18 najlepszych filmów egzystencjalnych wszechczasów

„Egzystencjalizm” to termin ukuty przez europejskich filozofów końca XIX i XX wieku, którzy wierzyli, że myślenie filozoficzne zaczyna się od podmiotu ludzkiego - nie tylko podmiotu myślącego, ale działającego, czującego, żyjącego człowieka. Według nich ludzie szukają informacji, kim i czym są przez całe życie, dokonując wyborów na podstawie swoich doświadczeń, przekonań i poglądów. Tak, wiem, że to skomplikowane. Mówiąc prościej, „egzystencjalizm” to filozofia zajmująca się poszukiwaniem siebie i sensu życia poprzez wolną wolę, wybór i osobistą odpowiedzialność.

Poniżej znajduje się lista najważniejszych filmów egzystencjalnych, za pomocą których ich twórcy próbowali zrozumieć, co oznacza istnienie na tym świecie. W jakim stopniu nasze doświadczenia kształtują nasze przekonania? I czy życie jest naprawdę bez znaczenia? To tylko kilka z wielu pytań zadawanych przez te filmy. Który z tych najlepszych filmów o oświeceniu jest Twoim ulubionym. Nawiasem mówiąc, możesz przesyłać strumieniowo niektóre z tych najlepszych filmów egzystencjalnych na Netflix, Hulu lub Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Pełen i najeżony surową energią „Birdman” bawi się sztuką robienia filmów, jaką znasz, nadając jej nowy wymiar. Zaskakuje, rzuca wyzwanie i olśniewa; czasami naraz. To zabawne, ekscytujące i doświadczenie, którego najprawdopodobniej nigdy nie miałbyś w kinach. Zjadliwe i mrocznie zabawne spojrzenie na kulturę natychmiastowej sławy i celebrytów w dzisiejszych czasach Facebooka i Twittera, kpi z tych, którzy są więźniami własnego wizerunku. Ostatecznie to film o aktorze przeżywającym egzystencjalny kryzys.

17. Synecdoche, Nowy Jork (2007)

„Synecdoche, New York” to film trudny do oglądania, a nawet żołądek. Nie jest to coś, co należy rozumieć; filmy takie jak ten trzeba obserwować, odczuwać i przemyśleć. Intensywnie intelektualna, często szokująca, „Synecdoche, New York” nie przemawiałaby do wszystkich; jest celebracją wszystkiego, do czego artysta dąży, a jednak ostatecznie jest tragedią, pokazującą drugą stronę artystycznych ambicji, gdzie rzeczywistość spotyka się z nierzeczywistym, pogrążając artystyczny umysł w mrocznych głębinach niepewności i depresji.

16. Osoba (1966)

Trudno jest dodać film taki jak „Persona” do jakichkolwiek list gatunków z powodu samej głębi i niejednoznaczności tematów poruszonych w filmie. „Persona” to film, który jest otwarty na wiele interpretacji i nadal jest szeroko dyskutowany, dyskutowany i analizowany przez krytyków, naukowców i kinomanów na całym świecie. Film opowiada historię dwóch kobiet, pielęgniarki i jej niemej pacjentki oraz niesamowitej więzi ich dziwnych osobowości. Film bada ludzką tożsamość, rozmywa i wstrząsa naszym postrzeganiem snów i rzeczywistości oraz pogrąża się w najgłębszych i najciemniejszych aspektach złożonej ludzkiej psychiki i dziwacznych fantazjach, które ją obejmują. „Persona” jest głęboko intymnym i osobistym doświadczeniem i jest czystym kawałkiem poezji filmowej.

15. Taksówkarz (1976)

„Taksówkarz” opowiada historię weterana Wietnamu, który został emocjonalnie zniszczony przez samotność i nędzę. „Taksówkarz”, mocno napędzany postacią, przedstawia zadziwiający wyczyn aktorski Roberta De Niro, który przedstawia człowieka, który pogrąża się w szaleństwie, gdy widzimy, jak ciągną go skrajności ludzkiej ciemności. Może Travis Bickle był kiedyś uroczym, czarującym facetem i to wojna sprawiła, że ​​poczuł się obcy w świecie, który był kiedyś jego domem. Jego niezdolność i desperacja, by nawiązać kontakt z ludźmi i nieustanna walka o dopasowanie się do dziwacznego, szalonego świata pełnego morderstw i wykroczeń to głęboko niepokojący, mroczny portret ludzkiej duszy.

14. Wiosna, lato, jesień, zima… i wiosna (2003)

Zapowiadane jako najlepsze dzieło ze stajni południowokoreańskiego autora Kim Ki-duka, „Wiosna, lato, jesień, zima… i wiosna” to opowieść, która opowiada o życiu mnicha buddyjskiego, gdy przechodzi on przez różne etapy życie. Film można uznać za metaforę nieustannej ciągłości i cykliczności ludzkiego życia. Po drodze porusza również tematy miłości, poświęcenia, oddania, odosobnienia i wierności. Znany z niewielu dialogów, film ma głęboko kontemplacyjny charakter i zabiera widzów w spokojną podróż.

13. Siódmy kontynent (1989)

Nazywanie horroru „Siódmym kontynentem” Michaela Haneke'a brzmi dla mnie bardzo źle, ale tak określa go większość ludzi, którzy go widzieli. Trudno z nimi polemizować, ponieważ oglądanie tego filmu pozostawia uczucie beznadziejności, przygnębienia i strachu. Mając do czynienia z rodziną, która nienawidzi świata i życia w ogóle, ten klasyk z 1989 roku przyjmuje zimną i odległą postawę, aby jeszcze bardziej odizolować trójkę graczy od reszty społeczeństwa, co powoli, ale z pewnością powoduje, że publiczność głęboko czuje się z nimi jako ich istnienie przybiera mroczny obrót. Będąc jednym z najbardziej niepokojących filmów, jakie kiedykolwiek pojawiły się na srebrnym ekranie, debiutancki kawałek Haneke drwi z widza i nigdy nie odpuszcza. Jeśli widzowie nazywają to horrorem, to robią to w nawiązaniu do przerażającego filmu, który nie przypomina żadnego innego. Pokryta niejednoznacznością i realizmem, Siódmy kontynent to osobista, intymna i przerażająca opowieść o prawdziwej historii, która pozostawia cię w ciszy, ponieważ przez co najmniej kilka minut po jej zakończeniu nie możesz wypowiedzieć ani jednego słowa.

12. Spirit of the Beehive (1973)

Hiszpański mistrz Victor Erice przed przejściem na emeryturę nakręcił tylko trzy filmy fabularne. Jego filmy, takie jak El Sur, „Drzewo słońca” Quince, a zwłaszcza Spirit of the Beehive, jego nieokreślony debiut, sprawiają, że wszyscy żałujemy, że nadal kręci filmy. Parabilistyczna opowieść o dwójce dzieci, z których jedno bada swoje życie z niewinną, często oszałamiającą fascynacją, a drugie obsesją na punkcie filmu „Frankenstein”, który grał w lokalnym teatrze. Jego tajemniczy portret hiszpańskiego serca pozostaje w kuszącej dwuznaczności charakterystycznie neutralny kierunek Erice - rzadko zapuszcza się w filmową metodę na rzecz cichej obserwacji. Wynikowa praca jest kłopotliwa, wciągająca i sprawi, że będziesz się zastanawiać nad nieodłączną zagadką samego życia: jego nierozwiązanymi pytaniami, wielkimi tajemnicami i zaskakującą niedostępnością. Aby pozostawić cię całkowicie zdruzgotanego lub nieporównywalnie poruszonego, nie ma wątpliwości, że w obu przypadkach „Duch Ula” będzie ważnym doświadczeniem.

11. Szatan Tango (1994)

Byłem zahipnotyzowany rozległym, cudownym arcydziełem Béli Tarr, kiedy pierwszy raz je zobaczyłem. Jej pragmatyczne wyczucie prawdziwego świata i cierpliwość to cechy definiujące. Więcej obserwuje niż odzwierciedla i kontempluje więcej niż dostarcza zgrabnie sformułowanych wypowiedzi. Jej mityczny, ponury realizm jest zbyt piękny, aby był prawdziwy i zbyt brutalny, aby można go było zrealizować z takim okiem na piękno. Do końca chciałem tylko zamknąć wszystkie okna i otulić się w ciemności, ponieważ film był dla mnie jak ten szaleniec w kościele, a jego zawodzenie miało zbyt wiele sensu. Z radością informuję, że mądre refleksje społeczne i polityczne „Sátántangó” zaczęły być dla mnie jasne, ponieważ wielokrotnie do nich wracałem.

10. La Dolce Vita (1960)

Ostrożnie, cierpliwie i poetycko zmiękczony wirtuoz Felliniego jest w pełni pokazany w zdobywcy Złotej Palmy, która w swoim duchowym i mrocznym blasku oddaje sposób życia, który wydaje się zbyt nieuchwytny, a pod pewnymi względami zbyt realny. Jej tempo podkreśla poczucie bezcelowości bohatera i zmusza nas do kąpieli w symfonicznej aranżacji tętniącego życiem życia i jego ulotności. W tę postać wciela się najlepszy w karierze Marcello Mastroianni, który wykorzystuje ten dar czasu, aby wypełnić swoje oczy nieodpartym znużeniem światem. Kwestionowanie znaczenia niektórych fragmentów „La Dolce Vita”, które mogą wydawać się pozbawione filozoficznego znaczenia lub znaczenia narracyjnego, jest odrzuceniem możliwości dopuszczenia do siebie pikantnych szczegółów, a następnie kontemplowania konsekwencji. Gdy niebiańska partytura Nino Roty przenosi nas do oszałamiającego świata Rzymu, widzianego przez złudne oko Felliniego, widzisz tylko to, co on chce, abyś zobaczył, a to szybko staje się tym, co chcesz zobaczyć.

9. 8 1/2 (1963)

Wykorzystując zacienioną grawitację Marcello Mastroianniego, czysta elektryczność Felliniego może być przytłaczająca. Trzymasz się swojej percepcji danej chwili i rozpoznajesz jej zmysłowe bogactwo tylko po to, by odkryć, że twórca filmu przeszedł do kolejnej, trzepoczącej, rozkosznie gotowej sekwencji. Jego wyobrażenia o artystach i ich kłopotliwej, absurdalnej obsesji na własny temat mogą wydawać się przestarzałe - lub, co gorsza, nieistotne - ale nigdy nie tracimy zuchwałości ich konstrukcji i ekspresji. Oczarowuje nas i zwodzi, nie pozwalając nam oderwać od niego wzroku, a potem prześlizguje się przez palce, gdy dociera do nas, że nigdy nie mieliśmy go w uścisku. Fellini niewiele różni się od jasnowidzącej Mayi z filmu, która zdaje się wiedzieć, o czym wszyscy myślą: umiejętność przypisywana telepatii przez jej asystenta. Kiedy nasz bohater, Guido, pyta asystentkę o to, jak ona to robi, wyraźnie zauważa: „To częściowo sztuczka, a częściowo realne. Nie wiem, ale to się zdarza ”. Żadne słowa nie mogłyby lepiej opisać film.

8. Siódma pieczęć (1957)

Już od pierwszych zdjęć kultowego dokumentu Bergmana o wierze, strachu i zadowoleniu rzucono na ciebie zaklęcie. Surowe, ziarniste spojrzenie na morze, wybrzeże, a na nim odważnego rycerza i jego fatalne spotkanie z personifikacją śmierci określa klarowność obiektywności filmu, nawet jeśli pozostawia miejsce na uwodzicielską, niemal przerażającą dwuznaczność, która ma być stale obecna. Korzystając z magnetycznego występu niezrównanego Maxa von Sydow i zespołu aktorów, którzy podnoszą zadziwiający materiał Bergmana oparty na jego sztuce „Malowanie na drewnie” na nieoczekiwany poziom, „Siódma pieczęć” w swoim skromnym 90 minutach ma wpływ na stara bajka przekazywana z pokolenia na pokolenie, która napędza wyobraźnię o wiele bardziej ekspansywną, niż sama jest w stanie pomieścić. Błyszcząca, wyrazista czarno-biała kolorystyka Gunnara Fischera sprawia, że ​​wstrząsająca intensywność czołga się pod naszą skórą. Strumieniowa płynność jest wynikiem narracji rozwiniętej z wysublimowaną pewnością siebie i namacalnym wyrównaniem. Może to być na wskroś prosta historia, która mimo wszystko kryje w sobie cenne pomysły, ale jest uszyta z tkaniny tak skomplikowanej i odważnej, że nie sposób nie patrzeć na nią w kółko, aby przełożyła się na trwałe wspomnienie.

7. Stalker (1979)

Trzymając swoich pomniejszych potomków, do których należy bardzo popularny serial telewizyjny „Westworld”, nie można przecenić kolosalnego wpływu „Stalkera” na wizualne opowiadanie historii. Pomysły - filozoficzne, duchowe i naukowe - jak również ich zręczna, chwalebna eksploracja filmowa w „Stalkerze” odbiły się na wielu filmach science-fiction, które miały się po nich pojawić. To nie tyle szybowanie, wprowadzające w trans i punktami, abstrakcyjne tempo czy poruszające duszę użycie monochromatycznej sepii poza „Strefą” i nadruki kolorów miejsc w Estonii, które znalazły odzwierciedlenie w twórczości filmowców, takich jak Terrence Malick i Lav Diaz, żeby wymienić tylko kilka, ale wytrwała cierpliwość i pokora. Przekazując widzom w dużej mierze rządy filozoficzne, Tarkowski pozostawia widzom tyle miejsca na samodzielne odkrycie wielu metafizycznych aspektów filmu, że nawet jego niezrównana dosłowna i wizualna poezja wydaje się w równym stopniu wytworem naszej fabrykacji, co jego. i jego współpracowników ”.

6. Czas apokalipsy (1979)

Film wojenny może okazać się mało prawdopodobnym wyborem. Ale jak powiedziałem, świetne filmy wyrywają się z przeszkód związanych z ich gatunkami. „Czas apokalipsy” jest powszechnie uważany za najwspanialszy film wojenny, jaki kiedykolwiek powstał. Ale w swej istocie jest to film, który bada także egzystencjalizm. Wyprawa kapitana Willarda do nieznanej wioski w Kambodży w celu zamordowania enigmatycznego oficera armii renegatów służy jako wizualna metafora bolesnej podróży człowieka w otchłań egzystencji. „Czas apokalipsy” opowiada o poszukiwaniu odpowiedzi Willarda. Wraz z nim w jego podróży kwestionujemy moralność stworzoną przez cywilizowane społeczeństwo zamaskowane hipokryzją i megalomanią. Jego dziwna, tajemnicza fascynacja pułkownikiem Kurtzem osiągnęła punkt kulminacyjny w odkryciu przez niego skrajności wojny, która mogłaby zmienić człowieka w niecywilizowaną bestię.

5. 400 ciosów (1959)

„The 400 Blows” François Truffauta to prawdziwe dzieło sztuki powstałe z prawdziwego bólu. Prawdziwie szczera i głęboko osobista praca, Truffaut zadedykował film swojemu duchowemu ojcu i uznanemu na całym świecie teoretykowi filmu André Bazinowi. Wyraźnie autobiograficzne z natury, własne dzieciństwo Truffauta było niespokojne, co bardzo wyraźnie widać w filmie. Z zewnątrz film opowiada o przestępczości nieletnich i młodocianych, często powodowanych zaniedbaniami społecznymi i rodzicielskimi. Zajrzyj trochę głębiej, a znajdziesz film o nadziei; nadzieję, która jest zarówno intensywna, jak i terapeutyczna. Główny bohater Antoine Doinel jest w pewnym sensie surową reprezentacją samego społeczeństwa, społeczeństwa, które ukrywa swoje niepowodzenia za regułami, karami i osądami. Film płynie jak rzeka i zabiera widzów w podróż pełną nadziei, rozpaczy, empatii, a nawet czystej złości. Jeśli kiedykolwiek chciałeś zobaczyć, jak wygląda arcydzieło, nie szukaj dalej niż „400 ciosów”.

4. Tokyo Story (1953)

„Tokyo Story” jest tym, do czego dąży każdy filmowiec, który chce opowiedzieć znaczącą historię. Oczywiście wszystkie z nich zawodzą! Nie ma lepszego przykładu filmu, który oddaje epicką historię w tak prosty, ale mistrzowski, efektowny i niezapomniany sposób. Dzięki „Tokyo Story” Yasujiro Ozu osiągnął marzenie każdego żyjącego filmowca: na zawsze zamieszkać w sercu i umyśle widza. Każdy, kto widział „Tokyo Story”, będzie wiedział, o czym mówię. Film opowiada historię starzejącej się, tradycyjnej japońskiej pary, która odwiedza swoje dzieci w Tokio tylko po to, by uświadomić sobie, że ich dzieci są zbyt zajęte swoim życiem, aby się nimi opiekować i bardzo oddaliły się od nich kulturowo i emocjonalnie. . Wspaniałe w filmie jest również uniwersalny temat, z którym każdy może się odnieść. Styl filmowy Ozu zapewnia również, że jesteś pochłonięty opowieścią, która oferuje głęboki wgląd w zmieniającą się psychikę człowieka wraz ze zmieniającymi się czasami. Po prostu genialne!

2. 2001: Odyseja kosmiczna (1968)

Geniusz `` 2001: Odysei kosmicznej '' polega na tym, że duchowa podróż, którą nas prowadzi, nie wiąże się z teizmem, agnostycyzmem ani niczym szczególnym - to całkowicie zależy od publiczności, w jaki sposób zinterpretować film. Obejmuje to wiarę teisty w istnienie zawsze tak łaskawego, kochającego Boga, cynizm agnostyka, jak i przygnębiającą bezcelowość życia, jaką może wybrać nihilista. Niemniej Kubrick przynajmniej udowadnia, jak nieistotni jesteśmy i jak malutkie są nasze tak zwane postępy technologiczne! Mamy lata świetlne, zanim otrzymamy odpowiedzi na jakiekolwiek egzystencjalne pytania, które pojawiają się w naszym umyśle.

3. Drzewo życia (2011)

Terrence Malick nigdy nie kwestionuje istnienia Boga w „Drzewie życia”. Chociaż, jego prawdziwe poczucie zdziwienia nie wynika z tego; raczej raduje się z magii, jaką jest samo życie. W czasach, gdy Bóg stał się środkiem do udowodnienia wyższości i pretekstem do krzywdzenia, a nawet zabijania, „Drzewo Życia” przedstawia piękny, ale rozsądny sposób patrzenia na Boga. W końcu „Drzewo życia” to poemat filmowy o niezwykłym rozmachu i ambicji. Nie tylko prosi odbiorców o obserwację, ale także o refleksję i odczuwanie. Mówiąc najprościej, „Drzewo Życia” to opowieść o podróży w poszukiwaniu siebie. W swojej najbardziej złożonej postaci jest to medytacja nad ludzkim życiem i naszym miejscem w wielkim planie rzeczy. W końcu „Drzewo Życia” może zmienić sposób, w jaki patrzysz na życie - zmieniło mnie.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruksela (1975)

Ten francuski awangardowy film z Delphine Seyrig w roli tytułowej bohaterki nie jest zwykłym kinowym przeżyciem. Jest bliżej ćwiczenia - testu i wpływa na ciebie w sposób, w jaki niewiele innych filmów zrobiło wcześniej lub później. Niezależny utwór skupia się na trzech dniach z życia samotnej, niespokojnej gospodyni domowej, która wykonuje swój ścisły harmonogram wypełniony przyziemnymi obowiązkami domowymi. Jest matką i wdową, która wieczorami wykonuje prostytucję dla panów, aby zarobić na życie. Problemy pojawiają się, gdy drugiego dnia jej rutyna jest nieco zakłócona, co prowadzi do czegoś w rodzaju efektu domina, który znajduje odzwierciedlenie w kolejnych godzinach. Jeanne Dielman wciąga człowieka w jego powolny i medytacyjny świat z charakterystycznym podpisem reżyserskim Akermana, zawierającym dietetyczną atmosferę i hipnotyczną aurę wywołaną przez spokojną, subtelną i cierpliwą osobowość arcydzieła, która jest bolesnym celebracją monotonii istnienia.

1. Losowy Balthazar (1966)

Opuszczone arcydzieło Roberta Bressona to ćwiczenie uczuć. Unika zdefiniowania wyraźnego bohatera lub głównego tematu, chyba że policzysz cudowną siłę natury, jaką jest Baltazar, i jeśli weźmiesz film za dobrą monetę, nie. Ale jeśli pozwolisz mu być punktem dostępu do emocjonalnego i tematycznego krajobrazu filmu, trudno będzie z niego wrócić bez nagrody. Osobliwy, smukły i fajny styl wizualny Balthazara wydaje się z perspektywy czasu niemal olśniewający; jego spokojna kruchość owiana rezygnacją, wyjątkowo mądrym poczuciem kontroli. Nawet jego namacalna szczerość kryje w sobie wyrafinowany wysiłek, aby trochę się powstrzymać, ożywić w swojej prostocie ustawienia i charakterze bogactwo pozostawione publiczności do odkrycia, aw niektórych przypadkach zapierających dech w piersiach wyobrażenia. Przypisywanie znaczenia każdej chwili w „Balthazarze” nie zależy od tego, czy zakładamy, że jej treść jest alegorią o charakterze społecznym, czy nawet politycznym, ale od tego, w jaki sposób czuć rozkoszując się ich złożonością i spokojem, zamiast polegać na bezmyślnej ekspozycji, do której ucieka się większość filmów. To ma więc sens, jeśli bohater jest tytułowym osłem.