25 najlepszych filmów krótkometrażowych, jakie kiedykolwiek powstały

Jest wielu, którzy nie mogą zarezerwować dziennie od 90 do 120 minut na obejrzenie filmu. Są zajęci i mają różne zadania, którymi muszą zawracać sobie czas. Cóż, krótkie filmy to idealna rozdzielczość dla takich ludzi. Są ludzie, którzy rozważają alternatywy w różnych formach sztuki, ale zapaleni fani filmu muszą mieć doświadczenie wizualne jak z filmu, a ja będąc na tym końcu spektrum, uwierz mi, wiem, przez co przechodzą. Film lub film to seria nieruchomych obrazów wyświetlanych na ekranie, który tworzy iluzję ruchomych obrazów i nie ma żadnych ograniczeń czasowych.

Jako zapalony uczeń musisz zrozumieć, że wszystko zaczyna się od krótkiego filmu, eksperymentu mającego na celu zmierzenie własnego talentu i jednoczesną rozrywkę. Niektóre dobre filmy krótkometrażowe wywarły wpływ na kino i zdefiniowały go w stopniu, z którego wielu nie zdaje sobie sprawy, i zazwyczaj doskonale oddają esencję kwitnącego reżysera. Mając po swojej stronie ograniczenia i kinową pustkę, zawsze masz możliwość odkrywania filmów krótkometrażowych, a niektóre z najlepszych powstały po tych krótkometrażowych. W sieci są tysiące filmów krótkometrażowych, z których niekoniecznie wszystkie są dobrej jakości, a wyszukiwanie przy minimalnej ilości informacji na ich temat jest oczywiste ze względu na minimalną ekspozycję.

Teraz, będąc fanem horrorów, zawsze szukam krótkich filmów, które mnie denerwują i nie służą tylko do straszenia mnie, ale musisz się zgodzić, że przerażające skoki są ekscytujące tylko podczas ich trwania, ale nie mają niezapomnianego efektu. Horrory psychologiczne lub klimatyczne są zazwyczaj najlepsze z wielu i pomimo ich stosunkowo niskiego budżetu są trudne, ponieważ wymagają finezji poprzez technikę, podczas gdy technika może być wizualna, historia lub występy.

Mając to na uwadze, oto lista najlepszych krótkich filmów, które kiedykolwiek zadziwiają. Niektóre z tych najlepszych filmów krótkometrażowych możesz oglądać online na Youtube, Netflix, Hulu lub Amazon Prime.

25. Kod 8

„Code 8” został wyprodukowany w 2016 roku przez Stephena Amella (Arrow) i Robbiego Amella, w reżyserii Jeffa Chana, który również nakręcił „Operation Kingfish”, krótki prequel Call of Duty: Modern Warfare 2. Bracia Amell i Chan nakręcili ten film krótkometrażowy film jako zapowiedź pełnometrażowego filmu fabularnego, który zaplanowali i zamierzali wykorzystać ten film do finansowania społecznościowego ich projektu. Decyzja o przejściu na ścieżkę niezależną polegała na przejęciu pełnej kreatywnej kontroli nad swoim filmem, ponieważ wtrącanie się domów produkcyjnych do filmów gwałtownie rośnie. Powodem, dla którego go polubiłem, było to, że nie zawiera on w pełni swoich cyberpunkowych elementów, znajduje się gdzieś pomiędzy naszym światem a tym z „Blade Runnera”, podobnie jak „Escape from New York” Carpentera. Film ma również podobną koncepcję jak „X-Men” z mniejszością zmutowanych ludzi stojących w obliczu ciężaru wyłącznie uciskającego rządu.

24. Jiminy

Osoby zaznajomione z postacią Pinokia muszą zdawać sobie sprawę z Jiminy Cricketa i stąd film bierze swój tytuł. Teraz historia Pinokia ma dwie wersje, oryginalną, która jest ponura i niepokojąca, i tę autorstwa Disneya, stonowaną dla szerszej publiczności. „Jiminy” to futurystyczna wizja świata, w którym ludzie mają kontrolujące chipy przypominające krykieta, które zapewniają im alternatywę do perfekcyjnego wykonania każdego zadania. Żetony na powierzchni wydają się być bardzo pomocne i wspierające, jak wersja Disneya, ale w miarę kontynuacji pojmujemy zakres kontroli, jaką mają nad ludzkim sposobem myślenia, zmieniając ich w stan psychicznej pustki w swoim deficycie.

23. Darth Maul: Praktykant

Kiedy przeglądałem różne filmy krótkometrażowe, było to imię, którego generalnie nie wybrałbym przez milion lat. Fan nakręcił film „Gwiezdne Wojny XXI wieku”, można po nim oczekiwać tylko najmniejszego. Ale byłem zaskoczony jakością tego filmu i szczerze mówiąc, jest to jedna z najlepszych akcji „Gwiezdnych wojen”, jakie widziałem. Będąc fanem Gwiezdnych Wojen, gardziłem traktowaniem Dartha Maula jako odskoczni dla okropnego rozwoju Anakina Skywalkera. Tutaj widzimy, jak zręczny wojownik wyrasta na lorda Sithów, zabijając przy tym coś, co przypomina niejasną wersję Obi-Wana i jego uczniów. Sceny walki są bardzo dobrze opracowane i wykonane ze zwinnością, jakiej oczekuje się od ludzi, którzy poświęcili swoje życie sztuce.

22. Kung Fury

Nie wiem, co sprawiło, że poczułem się bardziej wypoczęty po obejrzeniu „Kung Fury”, hołd, jaki składa on rozrywce w stylu retro lat 80-tych z jej odjazdową, syntetyzowaną atmosferą, czy też fakt, że w końcu znalazłem źródło memów „Hackerman”. Krótki film Davida Sandberga o wyimaginowanej przyszłości i parodii podobnych filmów z epoki retro. Kung Fury, naszego bohatera uderza piorun, który zmienia go w niepokonanego wojownika sztuk walki, a to, co następuje, jest czymś, w co uwierzysz tylko wtedy, gdy to sprawdzisz. Film najlepiej odtwarzać w rozdzielczości 240p, więc możesz dać się pochłonąć nostalgii VHS, a jeśli to nie wystarczy, Knight Rider David Hasselhoff też robi epizod.

21. Frankenweenie

Niestety obejrzałem ten 30-minutowy klasyk Tima Burtona sprzed XXI wieku po tym, jak siedziałem przez 90 minut nad oszukaną wersją „Gnijącej Panny Młodej”. To był czas, kiedy Burton nie wypełniał każdego możliwego cala ekranu paletą inspirowaną epoką ekspresjonizmu. Ten krótki film spowodował, że reżyser został zwolniony, ponieważ Disney uznał go za nieodpowiedni dla docelowej młodej widowni. Działa jako współczesna interpretacja Frankensteina z psem wskrzeszonym przez jego złamanego serca młodego przyjaciela. Pies był najwierniejszym przyjacielem człowieka i można zapytać dorosłych, ile znaczyły dla nich ich zwierzaki z dzieciństwa i czy zrobiliby cokolwiek, by je uratować. Chociaż dorośli mogą pogodzić się ze śmiercią, ale dzieci nie mogą, a to daje bardzo solidną podstawę do celów filmu.

20. Nostalgista

„The Nostalgist” może rzeczywiście zasiać nostalgią fanów powieści „A.I. Sztuczna inteligencja'. Akcja filmu rozgrywa się w dystopijnym świecie, w którym ludzie mogą używać zmodyfikowanych wizjerów przedstawiających wirtualną rzeczywistość. Film przedstawia więź między ojcem i synem i skłonił mnie do zastanowienia się, jak bardzo subiektywne jest określenie „ojciec-syn”. W rzeczywistości jeden może kochać drugiego i troszczyć się o niego jak ojciec, a drugi może odwzajemniać szacunek, jaki łączy się z synami. Chociaż trwa 17 minut, podobnie jak najnowsze filmy science fiction, ten lekceważy to, co uważa się za „warunki wstępne” związku.

19. Jestem tutaj

Czytałem „The Giving Tree” Sela Silversteina, gdy byłem dzieckiem i chociaż napotykam różne jego wersje, żadna z nich nie jest tak wysoka jak krótkometrażowy film Spike'a Jonze. „Jestem tutaj” przedstawia Andrew Garfielda jako robota w świecie, w którym traktowani są jak podrzędni, nie są „niewłaściwie wykorzystywani”, ale traktowani z góry jak dziwolągi. Garfield’s Sheldon jest introwertykiem prowadzącym monotonne życie, przypominającym Teodora z „Jej”, który był na tym wzorowany. Sheldon zakochuje się w lekkomyślnym robocie Francesce, który jest jego biegunowym przeciwieństwem, a film opowiada o jego bezwarunkowej miłości do niej. W przeciwieństwie do tej historii, Francesca nie jest samolubna, popełnia niewinne błędy, które dużo kosztują parę.

18. Labirynt elektroniczny: THX 1138 4EB

Chociaż George Lucas jest znany z zapoczątkowania serii Gwiezdnych Wojen, jego debiutancki film „THX 1138” pozostaje jego najlepszym dziełem i jednym z najlepszych filmów science fiction wszechczasów. Oprócz tego, że był mrożącym krew w żyłach portretem orwellowskiego świata, film pomógł zapoczątkować kategorię filmów, które łączyły science-fiction z satyrą społeczną. Podstawą filmu jest „Elektroniczny labirynt”, a Lucas zrobił go na potrzeby swojego uniwersyteckiego projektu filmowego. Choć może brakować jakości ze względu na skromny budżet, Lucas uzyskał dostęp do ograniczonych kwater marynarki wojennej i dlatego wydaje się, że jest to projekcja odległego świata.

17. Podróż na Księżyc

Minęło 115 lat, odkąd odbyła się podróż na Księżyc, poświęć chwilę i pozwól temu zapaść. George Melies przedstawił podróż kosmiczną w 1902 roku, dekady przed zbudowaniem pierwszej rakiety zdolnej do pokonywania dużych odległości, a ponad pół sto lat przed tym, jak ktoś wymyślił projekt, który mógłby wysłać człowieka w kosmos. Jakby tego było mało, na ekranie przedstawił nawet Marsjan przypominających kosmitów. Melies był prawdziwym wizjonerem, a jego prace wskazują na wczesny surrealizm i realizm magiczny, a jego zauroczenie geometrią jest niemal hipnotyzujące. Jest dostępny w YouTube zarówno w wersji czarno-białej, jak i kolorowej. Radzę tę pierwszą, ponieważ ta druga wydaje się pozbawiona autentyczności z powodu nieustannego procesu renowacji.

16. Jetee

Postawiłem hipotezę, przypuśćmy, że Chris Marker zobaczył La Jetee w lokalnym teatrze pewnego dnia jako dziecko, a lata później, gdyby został odesłany w czasie i zdałby sobie sprawę, że to on jest twórcą, czy zmieniłby sposób, w jaki film był zrobiony? Słyszałem, że nie było go stać na kamerę wideo, dlatego zdecydował się skompilować zdjęcia, które moim zdaniem bardzo dobrze synchronizują się z gwałtownością upływu czasu z perspektywy bohatera. Co ciekawe, według własnej twórczości nie mógł, bo bez względu na to, jak niejasne i metafizyczne są podróże w czasie w filmie, po prostu nie ma ucieczki od teraźniejszości. Wasz plan egzystencji jest ograniczony do teraźniejszości, co jest prawdopodobnie jedyną rzeczą, która ma znaczenie, ponieważ jest jedyną rzeczą, która może na was wpłynąć. La Jetee jest eksperymentalna, w filmie nie ma prawie nic realistycznego; przesłanka, proces, miłość, wszystko jest tylko ćwiczeniem w oszustwie.

15. Alexia

Zaczyna się od „Alexia”, argentyńskiego filmu krótkometrażowego z dominującą fabułą w mediach społecznościowych i cyber-horror. Zawiera nadprzyrodzoną relację z wydarzeń, której brakuje prawdziwości, ale nadrabia swoje wady z wielką dbałością o szczegóły. Alexia była dziewczyną, która popełniła samobójstwo po tym, jak jej chłopak (główny bohater) zerwał z nią i widzimy, jak przegląda jej profil, znak winy i uczucia, które prawdopodobnie tkwią w środku. Po rozmowie online ze swoją obecną dziewczyną decyduje się zaprzyjaźnić się z Alexią, co powoduje, że jego komputer się psuje i otrzymuje wiadomości od zmarłej Alexii, w tym zdjęcie wyrwane z „Ringu”.

Praca kamery i montaż są fenomenalne, z zbliżeniami ukazującymi całkowite zmieszanie w oczach głównego bohatera, jego rosnący niepokój poprzez palce i opóźniony ruch kursora. Kąty kamery i przełączanie są nieco przesadzone, ale wymagają odpowiedniej uwagi i udaje im się stworzyć zakłopotany nastrój. Technicznie rzecz biorąc, film jest bardzo dźwiękowy, z efektami wizualnymi, pomimo swojego budżetu, który nie oszukuje intelektu widzów, duch i ujęcie tęczówki to niezłe osiągnięcia. Alexia okazuje się być kimś więcej niż tylko wirusem, który psuje komputer, a perspektywa na końcu jest przerażająca i sprawia, że ​​zastanawiasz się nad losem lidera. Scenariusz nie jest niczym wielkim i opiera się na przerażających skokach, ale prawdziwy wpływ filmu ma miejsce tylko wtedy, gdy opowiesz go na bardziej zwykłym poziomie, myśląc o nim bez skłaniania się ku aspektowi nadprzyrodzonemu.

14. Uśmiechnięty mężczyzna

„The Smiling Man” stawia dziecko przeciwko diabłu, a dzieciak nie posiada supermocy ani zdolności charakterystycznych dla filmu z Hollywood. Nie. Dzieciak jest stworzony do konfrontacji z czystym złem i narodzinami terroru, ponieważ słowo „strach” ogranicza się do duchów i czarownic w dzieciństwie, a wszystko to dzieje się pośród śmierci. Nie mam zamiaru omawiać fabuły, ponieważ nie ma możliwości skupienia się na ważnych punktach fabuły w jej 7 minutowym czasie działania, ponieważ całkowicie zepsułoby to doświadczenie.

Intruzja to rutynowy temat w horrorach, a to, co wyróżnia niektóre z nich, to sposób ich kręcenia. Od samego początku masz wrażenie obecności siły nadprzyrodzonej, ale to, co odkrywasz, jest jej fizycznym ucieleśnieniem, a nie gazową istotą lub niewidzialną obecnością. Wykorzystuje każdą sztuczkę z Księgi dla klaunów, aby zwabić dziecko na najbardziej niefortunne wydarzenie, a to leczenie może nie przerażać cię, ale przeszkadza, a horror działa tylko wtedy, gdy pozostaje w twojej głowie po zakończeniu to. Ten film nie jest przeznaczony dla osób, które są niespokojne w towarzystwie klaunów.

13. Zdjął dla mnie skórę

Szkoda byłoby umieszczać go tylko pod okiem horroru. To jest ta część listy, w której odłożymy na bok wysłużony konwencjonalny horror i skupimy się na horrorze wywołanym przez materię i jego realistycznych cechach. 12-minutowy film krótkometrażowy zachowuje swój tytuł i koncentruje się na mężczyźnie, który zdejmuje skórę, aby udowodnić swoją miłość do swojej dziewczyny. Wzmocniony fantastycznym makijażem i zerowym użyciem CGI, pozbawiony skóry bohater to widok, który warto zobaczyć (pod względem techniki dla publiczności i emocjonalnie dla swojej dziewczyny, która nie może wyrazić swojej reakcji na jego przytłaczające piękno). Facet bez skóry dostaje się pod twoją skórę (gra słów przeznaczona), ale jest to powoli wyczerpywane przez akceptację pary w sytuacji, która sprawdza się naprawdę dobrze jako czarna komedia. W dalszej części filmu rośnie napięcie i moda zaczyna się wyczerpać, pozostawiając wszędzie ślady, ślady, których nie chcą czuć, ponieważ nie czują się już z tym dobrze.

Film jest piękny z nieskazitelnym pisaniem, aktorstwem i zdjęciami (zbliżenie smażonego mięsa i długie ujęcia odcisków w całym domu są bardzo sprytne) i można go zinterpretować jako metaforę przejrzystości. Zdejmując skórę, przywódca obnaża wszystko i pozostaje uczciwy wobec ich związku, otwierając się, mimo że jego partner nie odwzajemnia. Na początku zbliżają się bardziej do prawdy, która podnosi ich więź, ale w miarę upływu czasu zauważamy w nim samozadowolenie, ponieważ jego partner tylko pomaga rozwiązać jego sprawy, ale nigdy nie podąża za nim, do punktu, w którym istnieje między nimi oczywiste napięcie, które powoduje szokująca ostatnia scena.

12. Canis

Canis to krótkometrażowy horror poklatkowy, który kręci się wokół chłopca uwięzionego w domu otoczonym przez psy, które byłyby idealnymi zwierzętami domowymi dla ghuli z „Night of the Living Dead”. Jest ponury, rozdzierający serce i jest wielkim NIE dla ludzi, którzy nie mogą znieść przemocy z powodu nie do pomyślenia eksploracji krwi, ale nie powinno to pozwolić ci odciągnąć cię od arcydzieła, jakim jest. Ustawienie wydaje się postapokaliptyczne ze względu na punkty fabularne, takie jak konserwacja żywności, ruiny cywilizacji, narodziny człowieka, szalejące zwierzęta i wyblakły monochromatyczny.

Postacie zostały wykonane z drutu, tkaniny i drewna i ożywione (bardzo surowe stwierdzenie) za pomocą technik poklatkowych autorstwa Anny Solanas i Marca Riba. Mimo nihilistycznego tonu ma zakończenie, które słusznie klasyfikuje to jako baśń, z częścią „wróżkową” tak samo dominującą jak szczypta krwi w oceanie. Historia o dojrzewaniu, która otrzymałaby „R!” Ocena dotycząca gwałtu, dysforii gatunkowej, zabójstwa ukochanej osoby, ludojadów i odciętych części ciała, to bynajmniej nie film dla dzieci. Technicznie może to być lepsze tylko przez wybór nr 1 na tej liście z nienagannymi szczegółami dotyczącymi produkcji i projektowania dźwięku, każda blizna jest rozcięta z idealną ilością szaleństwa, a jedno spojrzenie może przekazać historię, która za nią stoi.

Przechodząc do fabuły, Teo przeżywa ze swoim psem i starym mężczyzną (który mógłby być jego dziadkiem) i trudno mu pogodzić się z powagą sytuacji, w której się znaleźli. Wszystko się zmienia, gdy błąd prowadzi do jego strażnika z paszczy dzikich psów, a on musi podjąć kroki, aby chronić siebie i swojego psa, zabijając intruzów. Zostaje zgwałcony przez kobietę, która przebiera się za psa, aby przeżyć i musi uciekać się do jedzenia psiego mięsa, podczas gdy widzimy, jak jego pies staje się coraz bardziej niespokojny i dziki z powodu przeciwności losu, a jedyną rzeczą oddzielającą go od innych ludziożerców jest zwykły wygląd. Historia rozwija się w nawet groteskową i niepokojącą fazę, która ostatecznie wskazuje na zakończenie przemiany Teo w człowieka, gotowego na podbój świata.

11. FUCKKKYOUU

„FUCKKYOUU” to niepokojący surrealistyczny film, będący świadectwem wpływu horroru Lynchów. Nakręcony w ziarnistej czerni z rozmytymi wizjami i partyturą wykonaną przez Flying Lotus grającego symfonie „Eraserhead”, jest to film, z którego Lynch byłby dumny. Film rozpoczyna się orientacją przypominającą horrory z lat 30. i 40. oraz zniekształconą istotą przypominającą „Człowieka-słonia”. Trudno mi było skonstruować teorię wyjaśniającą zdarzenia, a moje komórki mózgowe zostały całkowicie przyciągnięte przez element zaskoczenia i musiałem odwołać się do źródeł pozornych. Film w zasadzie kręci się wokół humanoidalnej istoty, która zmaga się ze swoją tożsamością i płcią w obliczu odrzucenia, które odbywa się poprzez zmieniające się okresy, a przeszłość jest zanikiem rzeczywistości po tym, jak została obrócona przez zastrzyk, który nam pokazano na początku.

Film jest wypełniony wrzeszczącym bólem i wyjącą rozpaczą, a bezduszna muzyka naprawdę jest w stanie przeszkodzić każdemu rozsądnemu człowiekowi. Tytuł filmu to wewnętrzny żart, który pojawił się podczas sesji, w której Flying Lotus zagłuszał losowo melodie, a jedna z nich brzmiała jak „F * ck you”. Można to również zinterpretować jako ostatni krzyk zmutowanej istoty, trafną odpowiedź na te rośliny, które przez niego przedzierają się. Ponieważ brakuje mi słów, mogę tylko poprosić Cię o sprawdzenie tego osobiście, ponieważ to doświadczenie jest przykuwające uwagę i chociaż możesz nic z tego nie zrobić, rozwali ci mózg. Masz moje słowo!

10. Cięcie momentów

Umieściłbym `` Cutting Moments '' nieco wyżej na liście ze względu na bardzo niepokojącą grafikę i tematykę, ale `` The Big Shave '' będący główną inspiracją do tego miał większy wpływ w czasie, gdy tylko Peckinpah odważył się użyć kolor czerwony bardziej niż to, co uważano za normalne. Cutting Moments kręci się wokół amerykańskiej rodziny, która z zewnątrz wygląda normalnie; mężczyzna, jego żona i ich syn, ale cierpi na problemy, które nękają znaczną liczbę rodzin w zachodnim społeczeństwie, co powoduje, że nagłówki gazet wywołują drżenie.

Sarah i Patrick żyją z tłumionymi emocjami i wolą izolację, a Patrick całkowicie zaprzecza istnieniu Sarah. Chłód między nimi jest zarówno na poziomie fizycznym, jak i emocjonalnym, a Patrick wypacza swoje seksualne pragnienia wobec syna podczas wydarzenia, które jest niejasno przedstawione. Sarah próbuje ubierać się w erotyczny sposób, aby zadowolić Patricka, ale gdy ta próba się nie powiedzie, jej stabilność psychiczna również się nie powiedzie. W całkowicie załamanym stanie w ostateczności dopuszcza się poważnych samookaleczeń, po których następują wydarzenia, które są po prostu nie do pomyślenia i które w pewnym stopniu wpłynęłyby na „Antrychistę” Larsa von Triera.

9. Wielkie golenie

Pierwszy film krótkometrażowy Martina Scorsese jest idealnym wstępem do jego kariery. Zaskoczony jego charakterystycznym katolickim ekstremistycznym podtekstem grzechu, fizycznego umartwienia i wewnętrznej walki między wiarą a rzeczywistością, na które nakładały się motywy przemocy, usilności i napięcia. Akcja całego filmu rozgrywa się w łazience, a „The Big Shave”, trwającego 5 minut, przedstawia mężczyznę, który dwukrotnie pieni twarz, raz z zamiarem pozbycia się zarostu, a następnym razem z zamiarem pozbycia się zarostu. samego siebie. Jest eksperymentalny i jest zbyt wiele zbliżeń, których Scorsese zwykle używałby, ale robi to dobrze, balansując między bezpośrednią (lustro) i pośrednią (ostrze do golenia) przedstawieniem aktu, nadając mu tożsamość inną niż krzykliwy film o hipisach .

Teraz omówię fabułę, ponieważ działa ona jako metafora ukryta w alternatywnym tytule „Viet 67”, pokazanym w napisach końcowych. Viet 67 jest odniesieniem do wojny w Wietnamie, bardzo krytykowanej kwestii w czasie, gdy kręcono ją, z wyraźnym obrazem wojny i ujawnienia kraju prezydenta Johnsona. Samookaleczenie odzwierciedla autodestrukcyjne zaangażowanie Stanów Zjednoczonych w wojnę, w wyniku której zginęło milion Amerykanów, mężczyzn, którzy byli normalnymi ludźmi, takimi jak publiczność i mieli minimalną wiedzę o wydarzeniach, z którymi musieli się zmierzyć.

8. Melodramat sakramentalny

Absolutnie obrzydliwy i ohydny kawałek kina. Melodrama Sacramental to 17-minutowe nagranie sztuki Alejandro Jodorowsky'ego pod tym samym tytułem z jego grupą teatralną The Panic Movement. Grupę można uznać za kult, a ich motywem było osiągnięcie tego, co Bunuel i Dali zrobili w latach 20., szokując publiczność i ożywiając surrealizm, który stał się drobnomieszczaństwem. Głównie w roli głównej Jodorowsky przebrał się za motocyklistę i przedstawiał go, jak poderżnął gardła dwóm gęsi, przykleił sobie dwa węże do piersi i rozebrał się i biczował. Inne sceny obejmowały nagie kobiety pokryte miodem, ukrzyżowanego kurczaka, inscenizację morderstwa rabina, gigantyczną pochwę, rzucanie żywymi żółwiami w publiczność i morele w puszkach.

W przebraniu oryginalności ten film krótkometrażowy zawiera okrucieństwo wobec zwierząt i seksualną abstrakcję, ale w przeciwieństwie do dzieł Bunuela okazuje się tak surowy, że ani nie szokuje, ani nie nadaje sztuce surrealistycznego patosu. Działa jak „Ludzka stonoga” lub „Serbski film”, używając bezcelowego fizycznego horroru, aby nic nie osiągnąć. To bardzo rozczarowujący dowód na niezwykle wspaniałą wizję Jodorowsky'ego, która została przekazana za pośrednictwem „El Topo” i „Świętej Góry”. Nie podoba mi się to, cytuję Ricka Blaine'a „Gdybym pomyślał o tym, prawdopodobnie bym to zrobił”.

7. Sześciu mężczyzn zachorowało, sześć razy

David Lynch Pierwszym filmem, nakręconym z budżetem 200 dolarów, był film krótkometrażowy poklatkowy, który przyniósł mu nagrodę Memorial Award na konkursie malarstwa eksperymentalnego i rzeźby w jego szkole filmowej. Film składa się z animowanego obrazu, przedstawiającego sześć dysmorficznych postaci regurgitujących w sekwencji z dźwiękiem syreny w tle. Krytycy opisali to jako pomocny paradygmat dla poczucia narracji Lyncha, a wielu wskazuje na podobieństwa, które dzieli z „Gumką”.

Właściwa fabuła (dla wygody) toczy się przez minutę ze stanem postaci ulegających przemianom, widoczne stają się ich organy wewnętrzne, a żołądki wypełniają się jaskrawo zabarwioną substancją, która dociera do ich głów, powodując wymioty. i jest to odtwarzane 4 razy, aby uwzględnić 4-minutowy czas działania. Zwróć uwagę na nienormalny wygląd, zamiar zniesmaczenia (wymiotów), użycie fizycznego horroru (przedstawienie narządów wewnętrznych), dynamiczny dźwięk, który był obecny w jego wcześniejszych filmach, a zabawne jest to, że niektórzy widzowie mogą czuć się chorzy lub zdezorientowani po obejrzeniu to i ludzie, którzy są z tym w porządku, tak czy inaczej żartujesz z ciebie, a ty reprezentujesz sześciu chorych ludzi.

6. Miłość istnieje

Choć sam w sobie jest mistrzem kina, Maurice Pialat wymknął się szerokiej renomie, tak samo jak wymknął się wcześniej istniejącym zasadom kina. Jednak osoby zaznajomione z jego twórczością docenią jego zdecydowany wpływ na niezliczone współczesne filmy. Trudno przypisać Pialatowi jakąkolwiek konkretną kategorię, ponieważ jego filmy były zakorzenione w realizmie tak pozbawionym sentymentów i emocjonalnie gęstym, że wydawał się formalistyczny. Jednym z jego najwcześniejszych dzieł jest 20-minutowy film dokumentalny L'Amour Existe, będący jego komentarzem do rozrostu miast w powojennej Francji i leżącego u podstaw konfliktu klasowego. Konstruuje narrację strzał po ujęciu o obskurnej rzeczywistości paryskiego rozwoju, z przedmieściami rozpadającymi się w zaniedbaniu, z lektorem Jean-Loup Reynold. Pialat z wyrafinowaną cierpliwością podkreśla, jak ponure życie na przedmieściach było w erze powojennej, gdy reklama opanowała rzeczywistość, a ludzie zaczęli żyć materialistycznie i nudno.

L'amour Existe zwraca również uwagę na to, że paryska klasa średnia i wyższa cieszy się lepszą edukacją nie tylko pod względem akademickim, ale także kulturowym, podczas gdy dzieci z przedmieść nie mają dostępu do teatrów i sal koncertowych. Pialat opisuje nowe budynki mieszkalne, które szybko powstały, jako „obozy koncentracyjne” z małymi, poziomymi oknami, z których nie ma na co patrzeć. Ten film krótkometrażowy zdobył nagrody na Festiwalu Filmowym w Wenecji i Prix Lumieres. Następnie Maurice Pialat nakręcił wiele wspaniałych filmów, takich jak A Nos Amours i Sous le Soleil de Satan, które zdobyły Złotą Palmę w Cannes.

5. Papierosy i kawa

Chociaż papierosy i kawa były tylko P.T. Anderson Drugi raz za kamerą w żaden sposób nie przypomina pracy amatora. Film rozgrywa się prawie w całości w jadalni, w której proceduralnie poznajemy pięć postaci, ich historie i łączący je banknot 20 dolarów. Jest spięty i roztrzęsiony mężczyzna, który opowiada swoją historię, szukając pomocy u bardziej opanowanego starego przyjaciela, który bardzo zwraca uwagę na czekanie, aż kawa zostanie nalana i zapalą się papierosy, inaczej rozmowa nie będzie miała żadnego znaczenia. W drugiej budce jest para podczas miesiąca miodowego, która straciła wszystkie pieniądze po tym, jak żona straciła wszystko na hazard. Chwilę później do restauracji wchodzi podejrzany mężczyzna pozornie niezwiązany z innymi. Jednak gdy rachunek za 20 dolarów przechodzi od jednej postaci do drugiej, dowiadujemy się, że mogą być one ze sobą połączone.

Ten 23-minutowy film krótkometrażowy ma dość historii na jeden film przed nim i kolejny po nim. Dialogi, kadrowanie i zdjęcia w filmie pokazują, że robi go ktoś, kto dokładnie wie, czego chce. Najbardziej charakterystyczną cechą tego filmu jest wykorzystanie ujęć ze śledzenia w przerwach między scenami. Aktorstwo w tym filmie jest również szczególnie dobre. Anderson później przerobił ten film krótkometrażowy na pełnometrażowy film „Hard Eight” - jego kolejne przedsięwzięcie.

4. Six Shooter

Martin McDonagh, który wyreżyserował In Bruges and Seven Psychopaths, zaczął od nakręcenia 27-minutowej czarnej komedii, której akcja toczy się w Irlandii, zatytułowanej Six Shooter - która zdobyła Oscara i jest jednym z najbardziej znanych filmów krótkometrażowych. czas. To prawie zaskakujące, jak film tak mocno obciążony śmiercią i osobistą stratą jest tak zabawny i wyrazisty jednocześnie. Film krótkometrażowy jest niezwykle dobrze zrobiony i inteligentny, dzięki czemu humor różni się od amerykańskich i brytyjskich marek czarnej komedii. Podąża za starzejącym się mężczyzną, Donnelly, który właśnie stracił żonę i jadąc pociągiem ze szpitala, siedzi z hałaśliwym nastolatkiem, którego matka właśnie zmarła. Obok nich siedzi ponura para, która właśnie straciła nowo narodzone dziecko.

Jednak ta pozornie ponura sceneria wkrótce przybiera mroczniejszy obrót, a rzeczy stają się jednocześnie brudniejsze i zabawniejsze, z objawieniami morderstw, samobójstw, walk z bronią w policji, eksplodujących krów i śmierci zwierząt domowych. Każdy, kto zna inne filmy McDonagh, nie będzie potrzebował dalszych powodów, aby obejrzeć to arcydzieło. Jednak ten film jest również niezbędny dla każdego, kto lubi inteligentną czarną komedię, co oznacza po prostu wszystkich.

3. Kokietka

Prawdopodobnie najbardziej płodny ze wszystkich reżyserów nowej fali, Jean-Luc Godard, tworzy filmy od lat pięćdziesiątych z taką samą pomysłowością jak zawsze. Do tej pory wyreżyserował ponad sto filmów, w tym Pogarda, Bez tchu i Banda outsiderów. Godard rozpoczął jednak swoją przygodę jako reżyser mniej znanym filmem krótkometrażowym Une Femme Coquette w 1955 roku. Na podstawie opowiadania Maupassant, 9-minutowy czarno-biały film krótkometrażowy podąża za zamężną kobietą, która nagle kusi ją, by flirtować z nieznajomy po tym, jak zobaczył prostytutkę wdzięcznie przyciągającą stojących mężczyzn z okna nad ulicą. Jest pod ogromnym wrażeniem wdzięcznego sposobu, w jaki kobieta przyciąga nieznajomych - swobodnym, ale zachęcającym uśmiechem, który równie dobrze mógłby oznaczać „Jaki piękny dzień!”.

Widząc to, impulsywnie postanawia zalotnie uśmiechnąć się do następnego mężczyzny, którego widzi. Une Femme Coquette przypomina inne wczesne dzieła Godarda - z optymistyczną ścieżką dźwiękową, napędzaną wyraźnymi dialogami, ujęciami szerokokątnymi i nieco szybszą edycją. Film był uważany za zaginiony przez długi czas, aż do niedawna, kiedy pojawił się na YouTube. W krótkim filmie pojawia się również epizod 24-letniego Godarda, co powinno być wystarczającym powodem, aby kinomani mogli to sprawdzić. (Obejrzyj to tutaj )

2. Tramwaj

Krzysztof Kieslowski nakręcił Tramwaj, jeden z najlepszych filmów krótkometrażowych, jeszcze będąc studentem szkoły filmowej. W tym 5-minutowym filmie podążamy za młodym mężczyzną w zimową noc, gdy wsiada do tramwaju, w którym zauważa siedzącą samotnie piękną młodą dziewczynę. Ich oczy się spotykają, dziewczyna początkowo wydaje się niespokojna, ale powoli ogrzewa się do jego obecności, gdy zamyka drzwi tramwaju, widząc, jak powietrze ją chłodzi, a potem zaczyna dziecinnie żuć kostkę cukru. Ale zanim cokolwiek mogło się zdarzyć, tramwaj dociera do przystanku mężczyzny i wysiada z niego. Od razu żałuje, że przegapił tak dogodny moment i ogarnia go chęć zbliżenia się do dziewczyny, więc biegnie za tramwajem z nadzieją, że ją złapie. Na samym początku widzieliśmy mężczyznę stojącego samotnie w klubie, w którym wszyscy tańczą, i wygląda na to, że nie dobrze się bawi. Prawdopodobnie nie ma szczęścia do kobiet, dlatego musiał odczuwać silny lament i stąd jego impulsywny bieg.

Niemal każdy z użytkowników przynajmniej raz czuł podobne ciepło, widząc przypadkowego nieznajomego, kogoś innego niż pozostali, kogoś tak pociągającego, że chcemy go poznać. Ta sama sytuacja została również wyrażona przez Bernsteina w Obywatel Kane, kiedy opowiada, jak wciąż pamięta dziewczynę, którą widział przez sekundę, gdy był młody, ubrany w białą sukienkę na promie. Poza fabułą, to, co czyni ten film interesującym, to mistrzowska zręczność Kieślowskiego za kamerą i wielki talent do opowiadania historii. Kieślowski stał się od tego czasu jednym z największych nazwisk w kinie artystycznym i stworzył wspaniałe dzieła, takie jak The Dekalog i trylogia Trois Couleurs.

1. Pies andaluzyjski

Pies andaluzyjski to rasa wywodząca się z Hiszpanii, miejsca narodzin Luisa Bunuela i Salvadora Dali, dwóch twórców tego monumentalnego filmu krótkometrażowego. Na Półwyspie Iberyjskim znajdują się malowidła naskalne przedstawiające psy bardzo podobne do tej rasy i, szczerze mówiąc, element mglistej rzeczywistości z malowideł jaskiniowych jest jedyną rzeczą, którą film zapożycza z istnienia andaluzyjskiego psa. Chociaż ruch surrealistyczny rozpoczął się już w latach dwudziestych XX wieku, nie udało mu się przyciągnąć uwagi całego świata, a Bunuel-Dali osiągnął to, szokując publiczność wizualizacjami, które symbolizowały jedynie stłumienie kreatywności.

Od początkowego zbliżenia, w którym występuje sam Bunuel, przecinając oko kobiety z rozlanym szklistym humorem poruszającym mózg, aż po ostatnie zdjęcie martwej pary zakopanej w piasku na plaży, film nigdy nie traci intensywności ani raz, i chociaż jeden mogliby dyskutować o absurdalnym schemacie scen pomagających w tej sprawie, ważne jest, aby zwrócić uwagę na to, jak są ułożone w sposób, który zapewnia im sprzyjającą ciągłość. Techniki i obrazy horroru ciała w większości scen zostały zbadane i zastosowane w niezliczonych innych filmach opartych na snach lub motywach horroru. Najbardziej godne uwagi przykłady to „Oldboy”, „Spellbound”, „Quills” i „The Blood of a Poet”. Chociaż niezliczona liczba krytyków przyjęła różne teorie, aby wyjaśnić wydarzenia z filmu, są one ograniczone do słowa „teoria”, a Bunuel wyśmiewa się z każdego wiarygodnego wyjaśnienia.