7 najlepszych animowanych filmów poklatkowych wszech czasów

Animacja poklatkowa w świecie błyszczącej grafiki 3D CGI jest niczym innym jak stwierdzeniem — o kinowej podróży, która preferuje wolną, długą trasę i ręcznie zaaranżowaną ścieżkę marionetek, gliny, drewna, tkaniny, ponad to komputera. Od Brothers Quay po czeską szkołę, Tima Burtona i Henry'ego Selicka, wszyscy mamy swoich faworytów. Oto lista najlepszych filmów animowanych poklatkowych, niektóre klasyczne adaptacje i inne niejasne indie, które sprawiają, że umysł dziwi się możliwościami tej techniki. Możesz oglądać niektóre z tych najlepszych filmów animowanych poklatkowych na Netflix, Hulu lub Amazon Prime.

1. Alicja (1988; czeski)

Każda taka lista jest chybiona, jeśli nie zaczyna się od tego kultowego faworyta. Książki Lewisa Carrolla Alice są powszechnie uważane za klasyczne bajki dla dzieci dla dorosłych i zostały skrócone i zredagowane jako literatura dla dzieci, tworząc animowane adaptacje (Disney) i dziwaczne transkreacje z motywami dla dorosłych (Tim Burton, James Bobin). Jednak surrealistyczne wykorzystanie przez Svankmajera poklatkowych akcji na żywo i animacji stworzyło mroczną fantazję na temat historii Carrolla, którą w większości interpretowano jako bajkę, ku rozczarowaniu reżysera, który czyta ją bardziej jako „amoralny sen”. Tutaj nie mamy płynnych, animowanych sekwencji, ale szarpane, przyspieszone, choć całość ma swoistą płynność. Efekt oglądania powtarzającego się wzrostu i kurczenia się Alice nie jest zabawny, ale na przemian klaustrofobiczny i onieśmielający. Zwierzęta nie są słodkie ani chętne, ale gryzą, atakują, grożą.

Stworzenia zamieszkujące tę Krainę Czarów są irytująco niekompletne, niecałe i prymitywne: wypchany Biały Królik zrobiony z cieknących trocin, Szalony Kapelusznik to marionetka popijająca herbatę, która sączy się z jego pustych wnętrzności, oczka Marcowego Zająca wciąż wyskakują i kto musi być zwinięty, oraz jednowymiarowe postacie z Kart. Dodaj szuflady, które nie otwierają się za pomocą gałek, smakołyki, które wypuszczają szpilki, szkielety zwierząt, gąsienice-pacynki i dziewczynę skurczoną do lalki i wysadzoną w kukłę, a masz coś z prawdziwych snów, a raczej koszmarów, jeden gdzie ożywają zwykłe przedmioty codziennego użytku. Najskuteczniej film wykorzystuje bardzo mało dialogów, a to, co robi, jest powtarzalne i złożone z prostych linii, z Alicją czytającą fragmenty historii. Żadnych bujnych ogrodów i brzegów jezior, to otoczenie nieużytków, zrujnowanych domów i przerażających alejek. Ale jakich innych snów można się spodziewać po jasnowłosej, niebieskookiej dziewczynie, która spędza czas rzucając kamieniami do filiżanek? Taka też może być animacja — niepokojąca i niesamowita. Rzeczywiście, komentatorzy wyczytali w filmie silne gotyckie nurty i tropy. Zwróć uwagę na jej ostatnią linijkę w tym nawiedzonym filmie. I drżyj na jego implikacje!

2. Mary i Max (2009; Australijczyk)

Jednym z moich absolutnych faworytów wszechczasów, wyposażonym w bardzo satysfakcjonującą dotykową technikę claymation (animacja postaci z gliny), która jest zarówno czasochłonna, jak i droga, jest ten niezależny cud. Film opowiada o zapierających dech w piersiach, odświeżających przyjaźniach między dziwakami. Opowiada o zdrowiu psychicznym — od znęcania się w dzieciństwie i niskiej samooceny po bardziej dorosłe i wyniszczające stany, takie jak depresja, zespół Aspergera, agorafobia. Mary Daisy Dinkle, nękana, pozbawiona przyjaciół ośmioletnia Australijka, dorastająca z niezbyt idealnymi rodzicami, zostaje korespondencyjną koleżanką z samotnym, otyłym czterdziestoczteroletnim Aspie Maxem Jerrym Horowitzem w Ameryce. dekada wymiany listów, czekoladek i nawiązywania więzi w Nobblets, ponieważ każdy z nich znajduje wsparcie w towarzystwie drugiego, a ich losy zmieniają się w świecie, który ich wprowadza w zakłopotanie. Nie jest to jednak łatwa przyjaźń, ponieważ wymaga znacznych zmian i generuje niepokój, rozczarowanie, poczucie winy i przebaczenie.

Niezdarna i ujmująca, ta masywna technika gliny nigdy nie była lepiej wykorzystana niż ta istna oda do dziwactw i niedoskonałości naszego wadliwego człowieczeństwa, pomagająca nam zaakceptować nasze „niepełnosprawności” poprzez tworzenie znaczących relacji podczas naszych emocjonalnych podróży. Zapierające dech w piersiach szczegóły uchwycone przez zadziwiającą gamę scenografii, chwiejnych lalek i rekwizytów, wyczarowują czarujący świat animowany ujmująco realnymi ludźmi, zwierzętami i problemami, a wszystko to z dużą dozą humoru. Niezachwiany wgląd w niewidzialnych przyjaciół, kleptomanię, uzależnienie od alkoholu, napady paniki, trudne seksualności, złamane serca i skłonności samobójcze, to także słoneczny film pełen śmiechu, nadziei i miłości własnej. Czy jest lepsze przesłanie nadziei niż gdy słyszy się, jak Max mówi: „Nie możesz wybrać swoich brodawek, ale możesz wybrać swoich przyjaciół”. Elliot już wcześniej zapuszczał się w „clayography” zdrowia psychicznego (biografia gliny) poprzez swoje filmy krótkometrażowe, nagrodzony Oscarem Harvie Krumpet i krótszą trylogię „Wujek, kuzyn i brat”.

3. Poszukiwani 18 (2014; palestyńsko-kanadyjskie)

Ten niezwykły dokumentalny „mooovie”, który zawiera wywiady, materiały archiwalne, rysunki kreskówek, rekonstrukcje i gliny, opowiada o Palestynie, Izraelu i pierwszej Intifadzie, w wyznaczonym przez siebie skrzyżowaniu Farmy Zwierząt i Walca z Bashirem. W 1987 r. palestyńskie miasto Beit Sahour, wspierając powstanie przeciwko izraelskiej okupacji Zachodniego Brzegu i Strefy Gazy, rozpoczyna pokojowy opór obywatelskiego nieposłuszeństwa wobec Izraela poprzez tworzenie różnych komitetów sąsiedzkich, które proponują i wdrażają strategie o samowystarczalność gospodarczą Palestyny, w celu uzyskania jej ostatecznej niezależności politycznej. Jedną z takich zasad jest kupowanie osiemnastu krów, dotychczas egzotycznych dla tego obszaru, od sympatycznego kibucu w celu produkcji mleka i założenia małej farmy mlecznej. Krowy przynoszą falę radosnej nadziei i marzeń o wyzwoleniu do zwartej społeczności palestyńskiej, która znajduje pomysłowe sposoby na bunt i przeciwstawianie się izraelskim potęgom, które chcą je podporządkować i uzależnić, tutaj poprzez import mleka.

Izraelski gubernator wojskowy, wcześniej lekceważący drobną sprawę garstki krów, szybko popada w paranoję na punkcie mleka Intifady i oświadcza, że ​​obecność krów jest niebezpieczna dla bezpieczeństwa państwa Izrael. Poniżej znajduje się równie zabawna i bolesna podróż, w której „poszukiwane” krowy są ukrywane, przenoszone, poszukiwane przez helikoptery i poszukiwane w jaskiniach, podczas gdy los całej społeczności wisi na włosku, nawet gdy przywódcy państw spotykają się i podpisywane są umowy . Uważaj na czterech głównych bohaterów krów, którzy mają własne imiona, odrębne osobowości i poglądy polityczne. Widzimy część narracji poprzez ich szeroko otwarte bydlęce zachwyty nad długimi i męczącymi podróżami, które podejmują, ich przygodami i nieszczęściami (Jesteśmy martwym mięsem!) oraz snami i koszmarami, które inspirują.

Ożywiona narracja krów pozwala na nasycenie bolesnych wspomnień pamięci hojnymi domieszkami humoru, a przez wyeksponowanie krów posępne, tragiczne sprawy polityczne są przedstawiane w różnych perspektywach – absurdalnych, prężnych, twórczych, a przede wszystkim bardzo humanitarny. Komentarz na temat pokojowego oporu ze strony pacyfistycznych „lakaktywistów” zostaje tu wyniesiony na międzynarodowe światło w sytuacji, gdy Cowana i Shomali nie relacjonują tego w mediach głównego nurtu, przy czym historia rodziny tego ostatniego jest powiązana z tym ważnym historycznym przypisem. Shomali, artysta, animator i filmowiec, który dorastał w syryjskim obozie dla uchodźców z ideą Palestyny ​​jako bardziej niebiańskiego krajobrazu umysłowego niż fizycznego miejsca, mówi, że wierzę, że naród, który nie potrafi śmiać się z własnych ran, nigdy nie będzie w stanie ich uleczyć.

4. Skały w moich kieszeniach (2014; łotewski i amerykański)

Podobnie jak Mary i Max, ten film również zagłębia się w problem ze zdrowiem psychicznym – pięć „obiecujących” kobiet z rodziny reżysera, jej babcia, jej troje kuzynów i ona sama, walczy z chroniczną depresją lub ulega jej. Ten zabawny film o depresji zaczyna się przejmującym opisem nieudanej próby samobójczej babci Baumane, Anny kilkadziesiąt lat temu, i przechodzi do rzeczowych i skandalicznie zabawnych rad reżysera-narratorki dla nieżyjącej już Anny na temat udanego samobójstwa. Skały służą tu jako tropy i metafory, przywołujące na myśl mit Syzyfa wpychającego głaz na górę tylko po to, by staczał się z powrotem, oraz skały, które dosłownie lub w przenośni obciążają depresję i śmierć.

Po drodze mamy do czynienia z skompresowaną historią dwudziestowiecznej Łotwy i zapraszamy do obejrzenia narracji pięciu zorientowanych artystycznie i intelektualnie kobiet, z których cztery ulegają kojącym, mrocznym fantazjom o uwolnieniu, nie mogąc poradzić sobie z niespokojnymi marzeniami i zawiedzione nadzieje. Pule genów i tajemnice rodzinne łączą te kobiety, gdy starają się przystosować do macierzyństwa i życia rodzinnego we własnych kontekstach i czasach. Śmierć Anny, dobrze strzeżona i ignorowana tajemnica, jest obsesją, której Baumane nie chce puścić, ponieważ zrozumienie historii babci wydaje się być kluczem do jej własnego przetrwania. Każda kobieta jest inna, ze swoimi własnymi demonami i aniołami, a jednak każda jest ofiarą jej biologicznych skłonności i uwarunkowań kulturowych, które zagrażają jej uduszeniem. Te kobiety, które chciały być wolnymi i niezależnymi dorosłymi, w końcu podejmują poświęcenia, aby zadowolić ludzi, których kochają, kosztem swoich marzeń, co dla Signe jest ich prawdziwą wadą. Ale łączy ich również więź zrozumienia, ponieważ wydają się docierać do siebie nawzajem, poza śmiercią, pomagając i inspirując się nawzajem. Przypomina się tragiczny koniec artystów, takich jak Sylvia Plath i Virginia Woolf, i zachwyca się uczciwością i uczciwością, jaka została wykorzystana przy tworzeniu tego filmu, a także wspaniałym wykorzystaniem animacji w jego służbie (zwłaszcza metafory wizualnej). ).

Na przykład sekwencja, w której Baumane opowiada o depresji i myślach samobójczych, wyobraża ją sobie jako pusty balon z ostrymi jak brzytwa krawędziami, które rozcinają jej wnętrzności, a Anna trzepocze wokół niczym śliska ryba w objęciach męża; postacie są pokazane, jak powiększają się i kurczą, odzwierciedlając ich wewnętrzne zamieszanie. Ostatecznie film pokazuje, że droga do zdrowia psychicznego jest szalonym pędem, ponieważ Baumane porusza się po cienkiej linii między zdrowiem psychicznym a szaleństwem, pracując nad swoim życiem, swoją pracą w toku, jak artystka, którą naprawdę jest. Animacja zawiera ręcznie rysowane kręte kontury, maski z masy papierowej, poklatkowe i przedstawia lisy, niedźwiedzie i uwodzicielskie alter ego depresji, zające (Donnie Darko!) i żaby zastępujące ludzkie osobowości, dzieci przekształcające się w nici genów i bardzo wciągająca, animowana narracja samej Baumane. Słodko-gorzki i cynicznie zabawny, ten jednoosobowy wysiłek, który jest odważnie feministyczny, jest świadectwem wyrafinowanego opowiadania historii i potężnej komunikacji, które umożliwia animacja.

5. Moje życie jako cukinia (2016; Szwajcaria)

Filmy animowane dla dorosłych stają się pokrzepiająco normą, ale jest też kilka przekonujących wysiłków przeciwko uproszczeniu animacji dla dzieci. Ma Vie de Courgette (nazywany angielskim jako My Life as a Zucchini) to jeden z takich filmów z udziałem dzieci, który odważnie podejmuje problemy, przed którymi zwykle dzieci są chronione. Bohaterem jest dziewięcioletni chłopiec nazwany „Cukinią” przez matkę alkoholiczkę, który „odchodzi” w incydencie, za który czuje się odpowiedzialny. Zostaje wysłany do sierocińca, gdzie zmaga się z mrocznymi uczuciami samotności, porzucenia, zastraszania, a także podnoszącymi na duchu uczuciami przyjaźni i miłości. Jego interakcje z innymi dziećmi wprowadzają go w traumatyczne doświadczenia, takie jak wykorzystywanie seksualne, deportacja, narkomania i morderstwa, nawet jeśli czuje przynależność do tej dziwnej, pstrokatej grupy.

Opowieść jest ostatecznie o dzieciach, które walczą o zrozumienie dorosłego świata, w którym nie ma nikogo, kto by je kochał i który na przemian łamie serce i jest cierpko zabawny. Rzadki moment wesołości następuje, gdy dzieci próbują zrozumieć seksualność dorosłych. Ale te dzieci stają się również odporne i czerpią siłę ze swoich solidarności przeciwko manipulującym dorosłym i tworzą piękne więzi z opiekuńczymi, sympatycznymi. Ich odkupienie polega na odnalezieniu niekonwencjonalnych rodzin i uznaniu istnienia bezwarunkowej miłości, choćby w czyimś życiu. Za pomocą glinianych lalek film wykorzystuje poetyckie możliwości animacji i ukazuje zdumiewającą szczegółowość mimiki bohaterów, a zwłaszcza ich ogromnych, przejrzystych oczu, osadzonych w głowach wielokrotnie powiększonych, proporcjonalnie do resztą ciała i za pomocą gamy kolorystycznej o różnych konotacjach.

Subtelności, takie jak gra świateł na ścianie lub sama dotyk skurczonych małych glinianych ciał, malują „prawdziwy” obraz i pociągają za struny serca. Ten nagrodzony Oscarem film to kolejne triumfalne pióro w czapce Céline Sciamma, która dostosowała powieść Gillesa Parisa do scenariusza filmu i która wcześniej wyreżyserowała wspaniałe filmy o dojrzewaniu, takie jak „Dziewczyna” i „Chłopczyca”. Dzieci, czy to jako postacie, czy jako publiczność, są wyobrażane jako wrażliwe i inteligentne osoby, którymi są, a przejmująca historia rozwija się bez sentymentalizmu i autocenzury.

6. Pied Piper (1986; Czech)

Barta jest drugim Czechem na liście, a to niejasne dzieło, jeden z najbardziej ambitnych projektów animacji w Czechosłowacji lat 80., skrzyżowanie horroru z fantastyką, również nawiedza co najmniej. Opowieść jest upiorną adaptacją znanej opowieści ludowej o Pied Piper z Hameln. Tu jednak nie ma rozróżnienia między mieszkańcami miasta a szczurami, a dzieci nie są kozłami ofiarnymi. Pod względem technicznym Barta znakomicie wykorzystuje rzeźbione w drewnie tła i rzeźbione drewniane lalki, aby przywołać zarówno średniowieczną gotycką scenerię, jak i podkreślić dekadencką szorstkość Hamelinerów. Ktokolwiek wiedział, że drewno może być tym płynem! Mający obsesję na punkcie bicia pieniędzy, targowania się i oszukiwania, gromadzenia ich i wykorzystywania do kupowania lub wymuszania seksu od kobiet, mężczyźni są agresywni, żarłoczni i chciwi. Szczury (żywe!), które kradną jedzenie tak samo jak pieniądze i klejnoty i uciekają z powrotem do swoich tuneli, są przedłużeniem ludzi, a ludzie odwrotnie, przedłużeniem szczurów.

W przeciwieństwie do Mojego życia jako Zuchhini, tutaj ludzkie twarze, choć charakterystyczne, są skrócone, tak aby uwydatnić strój i elementy zewnętrzne, kosztem bardziej empatycznych rysów twarzy. Ale pośród tych wszystkich pozorów niektóre elementy są niepokojąco realne, jak sekwencje krwi, wino i mięso na stole i u rzeźnika. To sprawia, że ​​przemoc i obżarstwo są jeszcze bardziej namacalne. Ludzie, z kilkoma godnymi uwagi wyjątkami „dobrych”, mówią nieartykułowanymi i gardłowymi pomrukami, ślinotokami i wysokim bełkotem, co tylko potęguje poczucie niedorzeczności i pogardy. Szarości i brązy gnijącego krajobrazu na chwilę nabierają koloru, gdy Piper pozbywa się szczurów, ale wkrótce powraca do status quo, gdy obywatele wracają na swoje zepsute, moralnie zbankrutowane sposoby. Ale tutaj Piper ma więcej niż jeden powód, by szukać zemsty. Skrętem na końcu opowieści jest mrocznie zabawna poetycka sprawiedliwość, której nigdy nie wyobrażaliśmy sobie, że możemy się rozkoszować w głównej wersji opowieści.

Całościowe wrażenie to mieszanka kubizmu i ekspresjonistycznych horrorów z początku XX wieku, triumf groteski i nadmiaru wizualnego. Bonus: trochę złowrogiej melodii fletu towarzyszącej Piperowi w stylu Guya Fawkesa, a później gitara elektroniczna oznaczająca gniew Pipera. Prawdziwy przedmiot kolekcjonerski.

7. Herbata z krwi i czerwony sznurek (2006; amerykański)

Prawdopodobnie najdziwniejszy film, jaki kiedykolwiek oglądałem, ten niejasny klejnot nakręcony na 16 mm przypomina Švankmajera i trwał ponad dekadę (Cegavske wspomina tutaj o innych wpływach). Został opisany jako sen gorączkowy Davida Lyncheana na terenie Beatrix Potter, cierpliwie surrealistyczny i niechlujny sprzeciw wobec cyfrowej uprzejmości i wybryków celebrytów z epoki Pixara. Używanie słów „dziwaczny” i „makabryczny” byłoby niewystarczające dla tego filmu, który rozwija się jak wiersz i trzeba go raczej przeżyć niż zrozumieć. To rozdzierająco wolne tempo, gotyckie motywy i niewytłumaczalny progres narracji ma posmak artystycznej wrażliwości, ale żeby to nie zabrzmiało zniechęcająco, pozwólcie, że pospiesz się, aby dodać magiczne terminy: „bajka”, „dorosły” i „amoralny”.

To „Alice’s Rosencratz”, gdzie historia przypominająca Alicję jest opowiadana z punktu widzenia leśnych stworzeń, które dosłownie ją ciągną. Kilka wskazówek dla tych, którzy zmagają się z narracyjną ramą filmu, można znaleźć tutaj. Naśladuje zarówno niesamowitość snu, jak i jego absorbującą gamę szczegółów, które w jakiś sposób łączą tę historię poprzez uderzające sekwencje, takie jak arystokratyczne białe myszy w elżbietańskim stroju, popijające krwawą herbatę, grające w karty z pustymi kartami, pieszczące martwą lalkę wcześniej nadziewane jajkiem. Aby dodać atmosferę, wspomnę o pułapkach na rośliny, halucynogennych jagodach i pająkach przędących pajęczyny z czerwonych sznurków, hybrydach krukowatych i rodzących lalkach. Właśnie wtedy, gdy brutalne obrazy grożą przytłoczeniem, widzimy mądre żaby i przejażdżki żółwiem i zaczynamy kwestionować intencje nieodgadnionych, niejednoznacznych postaci i kwestionować nasze interpretacje. Animacja jest zdumiewająca, zarówno jako nostalgiczny hołd złożony starszym formom ręcznie robionego, „antycznego” filmu poklatkowego, jak i sama oryginalność i wyobraźnia tego przedsięwzięcia jednej kobiety.

Moimi osobistymi faworytami było użycie plastiku w obrazach wody i ognia, które tak skutecznie uchwyciły niezwykle sugestywny potencjał tego filmu. Brak dialogów rekompensuje umiejętna praca kamery i niezbyt natrętna muzyka. Pomijając symbolizm, alegorie i komentarze społeczne (wciąż się nad nimi kręcę), to ujęcie pop-upu dla dzieci, to czysta uczta wizualno-dźwiękowa. Czuje się prawie jak tępy intruz w krainie faerie. Kolejna, druga w planowanej trylogii Cegavske, ma być gotowa do 2022 roku!

Wyróżnienia: Nie na liście, ponieważ są bardziej popularnymi faworytami, z którymi można się już spotkać, ale mimo wszystko imponujące są idiosynkratyczne adaptacje książki Roalda Dahla, Fantastic Mr Fox (2009) Wesa Andersena i przerażająca adaptacja powieści Neila Gaimana autorstwa Henry'ego Selicka. , Koralina (2009). Mało znane, ale godne wzmianki są: Sen nocy letniej Jirí Trnki (1959), Jedna noc w mieście Jana Baleja (2007) i Polowanie na węża Saranne Bensusan (2015). Odhaczając filmy z tej listy, szukaj także Mathildy Corkscrew i The Isle of Dogs wydanych w przyszłym roku. Miłego oglądania w tym okresie świątecznym!