10 najlepszych filmów bez fabuły i fabuły

„Są historie, które nie wymagają fabuły. Wcześniej czy później wznoszą się ponad zamęt i rozwiązują swoje tajemnice w ciągu słów. ” - Patrice Nganang. Kiedy słyszysz, jak ktoś mówi „Człowieku, ten film nie miał żadnej fabuły!”, Przyjmuje się, że film jest do niczego. I ogólnie jest to również prawdą. Jednak nie zawsze.

„Fabuła” to termin literacki, który określa kolejność wydarzeń w opowieści (opowiedzianej za pośrednictwem dowolnego medium) poprzez wzajemnie powiązaną sekwencję. Opracowanie fabuły to jeden z pierwszych kroków do zrobienia filmu, ale też bardzo ważny. Wielu wizjonerskich reżyserów sprawiło, że proste historie stały się niezwykłe, po prostu poprawiając fabułę ( Nolan S 'Memento' lub Gaspara Noaha 'Nieodwracalny' są dobrymi przykładami). Ale są też tacy filmowcy, którzy wyrzucają z okna konwencjonalną perspektywę „kręcenia filmów ze spójną fabułą” i wciąż potrafią oczarować kinomanów, może to za pomocą surrealistycznych wizualizacji, kontemplacyjnych dialogów, charyzmatycznych postaci lub wszystkiego tego. Oto lista najlepszych filmów bez fabuły lub fabuły.

10. Kawa i papierosy (2003)

„Coffee and CIgarettes” to antologia filmu składająca się z 11 segmentów połączonych, jak się domyślacie, kawą i papierosami. Tematem filmu jest pogrążenie się w obsesjach, radościach i nałogach życia. Krótkie czarno-białe winiety budują na sobie nawzajem, tworząc efekt kumulacyjny, podczas gdy bohaterowie omawiają takie rzeczy, jak lody na patyku z kofeiną, Paryż w latach dwudziestych XX wieku i stosowanie nikotyny jako środka owadobójczego - wszystko siedząc przy kawie i paląc papierosy.

Więcej niż tytułowe przyjemności, istnieją niezliczone wspólne wątki między winietami, takie jak cewka Tesli, wiedza medyczna, sugestia, że ​​kawa i papierosy nie stanowią zdrowego posiłku (zwykle lunch), kuzyni, delirium, nieporozumienia, muzycy, podobieństwa między muzykalnością a umiejętnościami medycznymi, muzyką industrialną, uznaną sławą i ideą picia kawy przed snem, aby mieć szybkie sny. W każdym z odcinków filmu można dostrzec wspólny motyw naprzemiennych czarnych i białych kafelków, podkreślający temat kontrastów międzyludzkich, gdyż w każdej winiecie pojawiają się dwie osoby, które zupełnie się ze sobą nie zgadzają, ale potrafią siedzieć w zgodzie ze sobą. stół. Wyjątkowy wysiłek na wiele sposobów.

9. Lina (1948)

To przedsięwzięcie Alfred Hitchcock często zostaje przyćmiony przez późniejsze niezrównane, porywające arcydzieła stworzone przez wizjonerskiego autora. I to haniebnie, ponieważ chociaż osoby takie jak „Vertigo” czy „Psycho” dają nieograniczone emocje, 'Lina' oddaje namacalne napięcie, pokazując w czasie rzeczywistym maniery dwóch sprawców morderstwa podczas wieczornej kolacji.

W „Rope” dwaj genialni młodzi estetycy, Brandon i Phillip, uduszają w swoim mieszkaniu swojego byłego kolegę z klasy, Davida, w ramach ćwiczeń intelektualnych; chcąc udowodnić swoją wyższość popełniając „doskonałe morderstwo”. Następnie urządzają małą kolację. Wśród zaproszonych jest ojciec Davida, narzeczona i ich profesor, którzy kiedyś omawiali z nimi intelektualne koncepcje Übermensch Nietzschego i sztukę morderstwa De Quincey'ego. Ich początkowy zadowolenie z siebie szybko prowadzi do histerii i to właśnie w tym miejscu Hitchcock uwalnia swój zawiły techniczny błyskotliwość, która jest główną atrakcją filmu.

Film składa się z kilku długich ujęć i ma rzadkie cięcia, ponieważ kamera nieustannie przesuwa się i śledzi obiekty, maskując cięcia, aby stworzyć iluzję ciągłych ujęć. W pewnym momencie kamera przez półtorej minuty skupia się na martwym obiekcie, przy którym tylko jedna widoczna postać porusza się w tę iz powrotem, zanurzając ją w napięciu, pozostawiając nawet najbardziej spokojnych i skupionych widzów na krawędzi swojego siedzenia, obgryzając paznokcie. Wykonanie przez Johna Dalla snobistycznego Brandona i Jimmy'ego Stewarta jest godnym bonusem. Pozycja obowiązkowa dla każdego kina.

8. Slacker (1991)

Debiut „Ambasadora kina poza fabułą” Richarda Linklatera „Slacker” opowiada o jednym dniu z życia zespołu artystycznej bohemy i odmieńców w wieku poniżej 30 lat w Austin w Teksasie. Film śledzi różne postacie i sceny, nigdy nie pozostaje z jedną postacią lub rozmową przez więcej niż kilka minut, zanim złapie kogoś innego na scenie i podąży za nią. Wśród bohaterów jest Linklater jako gadatliwy pasażer taksówki, miłośnik UFO, który twierdzi, że Stany Zjednoczone są na Księżycu od lat pięćdziesiątych XX wieku, teoretyk spisku JFK, starszy anarchista, który zaprzyjaźnia się z mężczyzną próbującym obrabować jego dom, kolekcjonerem seriali telewizyjnych, i hipsterską kobietę próbującą sprzedać wymaz z papryki Madonny.

Większość bohaterów boryka się z poczuciem wykluczenia społecznego lub marginalizacji politycznej, które powracają w ich rozmowach. Dyskutują o klasie społecznej, terroryzm , bezrobocie i rządowa kontrola nad mediami, zapewniając możliwie najdokładniejszy wgląd w życie. Będąc pierwszym na świecie smakiem roztrzepanego geniusza Linklatera (który występuje tu jeszcze dwa razy), „Slacker” jest oryginalny, zabawny, nieoczekiwany i nieustannie wciągający.

7. Zagubiony w tłumaczeniu (2003)

Sofii Coppoli 'Utracony sens po tłumaczeniu' prawie można nazwać historią miłosną. Refleksja na temat tego, w jaki sposób wyalienowane środowiska mogą łączyć nieprawdopodobnych ludzi i tworzyć nieoczekiwane, intensywne relacje, przywołuje też słodką agonię niewyartykułowanych uczuć z spostrzegawczością i dojrzałością. Jednocześnie jest to humorystycznie spostrzegawcze i chłodno rozbawione spojrzenie na współczesną Japonię (choć czasem graniczącą ze stereotypem) i to, jak radzi sobie z nią cudzoziemiec.

Bob Harris ( Bill Murray ), jako starzejący się aktor w nieszczęśliwym małżeństwie i Charlotte ( Scarlett Johansson ) jako 25-letnia absolwentka filozofii, która czuje, że jej życiu brakuje kierunku, są dwoma głównymi elementami tej układanki, gdy krzyżują się raz po raz w obcym mieście Tokio, ostatecznie łącząc się z powodu swojego zdumienia. I stąd ta nieprawdopodobna para rozwija dziwną, prawie nie do opisania więź, która jest eksplorowana przez większość filmu. Murray i Johansson zręcznie odgrywają swoje role z subtelnością i powściągliwością, dzięki czemu ten film z konwersacyjnego nastroju stał się pobłażliwym doświadczeniem o solidnym zakresie emocjonalnym.

6. Prosta historia (1999)

W 1999, David Lynch zrobił sobie przerwę od kręcenia swoich surrealistycznych filmów, by stworzyć ten biograficzny dramat, który zasadniczo podąża za starym Alvinem Straightem, który jechał traktorem ogrodowym John Deere przez 240 mil, aby zadośćuczynić swojemu bratu, który miał udar. Zanim pospiesznie przewiniesz w dół, myśląc „W jaki sposób starzec jadący na kosiarce 200 mil może prowadzić do dobrego kina?”, Pozwólcie, że was zatrzymam i powiem, że właśnie na tym polega nietypowa błyskotliwość „Prostej historii”.

Tak, prawdopodobnie na początku podróży Alvina nie zawracasz sobie głowy spojrzeniem poza staruszka jadącego wolno, ale jako piękny wiejski krajobraz, łagodna ścieżka dźwiękowa, spotkania z mieszanką dziwacznych i życzliwych nieznajomych po drodze (niektórzy tak miły, nie uwierzyłbyś, że są prawdziwi, gdybyś nie wiedział, że to prawdziwa historia), a co najważniejsze, przeszłość Alvina sama się ujawnia, film zamienia się w intymny romans i prawie zaczynasz kibicować Prostemu, gdy dociera do jego Miejsce docelowe. Dialogi, choć nigdy nie graniczą z filozofią, pozostawiają trwały ślad. A prosty, piękny i niezbyt sentymentalny sposób, w jaki to się kończy, jest chwytliwy. „Prosta historia” rośnie na tobie.

5. Klub śniadaniowy (1985)

Kto by pomyślał, że jeden z najbardziej znanych filmów o dorastaniu wszechczasów rozgrywa się tylko przez jeden dzień w szkole? 5 nastolatków z 5 klik licealnych w jednym areszcie. To cała fabuła `` The Breakfast Club '', ale to ciepłe, wnikliwe spojrzenie na zepsute życie wszystkich nastolatków, może to być królowa piękności, mól książkowy, sportowiec, wyrzutek lub buntownik, na 80s klasyczny.

Głównym tematem filmu jest nieustanna walka nastolatka o zrozumienie, zarówno przez dorosłych, jak i przez siebie. Bada presję wywieraną na nastolatków, aby dopasować się do ich własnych sfer społecznych konstrukcji w liceum, a także wzniosłe oczekiwania ich rodziców, nauczycieli i innych autorytetów. Z pozoru uczniowie mają ze sobą niewiele wspólnego. Jednak wraz z upływem dnia i przełamywaniem oczywistych stereotypów, bohaterowie wczuwają się w wzajemne zmagania, odrzucają niektóre nieścisłości ich pierwszych wrażeń i odkrywają, że są bardziej podobne niż różne, pozostawiając widza z niewyraźnym , dobre samopoczucie i inne spojrzenie na typy do zabrania do domu.

4. Dazed and Confused (1993)

Linklater na drugim roku 'Oszołomiony i zmieszany' co w latach 70 George Lucas „American Graffiti” dla lat 60., „The Breakfast Club” Johna Hughesa dla lat 80-tych, a „The Perks of Being A Wallflower” dla lat 2000 - to trafne przedstawienie nastoletniej psychiki. Ale żadnemu z nich nie udaje się być tak uderzającym jak „Dazed and Confused”. Film opowiada o grupie liceum nastolatki (i Matthew McConaughey ) w ciągu nocnego wpisu ostatniego dnia liceum w Teksasie w 1976 roku.

Chociaż „Dazed and Confused” nie jest tak strukturalnie niejednoznaczne jak „Slacker”, krąży z miejsca na miejsce, jakby kamera była osobą spędzającą czas z nastolatkami, zabierając widza ze sobą. Dzięki dokładnemu przedstawieniu rytuałów w liceum, za które każdy Amerykanin, który chodził do szkoły w latach 70. ręczyłby (jeśli wierzyć IMDB), doskonały zespół obsady, z których wielu jest teraz gwiazdami, cytuje do tej pory jednowierszowy McConaughey (W porządku , W porządku, w porządku!) I zabójczo rockową ścieżkę dźwiękową, która przyniosłaby miłośnikom klasycznego rocka z lat 70. fangazm (mogę za to ręczyć!), „Dazed and Confused” to kolejny spostrzegawczy klejnot Linklatera.

3. Drzewo życia (2011)

„W 2011 r., Kiedy 'Drzewo życia' po raz pierwszy miał swoją premierę na festiwalu w Cannes, podzielił publiczność pośrodku. Niektórzy nazywali to arcydziełem, podczas gdy inni określali go jako nadmiernie pobłażliwy eksperyment. Ale wkrótce piękno filmu zyskało ogromne uznanie. Zwycięzca Palme D’Or w Cannes. Jeden z zaledwie trzech filmów XXI wieku, który znalazł się na liście Top 150 Lista „Wzrok i dźwięk” najlepszych filmów wszechczasów . Umieszczony na liście legendarnego krytyka Rogera Eberta 10 najlepszych filmów wszechczasów . Ten film osiągnął to wszystko. Powodem tego jest to, że „Drzewo Życia”, podobnie jak dobre wino, poprawia się wraz z wiekiem. Każde ponowne obejrzenie wywołuje nowe spojrzenie na ten temat.

Drzewo życia zagłębia się w umysł Jacka O'Briena ( Sean Penn ), architekt z Houston, zastanawiający się nad swoim dzieciństwem w Waco, przeplatany surrealistycznymi obrazami pochodzenia życia, które są tak sugestywne, jak tylko może być poezja wizualna. A poprzez fragmenty wspomnień kochającej i troskliwej matki Jacka, jego dyscyplinującego ojca i rozwoju jego młodszego brata, dyrektora Terrence Malick przenosi nas do naszego własnego nostalgicznego raju. To proste wspomnienie dodatkowo wzmacnia Malick, który (wraz ze swoim niesamowitym operatorem Emmaneulem Lubezkim) bada pochodzenie wszechświata, ewolucję ludzi, a nawet wizję boga w żywy, pełen wyobraźni sposób. W rzeczywistości każda klatka „Drzewa życia” jest tak skrupulatnie wykonana, że ​​można wstrzymać dowolną scenę i zawiesić tę ramkę na ścianie. A nie ugrzęznąć w konwencjonalnej fabule było arcydziełem Malicka.

2. Przed zachodem słońca (2003)

Richard Linklater, podobnie jak nasz poprzedni wpis, wydaje się po prostu polepszać z wiekiem. A chronologiczne umiejscowienie jego trzech wpisów na tej liście jest trafnym dowodem. Po zrobieniu dwóch kultowych klasyków, o których mówiliśmy wcześniej, Linklater zapoczątkował trójkę filmów, które na nowo zdefiniowały sposób pokazywania romansów w kinie. 'Przed zachodem słońca' jest drugą i powszechnie uważaną za najlepszą z tej mistrzowskiej trylogii.

Akcja „Przed zachodem słońca” rozgrywa się dziewięć lat po wydarzeniach z „Przed wschodem słońca” (który sam w sobie miał angażujący dialog jako centralny punkt i dlatego był trudny do zdobycia). Ethan Hawke ) i Celine (Julie Delpy), które mają tylko godzinę na rozmowę o swoim życiu od tamtej nocy dziewięć lat temu. Są teraz starsi i mądrzejsi, co w jakiś sposób pogłębia ich rozmowę, a Linklater nadaje subtelne znaczenie nawet otaczającej ich scenerii. Hawke i Delpy również prześcigają ich samych, bez wysiłku niosąc intymny ton rozmów, być może podbudowani faktem, że są współautorami dialogu. Tak więc ta godzina rozmowa pokazany w czasie rzeczywistym jest tak wciągający, jak każdy gruboskórny thriller miałby nadzieję być.

1. 12 Angry Men (1957)

Wyobraź sobie film nakręcony prawie w całości w ograniczonej sali sądowej, bez wymienianych nazwisk do i wymieniających rozmowę na samym końcu, a tylko 12 mężczyzn spiera się, czy uniewinnić lub skazać oskarżonego (zwanego „chłopcem”). Większość z nas nie będzie zachwycona, zanim to obejrzy. Ale „12 Angry Men” wzmacnia swój iloraz dramaturgii od samego początku, na zawsze utrzymując widza w zderzeniu osobowości.

To, co zaczyna się jako jawna i zamknięta sprawa morderstwa, wkrótce staje się kryminałem, który przedstawia szereg wskazówek budzących wątpliwości i mini-dramat przedstawiający uprzedzenia i uprzedzenia każdego z jurorów na temat procesu, oskarżonego i siebie nawzajem. . I chociaż sceneria nigdy nie opuszcza sali sądowej, walka z surowymi ludzkimi emocjami sprawia, że ​​jest to czarujący thriller. A najlepsze występy aktorskie wszystkich zaangażowanych osób też nie zaszkodzą. „12 Angry Men” to ikona dramat sądowy który działa cuda, nawet nie mając sekwencji fabularnej, co daje mu zasłużone miejsce w zenicie tej listy.