całej tej udręce Kilmov odnajduje drogę do zrozumienia w jej transcendentalnie dojrzałej konkluzji. Być może w swoim zaangażowaniu w kontemplację przemijalności życia w końcu znajduje siłę, by pogrzebać kości swojej zmarłej żony. Można mieć tylko nadzieję.

48. Siódma pieczęć (1957)

Już od pierwszych zdjęć kultowego dokumentu Bergmana o wierze, strachu i zadowoleniu rzucono na ciebie zaklęcie. Surowe, ziarniste spojrzenie na morze, wybrzeże, a na nim odważnego rycerza i jego fatalne spotkanie z personifikacją śmierci określa klarowność obiektywności filmu, nawet jeśli pozostawia miejsce na uwodzicielską, niemal przerażającą dwuznaczność, która ma być stale obecna. Korzystając z magnetycznego występu niezrównanego Maxa von Sydow i zespołu aktorów, którzy podnoszą zadziwiający materiał Bergmana oparty na jego sztuce „Malowanie na drewnie” na nieoczekiwany poziom, „Siódma pieczęć” w swoim skromnym 90 minutach ma wpływ na stara bajka przekazywana z pokolenia na pokolenie, która napędza wyobraźnię o wiele bardziej ekspansywną, niż sama jest w stanie pomieścić. Błyszcząca, wyrazista czarno-biała kolorystyka Gunnara Fischera sprawia, że ​​wstrząsająca intensywność czołga się pod naszą skórą. Strumieniowa płynność jest wynikiem narracji rozwiniętej z wysublimowaną pewnością siebie i namacalnym wyrównaniem. Może to być na wskroś prosta historia, która mimo wszystko kryje w sobie cenne pomysły, ale jest uszyta z tkaniny tak misternej i odważnej, że nie sposób nie patrzeć na nią w kółko, aby przełożyła się na trwałe wspomnienie.

47. La Dolce Vita (1960)

Ostrożnie, cierpliwie i poetycko zmiękczony wirtuoz Felliniego jest w pełni pokazany w zdobywcy Złotej Palmy, która w swoim duchowym i mrocznym blasku oddaje sposób życia, który wydaje się zbyt nieuchwytny, a pod pewnymi względami zbyt realny. Jej tempo podkreśla poczucie bezcelowości bohatera i zmusza nas do kąpieli w symfonicznej aranżacji tętniącego życiem życia i jego ulotności. W tę postać wciela się najlepszy w karierze Marcello Mastroianni, który wykorzystuje ten dar czasu, aby wypełnić swoje oczy nieodpartym znużeniem światem. Kwestionowanie znaczenia niektórych fragmentów „La Dolce Vita”, które mogą wydawać się pozbawione filozoficznego znaczenia lub znaczenia narracyjnego, jest odrzuceniem możliwości dopuszczenia do siebie pikantnych szczegółów, a następnie kontemplowania konsekwencji. Gdy niebiańska partytura Nino Roty przenosi nas do oszałamiającego świata Rzymu, widzianego przez złudne oko Felliniego, widzisz tylko to, co on chce, abyś zobaczył, a to szybko staje się tym, co chcesz zobaczyć.

46. ​​Psycho (1960)

Istoty ludzkie w najlepszym przypadku można określić jako osobliwości. Umysł ludzki, który jest zdolny do wielu zdumiewających rzeczy, jest również zdolny do degeneracji, nie do pojęcia. „Psychoza” Alfreda Hitchcocka nie wymaga przedstawiania, ponieważ trzyma głowę wysoko w środku ponadczasowych kin. Oprócz tego, że jest klasykiem, jest także smutnym komentarzem do upadającego morału istot ludzkich. I to nie jest Norman Bates! Żrący uścisk pani Bates, który wprawił Normana w zastój przez całe dzieciństwo, a w końcu w dorosłość, przypomina, jak dusząca może być miłość. Jak dobrze wiadomo, pan Hitchcock przyjął dziwną politykę dotyczącą „Psycho”, która obejmowała zakaz wpuszczania późnych osób do filmu. Został przyjęty, aby zapewnić pełną sprawiedliwość pulsującej scenie kulminacyjnej filmu. Dreszczowiec w najprawdziwszej formie „Psychoza” to opowieść o synu, jego matce i ich niezdrowej więzi zaborczości. Hitchcock był tak zaciekle strzeżony przed finałem, że promował film pod hasłem „Nie zdradzaj zakończenia - to jedyne, jakie mamy!”

45. Solaris (1972)

„Solaris” Tarkowskiego jest całkiem podobny do zjawisk przedstawionych w filmie. Od zaskoczenia mnie głęboko zakorzenioną koncepcją do ewolucji w istotę, z którą nie mogę się rozstać, jest to doświadczenie, które sprawia, że ​​zastanawiam się nad nieświadomą naturą każdej cząsteczki tworzącej wszechświat. Być może zdajemy sobie sprawę z wymiaru naukowego, ale czy jakikolwiek instrument może obliczyć ilość miłości lub smutku, jaką drzemie w nanogramie serca? Czy cokolwiek może znaleźć komórkę mózgową, w której znajduje się niezapomniana pamięć? Od urzekającej muzyki Bacha w czołówce po odwieczną scenę autostradową, wykorzystanie czasu przez Tarkowskiego do oderwania widza od funkcjonowania normalnego świata jest mistrzowskie. Solaris to królestwo, w którym emocje wysyłają cię do szaleństwa, ale kto by nie emanował, gdy szaleństwo jest piękne w dotyku i wystarczająco emocjonalne, by uwolnić cię od samego siebie.

44. Lista Schindlera (1993)

Ważny film, który bardzo korzysta z talentu Spielberga do dramatyzmu, sam w sobie jest równie niepokojącym i wrażliwym doświadczeniem. Film, podobnie jak wiele innych na tej liście, jest klasą mistrzowską w czymś, co lubię nazywać uproszczoną, wpływową historią. Narracja opowiada o Oskarze Schindlerze, niemieckim przedsiębiorcy, który podczas Holokaustu uratował życie ponad tysiąca Żydów, zatrudniając ich w swoich fabrykach. Wszyscy trzej liderzy, Liam Neeson jako Oskar Schindler, Ralph Fiennes jako Amon Goth i Ben Kingsley jako Itzhak Stern są w świetnej formie, zwracając się w najbardziej szczerych przedstawieniach. Szczególnie scena pod koniec filmu, w której Schindler załamuje się, zastanawiając się, ile więcej istnień mógł uratować, jest głęboko poruszająca i pozostaje w mojej pamięci jako jedna z potężniejszych, oddających serce scen w kinie. To, że film został nakręcony w czerni i bieli, z rzadkim, sporadycznym użyciem koloru, aby symbolizować lub podkreślać ważny element, potęguje doświadczenie. Bez wątpienia, najlepszy film Spielberga, pozostaje podstawowym przeżyciem podczas oglądania filmów.

43. Lawrence Of Arabia (1962)

Kino jako medium staje się coraz większe. Dysponując najnowocześniejszą technologią, dzisiejsi twórcy filmowi oferują nam wrażenia kinowe. Ale jest kilka filmów nakręconych, zanim CGI stało się modne, a których sama i monumentalna skala nie znalazła sobie równych. Epicki dramat historyczny Davida Leana oparty na życiu T. E. Lawrence , jedna z najbardziej znanych postaci w Wielkiej Brytanii, jest jednym z takich filmów. W filmie występuje Pater O’Toole jako Lawrence i stanowi kronikę jego przygód na Półwyspie Arabskim podczas I wojny światowej. Od samego początku David Lean maluje olśniewający ruchomy obraz nieskończonej pustyni w całej jej okazałości, wspomagany przez operatora Freddiego Younga i porywającą ścieżkę dźwiękową Maurice'a Jarre'a. Ale w żaden sposób nie poświęca emocji na rzecz ekstrawagancji. W istocie `` Lawrence z Arabii '' jest oszałamiającym studium charakteru Lawrence'a - jego emocjonalnych zmagań z osobistą przemocą związaną z wojną, jego własną tożsamością i podzieloną lojalnością między rodzinną Brytanią i jej armią a nowo odkrytymi towarzyszami w arabskie plemiona pustynne. Ta pełnowartościowa cecha sprawia, że ​​„Lawrence Of Arabia” jest jednym z najbardziej wpływowych filmów, jakie kiedykolwiek powstały.

42. Poszukiwacze (1956)

Prawdopodobnie największy western, jaki kiedykolwiek powstał, najlepszy film z wielkiej kariery Johna Forda. „Poszukiwacze” to amerykański klasyk, jeden z najlepszych filmów lat pięćdziesiątych. Choć podziwiany i szanowany w tamtych czasach, jego szarpiąca, oszałamiająca moc nie była rozpoznawana przez kilka lat, ale na początku lat siedemdziesiątych został okrzyknięty klasykiem gatunku i być może najlepszym westernem, jaki kiedykolwiek powstał. Z pewnością czas osłabił siłę niektórych filmów, ale nie ten wysoki, wściekły występ Wayne'a, ani rasizm w filmie, który podsyca złość i wściekłość. Motywująca narracja filmu, Ethan i jego poszukiwania są ponadczasowe, tak samo potężne jak wtedy, być może bardziej, ponieważ tak wiele subtelnych punktów historii jest teraz jasnych.

41. Pather Panchali (1955)

Film, który przyniósł światu kino indyjskie i dał kinie jednego z najlepszych twórców, Satyajita Raya. Oparty na powieści Bibhutibhusan Bandopadhay, „Pather Panchali” opowiada historię zubożałej rodziny, próbującej przeżyć wiele przeciwności życiowych. Można argumentować, że romantyzuje ubóstwo, ponieważ widz jest świadkiem wielu prób, jakie przeżywa rodzina, zarabiająca na życie. Mimo to to chwile przeplatane muzyką mistrza Raviego Shankara pozostają w pamięci widza. Czuły związek między Appu i jej siostrą Durgą, sekwencja pociągu, która jest jedną z głównych atrakcji filmu, przenosi film na zupełnie inny poziom. „Pather Panchali” z biegiem lat stał się jednym z kultowych filmów i regularnie pojawia się na listach największych filmów wszechczasów i zasłużenie.

40. Casablanca (1942)

Kwintesencja amerykańskiego klasycznego filmu. Być może jest coś tak zaraźliwego w jego uroku, że wciąż się w nim zakochujesz, nawet przez te wszystkie lata. Oprócz ogromnego współczynnika ponownej oglądalności, niezapomniany wynik (As Time Goes By!) I niezwykle cytowane dialogi stanowią mocną argumentację. Mówiąc najprościej, to prawdziwa gratka, gdy wszystkie elementy wspaniałego kinowego doświadczenia są obecne w odpowiednich ilościach!

Fabuła jest co najmniej prosta, czasami granicząca z banalnością. Cyniczny, załamany mężczyzna, który prowadzi najsłynniejszy klub nocny w Casablance, znajduje się na rozdrożu, gdy kobieta, którą kochał, pojawia się ze swoim mężem. Urządzenia fabularne to słynne litery tranzytu, ale opowieść jest w zasadzie o dwojgu kochankach osadzonych na tle wczesnych etapów drugiej wojny światowej i trudnej decyzji, przed którą stoi postać Bogarta, aby trzymać się lub odpuścić. Jednak, podobnie jak w przypadku wielu filmów tego gatunku, wykonanie działa, przekształcając „Casablankę” w jeden z najbardziej fascynujących dramatów romantycznych wszechczasów, który jest również niesamowicie dobrze zagrany; Humphrey Bogart i Ingrid Bergman są na najwyższym poziomie i są umiejętnie wspierani przez takich graczy jak Paul Henreid, Claude Rains i Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Patrząc na kino jako formę sztuki, nie można zaprzeczyć doskonałości Barry'ego Lyndona, od pięknej kinematografii, hipnotyzujących scenografii, znakomitej muzyki po potężną reżyserię. Jako opowieść opowiada o życiu młodego człowieka w XVIII-wiecznej Europie, gdy wspina się po schodach w kierunku arystokracji, ale z powrotem sprowadza go na dół jego zły los. Obraz zawiera w sobie jedne z najwspanialszych scen, jakie kiedykolwiek nakręcono, wykorzystując oszałamiające wykorzystanie światła, kolorów, cech fizycznych itp. Nie ma lepszego sposobu na podsumowanie życia człowieka niż spojrzenie na nie obiektywnie. ten film zrobił używając niewiarygodnego narratora. Jest zimny i odległy, rzadko daje widzom szansę wczucia się w bohatera. Z tej perspektywy, Barry Lyndon to wystawne studium postaci, z bogatymi postaciami, realistycznym akcentem i poetyckim sposobem przekazywania emocji. To po prostu kino w najlepszym wydaniu.

38. Generał

Jeden z najstarszych tytułów na liście, „Generał”, przypomina, że ​​wiele współczesnych arcydzieł akcji znajduje się w bardzo długim cieniu nikogo innego jak niemego geniusza komedii Bustera Keatona. Szczycący się dorobkiem tak imponującym, jak nawet Charlie Chaplin, sympatyczny włóczęga tego ostatniego artysty zamienia się miejscami z kawalkadą uroczo głupkowatych postaci w przypadku Keatona; wszystko otoczone najeżoną kinową ciekawością, która rozciągała granice medium w filmach takich jak Sherlock Jr. i The Cameraman. Wszystko to nie wspominając nawet o jego magnum opus, 1927 The General: Follow a Confederate Engine pędzi, by ostrzec swoją stronę przed nacierającymi wojskami Unii podczas wojny secesyjnej. Jego narracja stanowi szablon dla niedawnego `` Mad Max: Fury Road '' George'a Millera i prawie każdego filmu o kotach i myszach, jaki kiedykolwiek powstał, z zabawną komedią, imponującymi efektami specjalnymi i brawurowymi akrobacjami, w których Keaton naraża swoje życie na większe niebezpieczeństwo niż raz wszystko dla uwielbienia jego kochającej publiczności. Generał pozostaje jednym z najlepszych filmów akcji, jakie kiedykolwiek nakręcono - takim, który bawi się każdą uncją swojego istnienia i potrafi przywołać tyle znakomicie wykonanych momentów epickiej skali, aby rywalizować z każdą wykonaną dzisiaj igraszką z CG.

37. Blow Up (1966)

Czas ? Huśtające się lata sześćdziesiąte. Miejsce? Londyn. Miasto, które olśniewa i burzy. Żywy i efektowny. Seks, narkotyki i rock and roll. Podsumowując, dzień z życia Thomasa, fotografa mody prowadzącego życie, powiedzmy, wątpliwej moralności. W dniu pełnym wydarzeń, przeglądając zdjęcia pary, które ukradkiem uchwycił w parku, znajduje w nim zwłoki. Udaje się w to samo miejsce i znajduje ciało mężczyzny z pary. Przestraszony, wraca do swojego studia, aby znaleźć je splądrowane, ale zostało tylko jedno zdjęcie, zdjęcie martwego ciała. Następnego dnia ciało znika. Kto go zamordował? A dlaczego ciało zniknęło? Dlaczego Thomas czuł, że jest śledzony? „Blow Up” to klasyczny akt reżysera Michelangelo Antonioniego, który przez lata zainspirował wielu filmowców, w tym Briana De Palmę i Francisa Forda Coppolę.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Zawrotne, surrealistyczne objawienie miłości i złamanego serca nigdy nie zostało zbadane w sposób i na tyle skuteczny, jak „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Bujny z pięknymi obrazami i pomysłową ścieżką dźwiękową podobną do ścieżki dźwiękowej z epoki niemej, nie da się wyjaśnić wszystkiego na temat „Eternal Sunshine of the Spotless Mind”. Bez wątpienia film ma trudną do naśladowania narrację - choć w rzeczywistości jest to proste, gdy zaczniesz śledzić - to jeden z tych filmów, który jest niezwykle satysfakcjonujący, ponieważ nie możesz powstrzymać się od omdlenia z powodu bardzo przemyślanej koncepcji i głębokiego poruszenia film, że to jest. Ale prawdziwą gwiazdą serialu jest jego autor, Charlie Kaufman , który w postaci „Zakochanego wiecznego umysłu” mógł równie dobrze napisać najgłębszy scenariusz w historii kina. Film, który jest nie tylko wyjątkowy na swój sposób, ale także można go oglądać w nieskończoność, a za każdym razem można znaleźć coś nowego.

35. Taksówkarz (1976)

W „Taxi Driver” Martin Scorsese przedstawia nam jednego z najbardziej niepokojonych, nieprawdopodobnych, ale kapryśnych bohaterów naszych czasów w Travisie Bickle. Film podąża za nim, gdy zostaje taksówkarzem, który ma radzić sobie z bezsennością i obserwuje, jak powoli ogarnia go całe szaleństwo w otaczającym go mieście. Prawdziwy sposób, w jaki taksówkarz wygrywa jako film, to sposób, w jaki udaje mu się podkradać do ciebie, powoli przedzierając się przez obskurne i przerażające przerażenie, które wydaje się obrażać Travisa Bickle'a. W ten sposób słusznie zasługuje na wyróżnienie bardziej jako thriller psychologiczny niż dramat, często działający na wielu poziomach niż po prostu dwa. Film może być dla niektórych niepokojącym zegarkiem ze względu na mroczną tematykę, jeszcze mroczniejsze potraktowanie i garść przemocy, ale dla widzów, którzy chcą spojrzeć w przeszłość, jest niczym innym jak genialną próbą zrozumienia części psychika ludzka, która najczęściej rodzi się w postaci czujności. To znaczy, kto nie myśli o wzniesieniu się do niepoprawności naszych czasów i zwróceniu jej? To ta głęboko zakorzeniona fantazja spełnienia życzeń, którą „Taksówkarz” bawi się w bardzo skuteczny sposób. Film jest obecnie powszechnie uważany za jeden z najważniejszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały, i wprowadził świat w życie Scorsese.

34. Paths of Glory (1957)

Zanim Stanley Kubrick pomaszerował, by zbadać niewytłumaczalne aspekty społeczeństwa, które nie tylko wykraczały poza czas, ale także oczekiwania widzów względem siebie, stworzył ten porywający utwór wojenny, który umieszczam obok „Przyjdź i zobacz”. W przeciwieństwie do tego ostatniego, Paths of Glory wydobywa łamiącą serce interpretację WW z tej samej płytkości ludzkości, która zdominowała ostatnie prace Kubricka. W świecie Kubricka demony nie są pokryte krwią i błotem, ale medalami i dumą, a piekło zagłębia się w najświętsze miejsce, na dworze. W czasie, gdy branża przyjęła atrakcyjne 3 paski, monochromatyczny obraz Kubricka pomalował wojnę jednym odcieniem. Ciała, szmaty, baraki, dym, popiół, wszystko zakamuflowane zwykłym widokiem bolesnej agonii.

33. Trzy kolory: czerwony (1994)

Najsmutniejszą częścią śmierci artysty jest myśl, że jego ostatnie dzieło jest najwspanialszym w historii. Tak było w przypadku polskiego autora Krzysztofa Kieślowskiego i jego ostatniego filmu „Czerwony”. Kieślowski zapowiedział już rezygnację z kręcenia filmów po premierze filmu w Cannes w 1994 roku, ale jego tragiczna śmierć, prawie dwa lata po ogłoszeniu odejścia na emeryturę, czyni go jeszcze bardziej smutnym. „Czerwony” to ostatnia część jego wysoko cenionej trylogii „Trzy kolory” i opowiada o młodej kobiecie, która spotyka starego mężczyznę po tym, jak przypadkowo uderzyła jego psa samochodem. Starzec jest sędzią na emeryturze, oderwanym od życia i wszelkiego rodzaju emocji, spędza czas na szpiegowaniu innych ludzi. Między nimi rozwija się nieprawdopodobna więź z subtelnymi romantycznymi podtekstami. „Czerwony” dotyczy szans i zbiegów okoliczności, które uderzają nas każdego dnia, oraz tego, że nie potrafimy rozpoznać ich piękna i znaczenia. W całym filmie pojawia się niewytłumaczalne poczucie melancholii o tragedii ludzkiego losu i czasu oraz o tym, jak my, ludzie na świecie, jesteśmy połączeni w taki czy inny sposób. „Czerwony” to zdumiewający wyczyn filmowy i po prostu jeden z najwspanialszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały.

32. Skarb Sierra Madre (1948)

Jak sama nazwa wskazuje, poszukiwanie skarbów często kojarzy nam się z pulsującą przygodą i przypływem adrenaliny z nią związaną. Ale jest bardzo niewiele historii, które mówią o emocjach, których doświadczają ludzie, wyruszając w podróż po to złoto. Często mówi się, że przeciwności losu wydobywają twój prawdziwy charakter. „The Treasure Of Sierra Madre” opowiada historię, w której żądza złota powoduje niesmaczne zmiany w bohaterach, ostatecznie prowadząc do ich indywidualnego spustoszenia. Podczas gdy nacisk kładzie się na chciwość, która psuje sumienie, to badanie charakteru ludzkiego w niekorzystnych sytuacjach pozostaje z widzem. Film ten, tragiczna opowieść o chciwości i zdradzie, zdobył nagrodę Akademii dla najlepszego reżysera, najlepiej przystosowanego scenariusza i najlepszego aktora drugoplanowego. Z biegiem lat stał się kultowym klasykiem dla miłośników kina na całym świecie.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, termin, który odnosi się do magazynów lub książek podkreślających przemoc, seks i przestępczość. Te elementy sprawiły, że magazyny sprzedawały się jak ciepłe naleśniki. Tarantino wziął te elementy, połączył je wokół trzech historii i stworzył narrację, która była nie mniej niż geniuszem filmowym. Jeden z najbardziej wyjątkowych filmów popkulturowych, jakie powstały, widz zostaje wprowadzony w świat mafijnego zabójcy Vincenta Vegi, jego partnera w zbrodni i motormouth Jules Winnfield, żony gangstera Mii Wallace, boksera Butcha Coolidge'a i zostaje zachwycony stylowe traktowanie przestępstw i przemocy. Jednym z najważniejszych aspektów filmu, który przyczynił się do jego sukcesu, była gra Samuela L. Jacksona. Jako zabójca Jules Winnfield, który cytuje wersety biblijne jako pointy, był fenomenalny. Jeden z największych filmów tej epoki, „Pulp Fiction”, stał się podręcznikiem dla początkujących filmowców z całego świata.

30. Bitwa o Algier (1966)

Niewiele filmów dźwiga ciężar polityki w sposób, który wzbogaca ich kinowy efekt, ale pozostawia to zgrabnie nazwanemu zapalającemu włoskiemu maestro Gillo Pontecorvo, aby wziął wciąż gotujący się punkt zapalny późnego francuskiego ucisku kolonialnego Algierii i przekształcił go w coś całkowicie fascynujące. Wciąż prorocze podobieństwa, które Pontecorvo czerpią z zadziwiająco neutralnej obserwacji terroru i terroryzmu popełnianych przez obie strony, sprawiają, że doświadczenie `` Bitwy o Algier '' jest fascynującym intelektualnym wyzwaniem dla naszego zrozumienia czarno-białej wojny, a-la przeszywającego chłodu Miklósa Nieusuwalna filmografia Jancsó. Co więcej, jego techniki montażu kronik filmowych są przełomem w komunikacji filmowej i moim zdaniem znacznie częściej wykorzystywały szalone techniki cięcia Nouvelle Vague niż wiele jego eksploracyjnych mastheadów. Raz widziany, nigdy nie zapomniany - „Bitwa o Algier” to po prostu przełomowy kawałek światowego kina.

29. Goodfellas (1990)

Marzeniem reżysera jest stworzenie filmu epokowego w okresie, w którym został nakręcony. Jednak dla Martina Scorsese jest to nawyk. Przez każdą dekadę był A-Lister, nakręcił film uważany za jeden z najlepszych w tamtym okresie. Zrealizował „Taxi Driver” w latach 70., „Raging Bull” w latach 80., „Goodfellas” w latach 90., „The Departed” w latach 2000 i „The Wolf Of Wall Street” w 2010 roku. I to jest dramat gangsterski z 1990 roku oparty na prawdziwej historii wspólnika gangstera Henry'ego Hilla, który stał się jednym z punktów odniesienia w tym gatunku. Film, z narracją w pierwszej osobie przez Hilla, jest kroniką jego powstania i upadku jako części nowojorskiej mafii od 1955 do 1980 roku. W przeciwieństwie do całej gangsterskiej ekstrawagancji w „Ojcu chrzestnym” lub „Twarz z blizną”, „Goodfellas” dotyczy autentyczne szczegóły codziennego życia gangstera, skupiając się na relacjach Hilla z żoną Karen w równym stopniu, jak na wyczynach z kolegami z gangu. Ale Scorsese używa wszystkich strzał w swoim kołczanie sztuczek, żeby ten romans był kuszący ten legendarny długi strzał z namierzania , niezapomniany dialog i wybuchowy występ Joe Pesci jako Tommy'ego DeVito, burzliwego współpracownika Hilla. Jeśli chodzi o gatunek kryminalny, „Goodfellas” jest tak dobry, jak to tylko możliwe.

28. Wściekły byk (1980)

Martin Scorsese jest znany z przedstawiania w swoich filmach historii złamanych, wadliwych, często autodestrukcyjnych bohaterów. I często przeszukiwał kroniki historii, aby znaleźć swoich poległych bohaterów w prawdziwych historiach. „Wściekły byk” to historia życia legendarnego boksera Jake'a LaMotty, którego autodestrukcyjna i obsesyjna wściekłość, zazdrość seksualna i zwierzęcy apetyt, które uczyniły go mistrzem ringu, zniszczyły jego relacje z żoną i rodziną. Film jest w całości nakręcony w czerni i bieli, aby wiernie oddać epokę, w której został osadzony i zdefiniowany przez nią mroczny, przygnębiający nastrój. Scorsese spodziewał się, że będzie to jego ostatni projekt. W związku z tym był skrupulatnie wymagający w swoich filmach. Równie oddany był Robert De Niro, który gra tytułową rolę. Przytył 60 funtów i faktycznie trenował jako bokser. Wchłania krótkie maniery LaMotty z ognistą doskonałością, gdy całkowicie zanurza się w charakterze. Otrzymał zasłużony za swoje kłopoty. To największy triumf Scorsese-De Niro. Intensywne, potężne opus magnum.

27. Ojciec chrzestny: część II (1974)

W historii drugiej części niewiele filmów było znanych z tego, że dorównują chwale pierwszej, pozostawiając je w spokoju przewyższające je w niektórych aspektach. Jeśli sporządzona zostanie lista zawierająca takie filmy, „Ojciec chrzestny: część II” będzie jej ukoronowaniem. Dotarcie do spuścizny pierwszego było gigantycznym zadaniem samym w sobie, ale kontynuacja sagi „Ojciec chrzestny” nie tylko odniosła sukces, ale także rozszerzyła jego spuściznę, stając się częścią największej amerykańskiej opowieści o przestępczości zorganizowanej, jaką kiedykolwiek opowiedziano. Film przedstawia dwie równoległe narracje; jeden dotyczy Michaela Corleone jako nowego szefa „firmy rodzinnej” Corleone, drugi przedstawia znakomitego Roberta De Niro jako młodego Vito Corleone i jego dojście do władzy. Obie historie są umiejętnie utkane, zapewniając kuszącą narrację, która ani razu nie rozluźnia uścisku widza. Al Pacino wykonuje tutaj jedną ze swoich najlepszych prac, jego nowo odkryte spojrzenie praktycznie przeżuwa scenerię za każdym razem, gdy pojawia się na ekranie. Jeden z tych prawie idealnych filmów, które można oglądać niezależnie od czasu, miejsca i ostatniego oglądania, a mimo to pozostaje w całkowitym poddaniu się i zachwytowi. Jeśli część I to święty ołtarz, część II to chleb i wino.

26. Mechaniczna pomarańcza (1971)

Pierwszą rzeczą, która prawdopodobnie przychodzi na myśl, gdy poproszono nas o opisanie tego filmu jednym słowem, jest „niepokój”. Jedyny film na liście, do którego odważę się wrócić, przyłapałem się na tym, że wielokrotnie wzdrygałem się podczas oglądania tego filmu. „Mechaniczna pomarańcza” to komentarz społeczny w swoim najbardziej bezkompromisowym wydaniu, przedstawiający surowe obrazy, z których nikt nigdy nie odzyska sił. Jest mroczny, pokręcony i nie zapewnia odkupienia tym, którzy go szukają w filmie z prawdopodobnie najbardziej ponurą interpretacją dystopii w kategoriach społecznych. I w tym, jak sądzę, leży sukces filmu w doprowadzeniu do domu niepokojącej wiadomości. Niekonwencjonalny w jakikolwiek sposób, jaki możesz sobie wyobrazić, dostarcza nam bohaterów, którzy są złośliwi do szpiku kości i oddają się aktom „ultra-przemocy” i gwałtów; komentuje społeczno-polityczny stan rzeczy w najbardziej surowy sposób, jaki można sobie wyobrazić, wprawia w stan zdezorientowania, gdy Alex DeLarge (grany przez charyzmatycznego Malcolma McDowella) poddaje się nieludzkim sposobom odnowienia i kończy się pozostawieniem publiczności w Farrago ze wszystkich rzeczy, które to niepokojące doświadczenie sprawia, że ​​czujesz naraz. Naprawdę dzieło o kubrickowskich proporcjach.

25. Vertigo (1958)

Historia „Zawrotów głowy” wygląda tak - były detektyw Scotty (James Stewart) cierpi na akrofobię w wyniku incydentu, który wydarzył się na służbie. Podchodzi do niego stary przyjaciel, aby mieć oko na swoją żonę Madeleine, którą uważa za opętaną. Początkowo sceptyczna, Scottie wkrótce staje się autodestrukcyjną obsesją na punkcie ładnej damy, która wydaje się być czymś więcej, niż na to pozwala. Genialność Alfreda Hitchcocka polega na tym, że jego największe filmy, które można oglądać za pierwszym razem, wydają się otwierać przed widzem nową warstwę zrozumienia przy każdym kolejnym spojrzeniu. Jasne, na pierwszy rzut oka, „Vertigo; jest dobrze spreparowaną psychologiczną tajemnicą morderstwa. Ale kiedy patrzysz na to w kółko, jego motywy męskiej agresji i konstruowania kobiecego wizerunku w umyśle mężczyzny zaczynają się rozwijać jak pudełko nieskończoności i pochłaniają cię. Prawdopodobnie najbardziej starzejący się film, jaki kiedykolwiek powstał, powolnie palący się blask Vertigo jest poświadczony przez fakt, że po otwarciu na mieszane recenzje film jest powszechnie uważany za jeden z najlepszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały. Arcydzieło mistrza thrillerów.

24. Hiroshima, my love (1959)

Zrodzony z umysłu francuskiego wizjonera lewobrzeżnego Alaina Resnaisa „Hiroshima mon amour” to film, który płacze z transcendentalną mocą. Historia czasu przeplata się z pamięcią i bliznami obu, które miały miejsce w Hiroszimie podczas drugiej wojny światowej, opowiedziana przez dwoje ludzi - jednego Francuza, jednego Japończyka - kiedy próbują poskładać w całość przesłanie o zniszczeniach, jakie tam spowodowały. Z wyjątkiem tego, że z takiej głupoty nie można nic zyskać intelektualnie ani emocjonalnie. Jest to praca przesiąknięta międzynarodowym żalem, sięgająca dalej niż sam konflikt, w prawdy i represje, które prześladują ludzi każdego dnia. Poprzez pogłos wybuchu atomowego znajdujemy małą część tego, co jest z nami nie tak. Fakt, że Resnais po prostu rozumie to nietykalne zamieszanie, zamiast próbować go naprawić, sprawia, że ​​„Hiroshima mon amour” jest jednym z największych arcydzieł kina.

23. Losowy Balthazar (1966)

Opuszczone arcydzieło Roberta Bressona to ćwiczenie uczuć. Unika zdefiniowania wyraźnego bohatera lub głównego tematu, chyba że policzysz cudowną siłę natury, jaką jest Baltazar, i jeśli weźmiesz film za dobrą monetę, nie. Ale jeśli pozwolisz mu być punktem dostępu do emocjonalnego i tematycznego krajobrazu filmu, trudno będzie z niego wrócić bez nagrody. Osobliwy, smukły i fajny styl wizualny Balthazara wydaje się z perspektywy czasu niemal olśniewający; jego spokojna kruchość owiana rezygnacją, wyjątkowo mądrym poczuciem kontroli. Nawet jego namacalna szczerość kryje w sobie wyrafinowany wysiłek, aby trochę się powstrzymać, ożywić w swojej prostocie ustawienia i charakterze bogactwo pozostawione publiczności do odkrycia, aw niektórych przypadkach zapierających dech w piersiach wyobrażenia. Ponieważ aktorzy tak mało mówią o swoim położeniu, doświadczamy przypadkowych, nierozsądnych aktów okrucieństwa i duszący smutek. dla im. W formie, w której nawet najbardziej utalentowani artyści dążą tylko do wyostrzenia zmysłów widza, dostosowując się do wypróbowanych i przetestowanych, obrazy Bressona dostarczyły mi lirycznego szablonu, na którym można oprzeć wielkość mojego współczucia, a nawet ocenić, jak świadome jest to współczucie. .

Wszystko to prowadzi mnie z powrotem do mojej pierwotnej myśli. Przypisywanie znaczenia każdej chwili w „Balthazarze” nie zależy od tego, czy zakładamy, że jej treść jest alegorią o charakterze społecznym, czy nawet politycznym, ale od tego, w jaki sposób czuć rozkoszując się ich złożonością i spokojem, zamiast polegać na bezmyślnej ekspozycji, do której ucieka się większość filmów. To ma więc sens, jeśli bohater jest tytułowym osłem.

22. Andrei Rublev (1966)

Uważam, że „Andriej Rublow” jest najlepszym przykładem koncepcji rzeźbienia w czasie autorstwa rosyjskiego autora Andrieja Tarkowskiego. Wiele z jego ostatnich prac było abstrakcyjnych, ponieważ zajmował się niezwykle osobistymi tematami i wizualizacjami, które były rozproszone w czasie. Tarkowskim „Andriejem Rublowem” uchwycił sam czas, a następnie głaskał go najgłębszymi odcieniami duszy artysty. Tarkowski jest prawdopodobnie jedynym filmowcem, który potrafiłby osiągnąć największe osiągnięcie w przedstawianiu represji artysty. Bada opresyjne reżimy Rosji, które są tak samo rdzenne dla tego kraju, jak jej głęboka literatura, która zaskakująco kwestionuje najbardziej istotne pytania dotyczące duchowości i metafizyki. Wiele z późniejszych cech Tarkowskiego, w tym filmowanie przepływu natury, można zaobserwować w podróży Andrieja Rublowa. To film, który cię filmuje, rozbija i skłania do myślenia - zarówno w trakcie filmu, jak i długo po napisaniu napisów.

21. Przygoda (1960)

Co myślisz o nierozwiązanej tajemnicy? Albo niedokończona historia? Czy szukasz zamknięcia, desperacko go szukając? Albo akceptujesz fakty i idziesz dalej? Czy nie o to chodzi w życiu? Kompromis i iść dalej? Film „L'Avventura”, który przyniósł Michelangelo Antonioni uznanie na całym świecie, to opowieść o zniknięciu młodej kobiety podczas rejsu jachtem przez wybrzeże Sycylii. Poszukiwanie jej zbliża jej byłego kochanka i najlepszego przyjaciela i zaczyna się niepokojący związek. Chociaż historia jest utkana wokół poszukiwań zaginionej kobiety, jej prawdziwym celem jest skonstruowanie narracji, bez skupiania się na ważnym wydarzeniu i wciąż zdolnej do urzeczenia publiczności. Prawdziwe motywy głównych bohaterów nigdy nie są w pełni wyjaśnione, a pod koniec filmu widz jest zmuszony zaakceptować, że niektóre wydarzenia pozostają niewyjaśnione, tak jak życie. Niekwestionowane arcydzieło!

20. Bez tchu (1960)

Na długo przed tym, jak Quentin Tarantino wkroczył na amerykańską scenę niezależną dzięki swojemu szalenie indywidualnemu podejściu do kręcenia filmów, które wzmacniało koncentrację stylu nad treścią, był tam człowiek o imieniu Jean Luc-Godard, który nieustraszenie przyjął tradycyjną gramatykę filmową i lekkomyślnie ją złamał. w dół, redefiniując i kształtując filmy w sposób, w jaki to widzimy dzisiaj, dzięki filmowi zatytułowanemu „Bez tchu”. Być może żadnemu innemu filmowi nie udało się uchwycić ulotnego szaleństwa młodości w sposób, w jaki „Breathless” robi to z jego lekkomyślną energią i odurzającą atmosferą. Dziwaczne użycie cięć z wyskoku podnieca nieodłączne szaleństwo założenia, gdy Godard zaciekle odsuwa cię od swoich postaci, prosząc, abyś skupił się na fragmentarycznych aspektach fabuły zamiast na całej historii. „Bez tchu” to jeden z najważniejszych debiutów filmowych w historii kina i chociaż nadal polaryzuje kinomanów i krytyków, nie można zaprzeczyć, że ma wpływ na współczesne kino.

19. Siedmiu samurajów (1958)

Akira Kurosawa jest jednym z najbardziej oryginalnych, wpływowych i znanych reżyserów, jakich kiedykolwiek żył. Roger Ebert powiedział kiedyś o Kurosawie: „Można by argumentować, że ten największy z reżyserów dał zatrudnienie bohaterom akcji na następne pięćdziesiąt lat” i nie mógł być prawdziwszy. „A Fistful Of Dollars” Sergeo Leone'a, który podobno dał początek gatunkowi Spaghetti Western, został zainspirowany „Yojmbo” Kurosawy. Nasz obecny wpis jest również przełomem technicznym i twórczym, który zainspirował niezliczone bezpośrednie powtórzenia, a także wiele elementów wizualnych we współczesnym kinie . Epicki dramat przedstawia historię siódemki ronin (bez mistrzów samurajów), którzy chwytają za broń, by bronić biednej cywilizacji, dla której nie ma już miejsca, przed najeżdżaniem bandytów w XVI-wiecznej Japonii, której kulminacją jest zacięta walka. Ale błyskotliwość „Siedmiu samurajów” polega na tym, że opowiada on wiele dobrze przygotowanych historii z różnych gatunków, w ramach których główny dramat. W całym filmie obecne są elementy akcji, przygody, romansu i dojrzewania. Zawiera również postacie tak bogato rozwinięte, jak rzadki stek, który później stał się podstawą wielu gatunków. Naprawdę inspirujące dzieło sztuki.

18. Drzewo życia (2010)

„Drzewo życia” to najwyższa forma kina: po prostu nie opowiada historii, ale ma na celu zmianę Twojego życia. Jest to film, który będzie wymagał czasu, a kiedy to zrobi, trudno będzie ci o nim nie myśleć. Filmowy wiersz o niezwykłym zasięgu i ambicji „Drzewo życia” nie tylko zachęca widzów do obserwacji, ale także do refleksji i odczuwania. Mówiąc najprościej, jest to historia podróży w poszukiwaniu siebie. W swojej najbardziej złożonej postaci jest to medytacja nad ludzkim życiem i naszym miejscem w wielkim planie rzeczy. Nie ma znaczenia, w jaką wiarę wierzysz lub czy w ogóle wierzysz w wyższą istotę. Prawdziwe zdumienie w filmie wynika z magii, jaką jest samo życie. Najpiękniejszym aspektem filmu jest to, że z czasem staje się coraz lepszy, jak dobre wino.

17. Close Up (1990)

Nieżyjący już wielki irański autor Abbas Kiarostami często widział piękno i poezję w najbardziej absurdalnych, przyziemnych epizodach ludzkiego życia. Dzięki zwodniczo prostym fabułom i naturalistycznym sceneriom, Kiarostami eksplorował uniwersalne tematy, które płynnie przekraczały bariery kulturowe ze względu na rodzaj człowieczeństwa, w który jego kino było nieodłącznie związane. „Close Up” to prawdopodobnie jego najbardziej udane dzieło i jedno z najbardziej oryginalnych, pomysłowych dzieł. sztuki filmowej, jaka kiedykolwiek powstała. Film przybiera formę fabuły dokumentalnej, będącej kroniką procesu prawdziwego życia człowieka, który podszywał się pod irańskiego reżysera Mohsena Makhmalbafa. W obsadzie znajdują się osoby, które faktycznie brały udział w procesie, grając siebie w filmie. `` Close Up '' to zadziwiająca eksploracja ludzkiej tożsamości widziana oczami zwykłego człowieka, który zmaga się z sobą i swoim życiem iz rozpaczliwego smutku i prawdziwej miłości do sztuki filmowej, wkracza w buty swojego idola wiedzieć, jak to jest być naprawdę żywym, podziwianym i szanowanym. To filmowanie na najwyższym poziomie.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruksela (1975)

Ten francuski film awangardowy z Delphine Seyrig w roli tytułowej bohaterki nie jest zwykłym kinowym przeżyciem. Jest bliżej ćwiczenia - testu i wpływa na ciebie w sposób, w jaki niewiele innych filmów zrobiło wcześniej lub później. Niezależny utwór skupia się na trzech dniach z życia samotnej, niespokojnej gospodyni domowej, która wykonuje swój ścisły harmonogram wypełniony przyziemnymi obowiązkami domowymi. Jest matką i wdową, która wieczorami wykonuje prostytucję dla panów, aby zarobić na życie. Problemy pojawiają się, gdy drugiego dnia jej rutyna jest nieco zakłócona, co prowadzi do czegoś w rodzaju efektu domina, który znajduje odzwierciedlenie w kolejnych godzinach. Jeanne Dielman wciąga człowieka w jego powolny i medytacyjny świat z charakterystycznym podpisem reżyserskim Akermana, zawierającym dietetyczną atmosferę i hipnotyczną aurę wywołaną przez spokojną, subtelną i cierpliwą osobowość arcydzieła, która jest bolesnym celebracją monotonii istnienia.

15. Rashomon (1950)

Jeden z najbardziej niekonwencjonalnych i eksperymentalnych filmów w tamtych czasach, „Rashomon” obserwuje mistrza przy pracy, wykorzystując swoje umiejętności opowiadania historii. Mówiąc prościej, jest to relacja z incydentu, który wydarzył się z czterech bardzo różniących się punktów widzenia, oskarżonych, ofiar i osób podających się za naocznych świadków. Wyróżnia się pod każdym względem technicznym niemal bezbłędnym montażem i mistrzowską reżyserią, ale film osiąga sukcesy w kwestiach tematycznych, którymi się zajmuje; pytania o istnienie absolutnej prawdy. Czy prawda jest rzeczywiście tak obiektywna i niesprawiedliwa, jak się wydaje, czy też jest z nią związana subiektywność? Zwykle jest obiektywny, a przynajmniej jest za taki powszechnie uważany, i pozornie nie ma innych jego wersji. Ten film kwestionuje to w taki sposób, że sam widz jest zirytowany pytaniami, często też komentując, jak ludzie czasami nie są do końca uczciwi wobec siebie. Jest tak skomplikowany tematycznie, jak to tylko możliwe, ale pozornie tak prosty, jak chcesz.

14. Stalker (1979)

Trzymając swoich pomniejszych potomków, do których należy bardzo popularny serial telewizyjny „Westworld”, nie można przecenić kolosalnego wpływu „Stalkera” na wizualne opowiadanie historii. Pomysły - filozoficzne, duchowe i naukowe - jak również ich zręczna, chwalebna eksploracja filmowa w „Stalkerze” odbiły się na wielu filmach science-fiction, które miały się po nich pojawić. To nie tyle szybowanie, wprowadzające w trans i punktami, abstrakcyjne tempo czy poruszające duszę użycie monochromatycznej sepii poza „Strefą” i nadruki kolorów miejsc w Estonii, które znalazły odzwierciedlenie w twórczości filmowców, takich jak Terrence Malick i Lav Diaz, żeby wymienić tylko kilka, ale wytrwała cierpliwość i pokora. Przekazując widzom w dużej mierze rządy filozoficzne, Tarkowski pozostawia widzom tyle miejsca na samodzielne odkrycie wielu metafizycznych aspektów filmu, że nawet jego niezrównana dosłowna i wizualna poezja wydaje się w równym stopniu wytworem naszej fabrykacji, co jego. i jego współpracowników ”. A jednak film pozostaje na uboczu, wprowadzając nas w niezgłębione tajemnice umysłu i serca, i nigdy nie kończymy ich rozwikłaniem, ponieważ prosta droga nigdy nie jest właściwa.

13. Fanny i Alexander (1982)

Prawie 35 lat po premierze, ostatni film reżyserski Bergmana jest tak samo fascynujący w analizie, jak w tamtych czasach krytyków z całego świata, którzy wydawali się walczyć o to, by ich opinie na jego temat zostały wysłuchane. Opinie te znacznie bardziej dzieliły niż dzisiaj, ale miejsce filmu w filmografii Bergmana wciąż wydaje się trudne do zdefiniowania. Pod względem brzmienia, struktury i samej wielkości nie przypomina niczego, co Bergman zrobił do tej pory. Ale jest to również niezaprzeczalne połączenie wszystkich jego tematycznych i wizualnych instynktów, które krzyżują się na tym potwierdzającym życie gobelinie rodziny z wczesnych lat XX wieku w Szwecji. Jego malownicza żywiołowość wydaje się przykuwać całą twoją uwagę przy pierwszym oglądaniu dzięki głęboko wciągającym wariacjom czerwieni, zieleni i łagodnych, ciepłych żółci, które tworzą tak odurzającą paletę kolorów, że jej brak - kiedy wszystko jest udrapowane bielą, czernią i surowym błękitem - wydaje się karny. Skrupulatnie wykonane kroniki Bergmana emanują rozmachem rodzinnego pikniku i zawierają znajomość ludzkich więzi utrzymywanych przez dziesięciolecia prawdziwym, delikatnym uczuciem. W tym hojnie wystawionym przedstawieniu życia narodziny i śmierć są zarówno przypadkowe. W małym świecie te postacie, jak większość z nas, zamieszkują, okrężne radości są wszystkim, na co można mieć nadzieję i wystarczają im, tak jak powinny być dla nas. Czy to wszystko iluzja? Można by pomyśleć, że oglądanie tego gigantycznego zespołu czyni takie cuda. Jeśli tak, uwierz mi, nie chcesz, żeby to zostało zniszczone.

12. Czas apokalipsy (1979)

Są filmy wojenne, które pokazują zawiłości działań wojennych (jak `` Wróg u bram ''), inne, które potępiają i brzydzą się jej pojęciem (jak `` Pianista ''), a także zuchwały `` Czas apokalipsy '', który nie oferuje opinii lub konkluzji, ale zamiast tego obnaża graficzny obraz okropności wojny, gloryfikując żołnierzy, którzy w niej biorą udział. Do dziś trwa debata, czy „Czas Apokalipsy” jest prowojenny, czy antywojenny. Kochaj to lub nienawidź; pewną rzeczą jest to, że będziesz to pamiętał. Jedna z najbardziej problematycznych produkcji w historii Hollywood, ostatnia wersja scenarzysty i reżysera Francisa Forda Coppoli zakończyła jego najbardziej technicznie genialną pracą. Nagie założenie jest proste - kapitan Willard musi „skończyć z ekstremalnym uprzedzeniem” płk Kurtz, który wszedł na terytorium wroga i stracił życie. Ale to wyniszczająca podróż Willarda przez przerażające pola bitew Wietnamu (wzmocniona przez zapierające dech w piersiach zdjęcia Vittorio Storaro) pozostaje wyryta w pamięci długo po napisach końcowych. Zawiera jedną niezapomnianą scenę po drugiej i definitywne występy Martina Sheena jako Willarda, Marlona Brando jako Kurtza i Roberta Duvalla jako „entuzjasty napalmu” podpułkownika Kilgore, „Czas apokalipsy”, jak słusznie stwierdził Coppola, „nie dotyczy Wietnamu. To jest Wietnam ”.

11. 400 ciosów (1959)

„The 400 Blows” François Truffauta to prawdziwe dzieło sztuki powstałe z prawdziwego bólu. Prawdziwie szczera i głęboko osobista praca, Truffaut zadedykował film swojemu duchowemu ojcu i uznanemu na całym świecie teoretykowi filmu André Bazinowi. Wyraźnie autobiograficzne z natury, własne dzieciństwo Truffauta było niespokojne, co bardzo wyraźnie widać w filmie. Z zewnątrz film opowiada o przestępstwach nieletnich i dorastających, często powodowanych zaniedbaniami społecznymi i rodzicielskimi. Zajrzyj trochę głębiej, a znajdziesz film o nadziei; nadzieję, która jest zarówno intensywna, jak i terapeutyczna. Główny bohater Antoine Doinel jest w pewnym sensie surową reprezentacją samego społeczeństwa, społeczeństwa, które ukrywa swoje niepowodzenia za regułami, karami i osądami. Film płynie jak rzeka i zabiera widzów w podróż pełną nadziei, rozpaczy, empatii, a nawet czystej złości. Jeśli kiedykolwiek chciałeś zobaczyć, jak wygląda arcydzieło, nie szukaj dalej niż „400 ciosów”.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch nie jest filmowcem. Mężczyzna jest marzycielem. A „Mulholland Drive” to największe marzenie, o jakim marzył. Sen, który zawiera w sobie każdą emocję, która obejmuje ludzkie istnienie. Trudno jest wyjaśnić lub opisać film taki jak „Mulholland Drive”, ponieważ jest to film o doświadczeniu i tym, co z niego czerpiesz, a nie fabuła oparta na konwencjonalnej narracji, która karmi Cię odpowiedziami, które z radością możesz zabrać do domu. Lynch często mówił, że jego wizja filmu jest zasadniczo zbudowana na wielu pomysłach i odczuciach. I to staje się bramą do zrozumienia filmu tak złożonego i wielowarstwowego jak „Mulholland Drive”. To labirynt marzeń, ambicji, pragnień i koszmarów. Lynch wie, co nas przeraża najbardziej i co doprowadza nas do szaleństwa. I to właśnie ta niepokojąco intymna refleksja ludzkiej podświadomości sprawia, że ​​„Mulholland Drive” jest tak głęboko wstrząsającym dziełem sztuki. Takiego, który otacza cię uczuciem ciepła i czułości, zanim przecina twoją czaszkę.

9. Złodzieje rowerów (1948)

„Prostota to najwyższe wyrafinowanie” - Leonardo Da Vinci. Jednym z najtrudniejszych zadań w kręceniu filmów jest ustalenie, kiedy należy zakończyć film. Zakończenie w Bicycle Thieves jest tak tonalnie zsynchronizowane z początkiem, ponieważ zaczynamy od Antonio, zwykłego człowieka wyłaniającego się z tłumu do Antonio, zwykłego człowieka, rozpraszającego się w tłumie. Życie w powojennym Rzymie każdego dnia zamieniało się w walkę i prawie nikt nie wyszedł z tego bagna nędzy. Niewiele jest filmów, które zapewniają introspekcję tak głęboką jak Złodzieje rowerów. To film, który rozbije Twoje serce na kawałki, a jednocześnie zainspiruje do życia pełnią życia. Rzadko kiedy film tak prosty w założeniu jest tak genialnie skuteczny w swoim przekazie. Po obejrzeniu filmu praktycznie nie da się zapomnieć. Chociaż największym osiągnięciem filmu jest to, ilu niezależnych filmowców zainspirował, którzy do dziś cytują „Złodzieje rowerów” jako inspirację.

8. Tokyo Story (1953)

„Tokyo Story” jest tym, do czego dąży każdy filmowiec, który chce opowiedzieć znaczącą historię. Oczywiście wszystkie z nich zawodzą! Nie ma lepszego przykładu filmu, który oddaje epicką historię w tak prosty, ale mistrzowski, efektowny i niezapomniany sposób. Dzięki „Tokyo Story” Yasujiro Ozu osiągnął marzenie każdego żyjącego filmowca: na zawsze zamieszkać w sercu i umyśle widza. Każdy, kto widział „Tokyo Story”, będzie wiedział, o czym mówię. Film opowiada historię starzejącej się, tradycyjnej japońskiej pary, która odwiedza swoje dzieci w Tokio tylko po to, by uświadomić sobie, że ich dzieci są zbyt zajęte swoim życiem, aby się nimi opiekować i bardzo oddaliły się od nich kulturowo i emocjonalnie. . Wspaniałe w filmie jest również uniwersalny temat, z którym każdy może się odnieść. Styl filmowy Ozu zapewnia również, że jesteś pochłonięty opowieścią, która oferuje głęboki wgląd w zmieniającą się psychikę człowieka wraz ze zmieniającymi się czasami. Po prostu genialne!

7. W nastroju na miłość (2000)

„In the Mood For Love” to po prostu największa historia miłosna, jaką kiedykolwiek nakręcono. Kropka. Tak łatwo mogła to być sztuka, a nawet poezja. Dzięki pięknym, urzekającym obrazom i wyśmienitej, przeszywającej duszę muzyce „In The Mood For Love” opowiada złożoną historię dwóch prostych osób. Dwie osoby, które przechodzą przez strach i pokusę zakochania; a raz zakochany, zwykły ból pozostawiania go niekompletnym. „In the Mood for Love” przedstawia miłość w jej najbardziej wrażliwej formie. Robiąc to, ujawnia nasze własne słabości i to, jak bezradni jesteśmy w obliczu miłości. Rzadko kiedy film tak skromny i tak powściągliwy ma taki wpływ po obejrzeniu.

Nie jestem pewien, czy reżyser Wong-Kar-Wai zamierzał nakręcić film, który nakręcił, biorąc pod uwagę, że nakręcił go głównie bez scenariusza. Jeśli spojrzysz na historię, najbardziej definiującymi dziełami sztuki są szczęśliwe wypadki. Policz wśród nich „In the Mood For Love”.

6. 8 1/2 (1963)

Numer osiem i pół w filmografii włoskiego mistrza, ten upalny, soczysty epos fantazji, koszmarów i zbyt mętnej rzeczywistości jest jak biscotti - zdecydowanie absurdalny w swoim kształcie i upieczony w sposób, który nie pozwala pochłonąć go całkowicie w jedno podejście. Jego przerażające, niespokojne zdjęcia uzupełniają świadomą wizję filmowca Felliniego, który próbuje wykorzystać w swoim nowym filmie wiele zmieniających się doświadczeń, które miał w ciągu swojego zawiłego życia. Choć może to być na wpół autobiograficzne, „8 i 1/2” przelatuje przez publiczność z całą swoją zachwycającą złożonością nienaruszoną w tak radykalnym tempie, że próbuję zdekonstruować jego sprytnie skomponowane obrazy w celu znalezienia własnego miejsca w Wyjątkowa specyfika Felliniego, ale nigdy nie był w stanie mocno wylądować na ziemi.

Wykorzystując zacienioną grawitację Marcello Mastroianniego, czysta elektryczność Felliniego może być przytłaczająca. Trzymasz się swojej percepcji danej chwili i rozpoznajesz jej zmysłowe bogactwo tylko po to, by odkryć, że twórca filmu przeszedł do kolejnej, trzepoczącej, rozkosznie gotowej sekwencji. Jego wyobrażenia o artystach i ich kłopotliwej, śmiesznej obsesji na własny temat mogą wydawać się przestarzałe - lub, co gorsza, nieistotne - ale nigdy nie tracimy zuchwalstwa ich konstrukcji i ekspresji. Oczarowuje nas i zwodzi, nie pozwalając nam oderwać od niego wzroku, a potem prześlizguje się przez palce, gdy dociera do nas, że nigdy nie mieliśmy go w uścisku. Fellini niewiele różni się od jasnowidzącej Mayi z filmu, która zdaje się wiedzieć, o czym wszyscy myślą: umiejętność przypisywana telepatii przez jej asystenta. Kiedy nasz bohater, Guido, pyta asystentkę o to, jak ona to robi, wyraźnie zauważa: „To częściowo sztuczka, a częściowo realne. Nie wiem, ale to się zdarza ”. Żadne słowa nie mogłyby lepiej opisać film.

5. Osoba (1966)

Myślę, że można śmiało powiedzieć, że „Persona” w pojedynkę zepsuła kino. Będąc pozornie horrorem, klasyk Ingmara Bergmana z 1966 roku jest bardziej studium indywidualnej tożsamości niż czymkolwiek innym. Wykorzystując innowacyjne techniki montażu, ostre kąty kamery, zimne miny, wciągające dialogi i znakomitą reżyserię, film ten w możliwie najbardziej niejednoznaczny sposób opowiada historię znanej aktorki, która traci głos i opiekującej się nią pielęgniarki. w zacisznym domu, gdzie ich charakterystyczne osobowości powoli zaczynają się ze sobą łączyć. Będąc najbardziej „filmowym” przedsięwzięciem reżysera, „Persona” przekręca każdą konwencjonalną zasadę kręcenia filmów, próbując przynieść świeże i fascynujące doświadczenie. Dzięki temu, że niektóre z najwspanialszych aktorów, jakie kiedykolwiek zostały nakręcone na celuloidzie, atmosfera filmu pomaga nam docenić pytania, jakie mamy na jego temat, inteligentnie przenosząc naszą uwagę na rzemiosło, które jest w trakcie gry. Po prostu nie istnieje nic takiego jak „Persona” i może to być fakt.

4. Ojciec chrzestny (1972)

Prawdopodobnie najbardziej wpływowy film, jaki kiedykolwiek powstał. Jedna z najrzadszych adaptacji, która jest w rzeczywistości lepsza niż materiał źródłowy - w tym przypadku powieść Mario Puzo o tym samym tytule - film przetrwał wieki i jest klasykiem w najprawdziwszym tego słowa znaczeniu, który po prostu staje się lepszy z każdym przeglądanie. Film jest kroniką rodziny mafijnej pod wodzą Don Vito Corleone i koncentruje się na przemianie jego syna, gdy przejmuje rodzinny interes po śmierci patriarchy. Bez wątpienia jednym z głównych atutów tego filmu są występy, w tym między innymi Marlon Brando jako Vito Corleone i Al Pacino jako Michael Corleone, na nowo definiując standardy aktorskie swoimi występami. Wszystko inne, zwłaszcza scenariusz i nastrojowa kinematografia i ścieżka dźwiękowa, mają prawdopodobnie ocenę A i określa gatunek. Słusznie nie ma kino, który nie widział tego arcydzieła filmu. To ołtarz, do którego chodzimy się modlić.

3. Obywatel Kane (1941)

Święty Graal kina amerykańskiego. „Citizen Kane” zdefiniował prawie każdy aspekt, który obejmuje sztukę filmową. Film, który przełamał niezliczone konwencje filmowe tylko po to, by stworzyć nowe. Począwszy od przełomowych rozwiązań technicznych, w tym oświetlenia, dźwięku i grafiki, po wysoce innowacyjny styl opowiadania historii, „Citizen Kane” zmienił sposób, w jaki kręcono filmy. Film jest głęboko wnikliwym studium postaci, które przybiera formę tajemniczego dramatu, odkrywając prawdy z życia enigmatycznego potentata wydawniczego, którego ostatnie słowo wzbudziło zainteresowanie reportera. Wyrusza w podróż, odkrywając człowieka, który kiedyś rozpoczynał swoje życie z surowymi ambicjami i pragnieniami, ale wkrótce ulegnie uwodzicielskim siłom chciwości i autorytetu. „Citizen Kane” to niezwykle potężne dzieło sztuki, które eksploruje głębokie tematy i oddaje nieskończenie złożone emocjonalne aspekty życia jako istoty ludzkiej.

2. Lustro (1975)

Czy sztuka mogła być kiedykolwiek tak osobista, że ​​nie można jej było odróżnić od jej twórcy? To pytanie mnie uderzyło, kiedy po raz pierwszy zobaczyłem „Zwierciadło” Andrieja Tarkowskiego. Jest to dzieło sztuki, w którym artysta całkowicie oddaje się swojej pracy, której nie można odróżnić od pracy, którą wykonuje. To prawie tak, jakby Tarkowski oddychał całym filmem. Auteurowie stworzyli swoje arcydzieła, zmieniając i kształtując kino takie, jakie widzimy dzisiaj, ale Tarkowski poszedł o krok dalej i osiągnął nieosiągalne; dając życie swojej sztuce. „The Mirror” to po prostu oddychające kino. Można było zobaczyć Tarkowskiego, jego rodzinę, kulturę, w której dorastał. W rzeczywistości można było zobaczyć w niej siebie, swoją matkę i uczucie Deja Vu, które przychodzi ci do głowy, patrząc na te miejsca. To prawie tak, jakbyś tam był, może w życiu lub we śnie gdzieś zagubionym. A dla artysty stworzenie czegoś tak osobistego i intymnego jest czymś naprawdę poza słowami. To film, który potwierdza to, co zawsze wiedzieliśmy: kino jest największą formą sztuki.

1. 2001: Odyseja kosmiczna (1967)

Jak każdy inny wpis na tej liście, „2001” to także lekcja kręcenia filmów. Kilku filmowców, w tym Christopher Nolan i Denis Villeneuve, mówiło o tym, jak ten film był dla nich inspiracją. Więc tak, film to cud techniki. Ale nie dlatego film znalazł się na szczycie listy tak wielu świetnych filmów. Znajduje się na szczycie, ponieważ jest to film, który odważył się wejść w miejsce, w którym wcześniej nie było filmu. Do diabła, nikt nawet nie wiedział, że jest takie miejsce, do którego kino może dążyć. I jeśli kiedykolwiek sztuka kina wymagała powodu lub dowodu, aby potwierdzić, że celem jego istnienia jest znacznie więcej niż zwykła rozrywka, to oto on: absolutnie fascynująca i niezwykle mityczna „2001: Odyseja kosmiczna”.

Stanley Kubrick poszerzył horyzonty kina niemal wszystkimi swoimi filmami. W „2001: A Space Odyssey” nadał nowe znaczenie temu, co może osiągnąć kino. Większość filmowców wykorzystuje kino jako medium do opowiadania historii. Ale Kubrick kwestionował kino. O co pytał? Wszystko, od Boga do celu naszego istnienia. Chociaż „2001: A Space Odyssey” jest bardzo inteligentnym filmem science fiction sam w sobie, jest też o wiele więcej. Uważam, że jest to film, który jest bardziej filozoficznym poszukiwaniem, czy Bóg istnieje. Porozmawiaj o mierzeniu wysoko!

.