10 najlepszych studiów postaci w filmach

Czy życie naśladuje sztukę, czy sztuka naśladuje życie? Oscar Wilde był bardziej skłonny do tego pierwszego; w swoim słynnym eseju z 1889 roku Rozpad kłamstwa Uważał, że życie naśladuje sztukę o wiele bardziej niż sztuka naśladuje życie. Z drugiej strony, myślę, że jest to trochę jedno i drugie, zwłaszcza jeśli chodzi o kino. Oczywiście kino jest odbiciem czasów, w których żyjemy, ale czy nie jest też prawdą, że my także jesteśmy odbiciem filmów, które oglądamy. Która inna forma sztuki wpływa na nasze upodobania, niechęci i nasze wyobrażenie o szczęściu tak, jak filmy? Nawet o tym nie wiedząc, nasze życie jest nieustannie kształtowane przez filmy, które oglądamy. W rzeczywistości uważam, że oglądane przez nas filmy są odbiciem naszych refleksji! Robi się trąba powietrzna, prawda!

I nic innego nie uosabia tej skomplikowanej relacji bardziej niż charakteryzacje, które widzimy w kinie. Wielkie postacie zawsze mają inspiracje z prawdziwego życia i stają się nieodłączną częścią naszej egzystencji. Świetne charakteryzacje zwiększają emocjonalny ciężar i tematyczną strukturę filmu i łączą się z tobą w niewyobrażalny sposób. W istocie wielkie charakteryzacje zawsze byłyby uniwersalne w przedstawianiu ludzkości i nieskończonych tajemnic ludzkiego umysłu. Jestem kimś, kto zawsze wolał filmy oparte na postaciach od filmów fabularnych, bardziej ze względu na głębię, jaką potężne postacie nadają filmowi, i ponieważ każde oglądanie nieuchronnie staje się bardziej satysfakcjonujące niż poprzednie. Podczas gdy skomplikowane wątki rozwikłują się same po jednym zegarku, silne charakterystyki będą poruszać i wpływać na twoje sumienie na wieczność i pomogą ci w rozwikłaniu tajemnic twojego własnego życia.

A więc w The Cinemaholic , postanowiliśmy wymienić nasze ulubione studia nad postaciami z 21^śwstulecie. Zwróć uwagę, że nie jest to ani lista najlepszych przedstawień, ani ranking jakości tych filmów. To, co próbowaliśmy zrobić, to uwolnić złożoność postaci w tych filmach i pomóc im lepiej je zrozumieć. Jak zawsze, sprzeciw i konstruktywna krytyka są zawsze mile widziane i czekamy na Wasze przemyślenia w komentarzach. Więc bez zbędnych ceregieli, zajmijmy się tym. Możesz obejrzeć kilka z tych filmów o nauce postaci na Netflix, Hulu lub Amazon Prime.

10. Patrick Bateman - American Psycho

Kultowy klasyk horroru Mary Harron to nie tylko ekscytujący kawałek kina, to także bogate tematycznie studium postaci człowieka uwięzionego we własnych obsesjach i paranoi. Patrick Bateman to bogaty, młody i uprzejmy dyrektor z Wall Street, człowiek, który ma doskonałe życie, że tak powiem, ale nie jest ani szczęśliwy, ani zadowolony. Bateman stworzył idealną fasadę, którą okrywa swoje życie, ale pod powierzchnią widzimy egoistycznego, obsesyjno-kompulsywnego, psychicznie zaburzonego maniaka o zabójczych tendencjach. I powoli w trakcie filmu widzimy, jak rozpada się, gdy odrywa się fasada, odsłaniając niestabilnego, niekontrolowanego mężczyznę trawionego jego wściekłością i delirium.

Zaczerpnięte z powieści o tym samym tytule, są oczywiste, charakterystyczne inspiracje takimi klasykami, jak „Taksówkarz” i „Psychoza”, oba przedstawiające mężczyzn, których niestabilność psychiczna i paranoja prowadzą ich do niejednoznacznych skrajności. I chociaż „American Psycho” nigdy nie osiąga tych poziomów, nadal pozostaje bardzo fascynującym portretem samotności i znudzenia w zaciekle konkurencyjnym świecie, a kariera definiuje wydajność młodych Christian Bale podnosi poprzeczkę o kilka stopni wyżej dzięki swojemu sprytnie oderwanemu, ale wrażliwemu emocjonalnie występowi.

9. Nina Sayers - Black Swan

Natalie Portman była po prostu „damą w niebezpieczeństwie” z lat Gwiezdne Wojny kino, zanim ona i Darren Aronofsky spotkali się, aby dostarczyć jedną z najciemniejszych i najbardziej złożonych charakterystyk stulecia. Kolejny dramat psychologiczny człowieka, który dał nam „Pi” i „Fontannę”, „Czarny łabędź” to opowieść o artystce, która powoli wplata się w swoją sztukę, zatracając się w poszukiwaniu ostatecznej nagrody - doskonałości.

Nina to utalentowana, ale nieśmiała młoda baletnica wybrana do odgrywania podwójnej roli eteryczności biały łabędź i ciemne, zmysłowe Czarny łabędź w produkcji Jeziora Łabędziego Czajkowskiego. Chociaż gra biały łabędź z finezją Nina nie jest w stanie nasycić mrocznego uwodzicielstwa Czarny łabędź i dążąc do ostatecznej doskonałości, traci świadomość siebie i swoją tożsamość. Jest poczucie smutnego, melancholijnego piękna w dezintegracji Niny jako istoty ludzkiej, gdy jej sztuka osiąga apogeum, a Aronofsky genialnie zestawia te sprzeczności zarówno w Ninie, jak iw samym filmie, dając im obu rzadkie, ale niezwykle możliwe do odniesienia człowieczeństwo. Natalie Portman gra tę rolę do absolutnej perfekcji, ponieważ jej smutne oczy i porcelanowa twarz zdradzają ból, zmieszanie i paranoję, które oblegały jej życie.

8. Theodore Twombly - Her

Jest coś tak niewytłumaczalnie romantycznego, ale nieuchronnie tragicznego w zakochaniu się mężczyzny AI system. Theodore Twombly to smutna, przygnębiona dusza, która nie była w stanie przezwyciężyć swojego poprzedniego związku; wspomnienia z przeszłości nadal trzymają go jako zakładnika, ponieważ nie jest w stanie ruszyć dalej ani znaleźć miłości. To znaczy, dopóki nie kupi spersonalizowanego oprogramowania sztucznej inteligencji o imieniu Samantha i nie nawiąże z nią rzadkiego osobistego połączenia. Czuje wielkie poczucie wolności i otwartości w tym dziwnym związku, takim, w którym nie ma sztuczek współczesnego romansu, a jednocześnie jest niesamowicie wyzwalający. Gdy powoli zakochuje się w tej beztwarzowej sztucznej inteligencji, nasze zahamowania również znikają, gdy kibicujemy parze i jej niepewnej przyszłości.

Scenarzysta i reżyser Spike Jonze maluje bardzo dojrzały portret stanu współczesnych relacji, zmuszając nas do ponownej oceny naszych z góry przyjętych wyobrażeń o miłości, romansie i więzi emocjonalnej. Ale to, co ostatecznie sprawia, że ​​Teodor jest tak fascynujący, to fakt, że równie dobrze mógł być każdym z nas; samotny człowiek zakochany w kimś, kto go rozumie, akceptuje i kocha go takim, jakim był. A Joaquin Phoenix bezlitośnie zamieszkuje każdą klatkę filmu, wspaniale ujmując wrażliwość oraz niepowtarzalną ludzkość i miłość, którą uosabia Theodore.

7. Michele Le Blanc - She

Jeden z najbardziej kontrowersyjnych filmów wydanych w zeszłym roku, „Elle”, to film, który zaskoczył mnie niepokojącym humorem i ezoterycznym komentarzem społecznym. Podążając za życiem bogatej, odnoszącej sukcesy bizneswoman, która została zgwałcona w swoim domu przez nieznanego napastnika, `` Elle '' jest postfeministycznym arcydziełem z nieskruszoną kobietą na czele, która nie dostosowuje się do normalności i nie wyjaśnia swoich działań . Fascynująca kobieta, w życiu Michele jest coś dziwnego, przypominającego operę mydlaną; wszystko dzieje się naraz. I wszystko to z łatwością mogłoby pójść na południe, gdyby nie błyskotliwość Isabelle Huppert, która daje jedno z najwspanialszych przedstawień stulecia.

Huppert wnosi pewien emocjonalny podtekst, który uzupełnia jej inteligentny, nieustraszony wygląd zewnętrzny i jako Michele nie pozwala, by gwałt przejął kontrolę nad jej życiem; nadal jest aktywna seksualnie i pozostaje emocjonalnie tak oddalona, ​​jak zawsze. Ona nie jest ofiarą; nie, reżyser Paul Verhoeven uświadamia sobie, że jest ona nieodłączną częścią społeczeństwa, które fetyszuje kulturę gwałtu i uprzedmiotowienie seksualne; jest tak samo winna jak jej napastnik. „Elle” z pewnością jest filmem, który może ci przeszkadzać do głębi, ale nie jest to „komedia gwałtu”, jak wielu uważa; w rzeczywistości jest to film o kobiecie, której gwałt ją uwalnia; uwalnia ją z kajdan, które ograniczają jej egzystencję i daje jej moc bycia kobietą, którą chce być.

6. Freddie Quell i Lancaster Dodd - The Master

Paul Thomas Anderson jest bezsprzecznie jednym z największych współczesnych autorów amerykańskich. Mistrz bogatych charakterystyk, niejednoznaczność tematyczna w kinie Andersona czyni go geniuszem. Ale w „Mistrzu” Anderson nie tylko przedstawia nam studium postaci, ale wytrwale obala wszelkie kompulsje fabularne lub narracyjne poznawanie, a raczej łączy dwóch złożonych mężczyzn, gdy obserwujemy, jak ich związek rozwija się na ekranie. Podczas gdy Freddie jest człowiekiem zagubionym we własnej świadomości, desperacko poszukującym wolności od swojej powojennej nudy, Dodd jest charyzmatycznym duchowym guru, który jest zafascynowany bezmyślnym porzuceniem Freddiego. Kiedy ci dwaj mężczyźni walczą ze sobą, oceniając siebie nawzajem w nadziei, że podniosą się jeden na drugiego, ujawnia się prawdziwa natura ludzkiego zachowania - nasza potrzeba towarzystwa, nasze pragnienie wiary, nasze dążenie do akceptacji, a przede wszystkim nasze obsesja na punkcie siebie.

„Mistrz” to zdecydowanie mało znany kawałek kina; nie jest łatwo go lubić, ale wbija się pazurami w twoją psychikę i nie chce puścić. Philip Seymour Hoffman i Joaquin Phoenix wnoszą do swoich występów dziwną emocjonalną intensywność i wrażliwość, która jest jednocześnie niesamowicie magnetyczna i dziwnie odrażająca. Anderson wykorzystuje niewytłumaczalne przyciąganie, które popycha tych dwóch mężczyzn do siebie, aby dokonać bardzo subtelnego zbadania kondycji ludzkiej i tego, co nas kręci.

5. Caden Cotard - Synecdoche New York

Reżyserski debiut legendarnego scenarzysty Charliego Kaufmana „Synecdoche, New York” jest jednym z tych filmów, które pojawiają się tylko raz w życiu. Historia Cadena Cotarda, paranoicznego, nieznośnego reżysera teatralnego, walczącego o pogodzenie się z własną śmiertelnością; jest to jeden z najsmutniejszych i najbardziej przygnębiających filmów, jakie kiedykolwiek powstały, a także najbardziej przejmujący. Gra na idei czasu i postrzegalnej rzeczywistości, film elegancko przechodzi od surowego realizmu do marzycielskiego surrealizmu, gdy Caden walczy ze swoją samotnością i potrzebą. Chociaż film jest doskonały w swoim scenariuszu i innych szczegółach technicznych, wszystko poszłoby na marne, gdyby nie Phillip Seymour Hoffman .

Portretując życie idiosynkratycznego mężczyzny w średnim wieku aż do jego śmierci, Hoffman zwraca uwagę na spektakl, który można nazwać tylko „cudownym”. Wciela w życie wszystkie złożone metafizyczne i filozoficzne idee Kaufmana, grając postać, która mogłaby być każdym z nas. Caden ma paranoję na punkcie swojej śmierci, jest samotny, tęskni za rodziną i nienawidzi swojego istnienia. Hoffmanowi udaje się wydobyć wszystkie emocjonalne zawirowania i okropności swojej postaci z taką wrażliwością, że cię zdmuchnie. Jego smutne oczy i melancholijna twarz pięknie przekazują nie tylko ból i lęki w głębi Caden, ale także otwierają drzwi do naszych własnych lęków i niepewności jako jednostek, a także kwestionują nasze istnienie. „Synecdoche, Nowy Jork” to niewątpliwie jedno z najwspanialszych kinowych doświadczeń stulecia, a występ Hoffmana należy do epoki; coś, co prawdopodobnie już nigdy nie zostanie powtórzone.

4. Betty Elms / Diane Selwyn - Mulholland Drive

Włączenie przez nas wszystkiego, co dotyczy „Mulholland Drive”, stało się powszechnym gagiem wśród naszych czytelników; Nie chcę jednak pozwolić, aby powstrzymało mnie to przed uznaniem genialności Betty / Diane w David Lynch arcydzieło. „Mulholland Drive” to jeden z najwspanialszych filmów, jakie widziałem, film, który zmienił moje postrzeganie życia i kina. Tajemniczy dramat neo-noir osadzony w miasto marzeń , film śledzi aspirującą młodą aktorkę, która pomaga dziwnej kobiecie z amnezją odnaleźć swoją prawdziwą tożsamość. Jednak gdy wyruszają w tę podróż, tożsamości nakładają się na siebie i łączą się rzeczywistości, gdy jesteśmy traktowani pozornie niepowiązanymi winietami i wydarzeniami prowadzącymi do punktu kulminacyjnego, który może zaszokować cię do głębi. Pisarstwo Lyncha nie nadaje głębi żadnemu z bohaterów, przynajmniej nie wprost, ponieważ kieruje aurą klasycznych hollywoodzkich klejnotów i nadaje kampowy, niemal parodystyczny ton, gdy kupujemy sztuczność, którą tworzy. Ale kiedy w końcu wyciąga dywanik spod naszych stóp, nasze postrzeganie rzeczywistości załamuje się, gdy doświadczamy strachu i upokorzenia samotności.

W przeciwieństwie do tego, czym się prezentuje, „Mulholland Drive” nie jest kolejnym surrealistycznym krajobrazem snów Lyncha; jest to raczej rozdzierająca serce opowieść o miłości, nadziei i marzeniach oraz o tym, jak nasz umysł owija się wokół naszych fantazji i naszej rzeczywistości. A Betty / Diane to tlen, który napędza film; Naomi Watts, w jednym z najwspanialszych przedstawień aktorskich wszechczasów, oddaje swoje serce i duszę w granie tych dwóch kobiet; te kobiety, które podobnie jak dr Jekyll i pan Hyde uosabiają złożoność ludzkiej świadomości i natury naszej egzystencji. Nigdy od „Persony” Ingmara Bergamna nie widzieliśmy dwóch kobiet z niesamowitym magnetyzmem i surową energią, które Lynch wykazuje w „Mulholland Drive”, a to jest osiągnięcie samo w sobie.

3. Charlie Kaufman i Donald Kaufman - Adaptacja

Charlie Kaufman jest moim zdaniem największym scenarzystą w historii kina, człowiekiem, którego scenariusze mają przeszywającą intensywność i człowieczeństwo z natury nie do pomylenia. Dzięki „Adaptacji” stworzył największy scenariusz, jaki kiedykolwiek czytałem, wyznaczając nowy kierunek w pisaniu scenariuszy, wykraczający poza wszystkie konwencjonalne tropy, które istniały. Jak on to zrobił? No cóż, popełnił grzech główny - sam napisał w scenariuszu. „Adaptacja” miała być ekranową ekranizacją uznanej książki Susan Orlean Złodziej orchidei o życiu Johna Laroche; Jednak blokada pisarska Kaufmana zmusiła go do zmiany kierunku, gdy włączył się do swojego scenariusza i napisał o własnych zmaganiach twórczych związanych z adaptacją książki. Kaufman miesza duże dawki fikcji w niefikcyjnych założeniach, gdy on i reżyser Spike Jonze wymyślili jedno z najbardziej ekscytujących kinowych doświadczeń stulecia - film jednocześnie niewiarygodnie zabawny i nieznośnie tragiczny. Charlie Kaufman, postać, jest sednem tego metafilmu; odrażający, niepewny scenarzysta pogrążony w swojej nędzy i samotności, który czuje się kompletnym przegranym.

Próbując wcielić się w własną, rozdrobnioną osobowość, Kaufman tworzy fałszywego rodzeństwa, ambitnego filmowca Donalda, którego nieoryginalne pomysły i historie denerwują Charliego. Reprezentując dwie szkoły myśli w ekspresji artystycznej, zarówno Donald, jak i Charlie kroczą swoimi drogami, a my, publiczność, pilnie obserwujemy ich postęp, aż pod koniec odwrócimy się od nas, a film przekształci się w parodię samego kina. „Adaptacja” to jeden z najbardziej oryginalnych filmów, jakie kiedykolwiek widziałem, a Charlie Kaufman i aktor Nicholas Cage tworzą prawdopodobnie najbardziej fascynujący portret geniusza, który sam siebie deprecjonuje, który ciągle wątpi w swoje miejsce na świecie.

2. Daniel Plainview - Będzie krew

Oczywiście lista wspaniałych charakteryzacji nie może istnieć bez filmu z udziałem tych wielkich Daniel Day-Lewis , prawdopodobnie najwspanialszy dzisiejszy aktor. Prawdę mówiąc, byłem bardzo blisko zdobycia tego miejsca na szczycie, a wiele z tego miało związek z brutalnie szczerym występem Day-Lewisa jako Daniela Plainview. Ale zdecydowałem, że świetna charakterystyka to połączenie świetnego pisania, świetnej reżyserii i świetnego aktorstwa, zdecydowałem, że jest jeden film, który może przewyższyć ten. Jednak to nie powinno niczego odrywać od tego arcydzieła P. Andersona, w którym wyobraża sobie przerażającego mężczyznę, którego sama obecność pozostaje w twojej psychice długo po tym, jak go poznasz. Anderson jak zwykle pozwala swoim postaciom popchnąć fabułę do przodu w „Nie będzie krwi”, epickim dramacie historycznym, będącym kroniką powstania i upadku bezwzględnego, socjopatycznego nafciarza Daniela Plainview na początku XX wieku.

Portretując człowieka, który niczego nie powstrzyma w swoim dążeniu do bogactwa, Anderson daje nam jedną z najlepszych dekonstrukcji idei Amerykański sen gdzie kapitalizm zarówno tworzy, jak i niszczy przyszłość. A przede wszystkim największym osiągnięciem Andersona jest Plainview, postać tak nieprzewidywalna i przerażająca, że ​​sama jego obecność denerwuje. Zaślepiony swoją obsesją na punkcie bogactwa i pieniędzy Plainview jest człowiekiem bez zasad, bez granic; wykorzystuje nawet niczego nie podejrzewającą małą sierotę do odgrywania roli swojego syna, aby uchodzić za współczującego człowieka rodzinnego. Anderson tworzy wokół siebie film, w fascynujący sposób przedstawiając amerykańskie społeczne konwencje rodziny, wiary i religii. Żaden film od czasu tragicznego arcydzieła Orsona Wellesa „Obywatel Kane” nie dał nam tak fascynującego i złożonego Amerykanina jak Plainview w „There will be Blood”; i to nie lada wyczyn.

1. Erika Kohut - nauczyciel gry na fortepianie

I oto jest & hellip; .. kontrowersyjny wybór, tak, ale naprawdę zasługujący na to. Klejnot Michaela Haneke jest jednym z najbardziej niepokojących filmów stulecia i to nie z powodu krwi, krwi czy przemocy fizycznej, ale dlatego, że Haneke ma czelność wziąć coś tak ekscytującego i orzeźwiającego jak seks i zamienia się w niepokojącą eksplorację świata. mroczny podglądacz, który czai się w każdym z nas. Miałem, w ostatnim utworze , argumentował, że kino Haneke jest przedłużającą się eksploracją przemocy, którą się otruliśmy, i jak wpływa ona na wszystkie nasze wybory i decyzje.

W „Nauczycielu gry na fortepianie” Erika jest szanowaną i powszechnie podziwianą nauczycielką gry na fortepianie, której intelektualna egzystencja jest raczej fasadą, która maskuje nierównowagę w jej życiu seksualnym i emocjonalnie nadużywający związek z matką. Jest silną kobietą, jednak nie można jej lubić ani odnosić się do niej z powodu nieludzkości jej działań, ale w miarę postępów filmu zdajemy sobie sprawę, że Erika nie ma być prawdziwą osobą; jest raczej alter ego naszych najgorszych ja - naszych najgorszych pragnień, naszych najgorszych działań i naszej najgorszej strony jako istoty ludzkiej. Jest też nieznośnie samotna i smutna, i są chwile, kiedy wkrada się cień współczucia, ale Haneke nie pozwala, by to trwało, ponieważ nie chce, żebyśmy lubili Erikę. Chce, żebyśmy nienawidzili jej nie z powodu jej skłonności seksualnych lub jej kontrolującej natury, ale dlatego, że chce pokazać nam lustro tego, czym naprawdę się staliśmy.

Historia miłosna w swoim sednie, z „Nauczycielem gry na fortepianie” Haneke daje nam kobietę, która nie dba o swoje czyny, a która po prostu chce istnieć. Bardzo rzadko w kinie przedstawiamy kobietę z głębią i złożonością, jaką pokazuje Erika, i ma to wiele wspólnego z francuską boginią Isabelle Huppert, która wystawia przedstawienie na całe życie. Niewielu autorów i aktorów ma czelność zerwać łańcuchy i iść na całość; Haneke i Huppert to zrobili, a czyniąc to, obdarzyli jednym z największych studiów nad postaciami, jakie kiedykolwiek widziało kino.