Requiem na zakończenie snu, wyjaśnione

Znasz rodzaje filmów, które kochasz i podziwiasz tak bardzo, że musisz do nich ciągle wracać, i uwielbiasz to robić, tylko po to, aby odtworzyć to, co poczułeś za pierwszym razem? Dobrze, ' Requiem dla snu ”Z pewnością NIE jest jednym z tych filmów. W rzeczywistości znajduje się na drugim końcu tego spektrum. Wiele lat temu, gdy tylko skończyłem oglądanie tego stu minutowego filmu, obiecałem sobie, że nigdy do niego nie wrócę, taki był niszczycielski wpływ na młodszego mnie. Ale oto jestem. Teraz, kilka lat później, przejrzałem to ponownie ze względu na to wyjaśnienie i wpływ jest taki sam. Choć wciąż jestem zdruzgotany końcem filmu po ponownym obejrzeniu, nie chcę w agonii przeglądać fabuły filmu. Poświęcę jednak tylko chwilę, aby rozwinąć tytuł filmu, coś, co niewątpliwie najpierw przyciągnęło mnie do filmu, zanim przejdę do tradycyjnych aspektów wyjaśniacza. Czytaj.

Znaczenie słowa „Requiem” dla snu

Rozpoczynanie od definicji słownikowych jest raczej tradycyjne i złowieszcze, ale zrobię to niezależnie od tego. Słowo to, oprócz swoich katolickich skłonności, zwykle oznacza pamięć, fizyczną (żetony lub totemy) i niefizyczną (akty). Teraz idealnie pasowałoby to do naszego kwartetu głównych bohaterów, ponieważ mimo swoich wad, wciąż mają marzenia. Dla Marion to zostać projektantką lub otworzyć własny sklep. Dla Harry'ego i Tyrone'a oznaczałoby to awans w handlu narkotykami i poprawę ich sytuacji finansowej. Sen Sary, być może najbardziej krótkowzroczny z całej czwórki, został przez nią dość głośno opisany jako występujący w programie telewizyjnym, oglądany i kochany przez miliony podczas ponownego spotkania z synem.

Ta czwórka początkowo wydaje się robić dobre postępy w realizacji swoich marzeń, bez względu na sposób, dopóki ich nałogi nie zmuszają rzeczy do załamania się. Jest to cena, jaką płacą za swoje marzenia, krótkotrwała satysfakcja, która prowadzi do nieodwracalnego zniszczenia ich życia w pogoni za tym marzeniem. Requiem dla ich marzeń.

Wyjaśnienie zakończenia

Dosłowne zakończenie filmu zaczyna się zaraz po rozpoczęciu „Zimy” w filmie, metaforyczny koniec. Przejście uderza prawie jak młot, gdy Sara doświadcza przerażającej halucynacji w swoim domu i postanawia pobiec do biura Malin i Blocka, aby dowiedzieć się, dlaczego nie została jeszcze wezwana do programu. W tym momencie jest najczęściej widziana w stanie demencji z siwiejącymi od korzeni włosami, a jej zachowanie jako takie w agencji powoduje, że trafia do szpitala psychiatrycznego, gdzie po przymusowych sesjach karmienia doustnego i nosowego poddawana jest działaniu elektrowstrząsów. terapia, gdy powyższe zawiodą, nawet wtedy, gdy podpisuje na nią zgodę w stanie wegetacji.

W drodze do Miami, aby samemu zabezpieczyć się przed dilerem Tyrone'em, stan zainfekowanej ręki Harry'ego pogarsza się, mimo że nadal wbija w nią igłę. Tyrone później zabiera go do szpitala, gdzie lekarz dzwoni na policję i skazuje ich na podejrzenie uzależnienia i po zbadaniu ramienia Harry'ego. Z drugiej strony Marion nadal prostytuuje się dla Big Tim i dostaje jeszcze więcej narkotyków, im bardziej oddaje się sprośnym czynnościom, nawet biorąc udział w pokazie seksualnym.

Los cierpienia kwartetu ujawnia się w stosunkowo rozluźnionych fragmentach po piętnastu minutach absolutnego szaleństwa, które miały miejsce przed nim. Podczas gdy Tyrone nadal pracuje w więzieniu, będąc maltretowanym na tle rasowym i znosząc poważne wycofania, zakażone ramię Harry'ego musi zostać amputowane, ponieważ jego stan pogarsza się w więzieniu. Jest widziany jak lamentuje, płacząc w niekontrolowany sposób na szpitalnym łóżku. Marion wraca do domu z serialu Big Tim’s z dużą partyturą i kładzie się na sofie, tuż obok kilku kopii swoich projektów ubrań, które wykonywała, co jest bolesną ironią krzyczącą w tej scenie. Wreszcie, co jest najbardziej bolesne, Sara jest prawie lobotomizowana w wyniku ECT na niej i nie wydaje się rozpoznawać swoich przyjaciół, którzy odwiedzają ją, a później załamuje się, widząc ją w takim stanie. Cztery postacie są pokazane zwinięte na łóżkach jak płody, gdy film zbliża się do tragiczny blisko.

W ramach aktu finałowego film ma dwie surrealistyczne sekwencje z udziałem duetu matka syn. W pierwszym, tuż przed ujawnieniem kłopotów Harry'ego z amputowaną ręką, jest on pokazany w tej samej sekwencji, w której on jest na molo z przeszkodami z wcześniejszej części filmu, zbliżając się do jego końca, gdzie ma stać Marion, ale jeszcze nie objawiona kobieta wydaje się być zwrócona do niego plecami. Znika w chwili, gdy Harry gorączkowo podchodzi do niej, wołając imię Marion, i gdy się wycofuje, spada w metaforyczną otchłań; wizualna reprezentacja jego nieuchwytnego snu i jego nieszczęsnego końca.

Druga sekwencja to rodzaj fantazji o spełnieniu marzeń dla Sary, która z łoża swojej psychiatrii marzy o zdobyciu głównej nagrody w programie, do którego zawsze chciała pójść. Ma na sobie czerwoną sukienkę i wygląda tak cienko, jak sobie tego życzyła, gdy ponownie łączy się z trzeźwym, zreformowanym i odnoszącym sukcesy Harrym. Obaj uściskają się w dość stosowny ironiczny koniec, jako nieme kredyty dla rolki filmu. Cisza jest następnie przeplatana odgłosami mew i fal, implikując scenę plaży, ale wizualizacje nigdy nie są prezentowane. Lubię nazywać to dźwiękiem „co mogło być”. Niewiele pozostaje wyobraźni.

Motywy, wyjaśnione

Nazwanie tego filmu po prostu filmem „antynarkotykowym”, który bada mroczny świat uzależnień i nadużywania substancji, byłoby po prostu podważeniem tego. Znowu mogę wychodzić tutaj na kończynę, ale mocno wierzę, że to wszystko i więcej. Raczej głęboka analiza charakteru Sary Goldfarb Ellen Burstyn i niepokojący wniosek powinien naprawdę udowodnić to, co próbuję powiedzieć. Jest jedyną postacią z całej czwórki w filmie, która nie jest uzależniona od heroiny ani żadnego z tradycyjnie uzależniających narkotyków, jeśli mam tak je nazwać. Technicznie rzecz biorąc, jest uzależniona od amfetamin pochodzących ze spożywania tabletek odchudzających, które prowadzą do utraty apetytu na nią, co skutkuje halucynacjami i nieodwracalnym uszkodzeniem jej ciała, ale można owocnie argumentować, że nie wiedziała, od czego jest uzależniona do, jej ciało.

Mówiąc metaforycznie, Sarę można odpowiednio nazwać uzależnioną od nowo odkrytej uwagi i osobowości, które stają się jej atrybutami, gdy zaczyna tracić na wadze, co nasyca ją poczuciem pewności siebie, które straciła dawno temu, oraz popularnością wśród jej średniego wieku. przyjaciół, zanim szybko zaczęła eskalować w jej chęci życia, wstawania z łóżka, wynikającej z samotnego życia na starość i przygnębienia ze strony syna. To uzależnienie, oczywiście, przybiera potworne proporcje, gdy jej halucynacje pogarszają się, a czekanie na list, który nigdy nie nadejdzie, zwiększa jej chęć zażywania większej ilości tabletek.

Poprzez wyodrębniony łuk postaci Sary, Aronofsky naprawdę błaga widza, by zakwestionował samą podstawę uzależnienia: co to jest i co go powoduje. Na przykład każdy, kto codziennie spożywa cukier, jest od niego prawie uzależniony, co można zobaczyć, gdy ostrożnie zaczynasz się od niego wycofywać. Ale czy można to nazwać lekiem? Niekoniecznie. Narkotykiem Sary jest czerwona sukienka, w którą chce się dopasować, reality show, w którym chce uczestniczyć. Nieosiągalny sen, to on na początku daje jej energię, dając jej poczucie celu, a dopiero później zaczyna przejmować kontrolę, zanim całkowicie ją zniszczy. Pod tym względem uzależnienie niekoniecznie musi dotyczyć substancji, co jest sugestywne. To wszystko jest oczywiście przeze mnie dość poetyckie, nawet pobłażliwe, ale film skierował mnie w stronę tych myśli.

Film jest również rutynowo zaliczany do gatunku tragedii psychologicznej, tytuł pasujący do większości innych dzieł Aronofsky'ego. Chociaż z pewnością zobaczymy, jak „Requiem” radzi sobie, jeśli chodzi o poprzedni gatunek filmowy, uważnie zastanawiając się nad psychiką każdej postaci, ten drugi z dwóch połączonych gatunków nie powinien w ogóle podlegać dyskusji. To film tragiczny, bez wątpienia, taki, który działa niezależnie od tego, czy jesteś w stanie odnosić się do bohaterów filmu, czy nie, a nawet lubić ich lub dbać o nich, coś, co moim zdaniem jest raczej stenograficzne, ponieważ około 60% jego 100-minutowy czas działania to okres, w którym narkotyki i ich niekorzystne skutki już zadziałały i przejęły życie naszych czterech bohaterów. Aronofsky udowadnia to poprzez wizualizacje, bezlitosne i bezkompromisowe, jak wkręcanie śruby z komunikatem w głowie.

Subtelność jest całkowicie poza oknem, szczególnie w ostatnich trzydziestu minutach. Uważam, że szczególnie niemożliwe jest nie wzdrygnąć się, widząc, jak ktoś przechodzi przez to, co te cztery postacie, zwłaszcza Harry i Sara, znoszą, zanim spotkają swój smutny los pod koniec filmu. Na tym właśnie polega siła wizualizacji, bez względu na to, jak wyraźne lub niepokojące. Nie ma znaczenia, czy dbasz o postacie, czy nie, wiadomość, jeśli jest inna niż tragedia, idzie z tobą do domu.

Wybory stylistyczne

Nie myliłbym się, określając, że mniej więcej połowa triumfu tego filmu to jego techniczny chaos. Celowo powstrzymałem się od używania słowa finezja na określenie „techniczne”, ponieważ zgodzilibyście się, że to nie jest w porządku i nie powinno tak być. Coś w rodzaju „Grand Budapest Hotel” jest technicznie „w porządku”: bujne i bogate w ruchy. `` Requiem for a Dream '' jest niechlujne, pospieszne, klaustrofobiczne i niewygodne ujęcia, wyjątkowo pozbawione praktycznie każdego pojedynczego ujęcia szerokokątnego: rzeczy, które można by się zastanawiać, jakie dokładnie powinny być znaki towarowe filmu o złym działaniu narkotyków i nie tylko, i myśl Ty, oglądając film, zapamiętujesz tę myśl, kolejny dowód na to, że to działa.

Nawet jeśli obejrzysz film bez bystrego oka, zauważysz mnóstwo technik kamerowych, które są testowane i wprowadzane w życie, w tym między innymi upływ czasu, ekstremalne zbliżenia, podzielony ekran dla bardziej osobistych interakcji, ryby soczewka oka, aby wywołać poczucie klaustrofobii, a aparat Snorricam z paskiem, aby dodać pilności niektórym scenom, to tylko kilka z nich.

Nie myliłbym się również, zgadując, że ludzie, którzy mieli najwięcej trudności z kręceniem filmu Aronofsky'ego, to montażyści, a sama liczba ujęć tego filmu wyraźnie to potwierdza. Według źródła w przeciwieństwie do standardowego zakresu 600-700 ujęć dla zwykłego 100-minutowego filmu, „Requiem” ma blisko 2000 ujęć, które szybko przerywają jako montaże w sekwencjach, w których bohaterowie oddają się połykaniu tych narkotyków, parskając lub dożylnie, szybko przechodząc od stanu trzeźwości do wywołanej krótkotrwałej euforii. Technika ta jest często nazywana montażem hip-hopowym (możesz zobaczyć, skąd wzięła się jej nazwa) i jest skutecznie stosowana do stylistycznego portretowania postaci pod wpływem.

Szczególnie pod koniec sceny kończą się gwałtownie ucinaniem prawie co sekundę, aby połączyć kłopoty czterech głównych bohaterów; niektóre dźwięki też się nakładają. Wszystko to gra przy rażącym brzmieniu Clinta Mansella i przepięknie nawiedzonego tematu Kronos Quartet, jednej z moich ulubionych ścieżek dźwiękowych wszechczasów, wzmocnionej intensywnością i uderzeniami w porównaniu do początku filmu, odzwierciedlając pilność tych sekwencji. . Muszę przyznać, że miałem gardło w ustach, a dłoń przypadkowo zasłoniła oczy, oglądając ostatnie 15 minut filmu. Oni są przerażający.

To powiedziawszy, niezależnie od wyborów stylistycznych, jakich dokonuje Aronofsky, jest dość oczywiste, że jego zamierzonym wpływem była zwiększona personalizacja i wyobcowanie, próbując osobiście przyciągnąć nas do cierpienia postaci, pozwalając nam lepiej przyjrzeć się jej / jej stanie umysł. W wielu sekwencjach nawet kamera POV jest skutecznie wykorzystywana, abyśmy mogli zobaczyć wszystko, co widzi postać. Personalizacja prowadzi do zdania sobie sprawy z rozpaczy postaci uciekającej z nałogu, a czasem nawet próbującej postawić cię na swoim miejscu.

Dekodowanie Enigmy Behind Aronofsky

Mocno uważam, że umowa z kinem Darrena Aronofsky'ego jest taka, że ​​albo je kochasz, albo nienawidzisz. Nigdy, przenigdy nie widziałem kogoś, kto poczułby po prostu „eh” po obejrzeniu któregoś z jego filmów lub po obejrzeniu jednego z jego filmów, albo nie ustąpił miejsca temu, co o tym myśleli. Albo dogłębnie to analizują, albo całkowicie odrzucają to jako bzdury. Osobiście i na szczęście również znajduję się na pierwszym końcu: absolutnie uwielbiam to, co robi ten mężczyzna, czy to „Pi”, ten film, Fontanna, a zwłaszcza „Czarny łabędź”, jego najlepszy film w historii. moja opinia, po której następuje „ Requiem dla snu ”. Nawet w jego mniej lubianych filmach, takich jak „Noe” i „Matka”, trudno nie zauważyć poziomu rzemiosła i widocznej pracy w każdej klatce, którą nasyca cały film.

W tej sytuacji dość łatwo jest wskazać, co sprawia Aronofsky tak dzieli. Nawet jego przeciwnicy zgadzają się, że jego wybory stylistyczne są czymś, co mogą docenić nawet w jego najgorszych filmach; ale pewną powszechną skargą jest to, że często jest ich zbyt wiele, aby wspierać raczej cienką fabułę. Dodając do tego, absolutnie żadne z jego dzieł nie wydaje się być zdefiniowane w jednym gatunku, a wszystkie zawierają pewne fantastyczne, surrealistyczne elementy, poza rzadkim rozróżnieniem, że są emocjonalnie wyczerpujące i niszczące, `` Czarny łabędź '' i `` Requiem ''. będąc absolutnie doskonałymi przykładami. Nie da się zaprzeczyć, że nawet dla doceniającego jego filmy to za dużo pracy dla oczu, umysłu i uszu. Poza tym ich rewizja jest prawie zerowa, żeby nie rzucić ponurego cienia na mój dzień.

Najlepsze prace Aronofsky'ego, zarówno „Requiem”, jak i „Czarny łabędź”, mogą być seminariowo wzbogaconymi studiami psychologicznymi w najlepszym wydaniu, ale chłopcze, czy są ciemniejsze niż bezksiężycowa noc. Biorąc to wszystko pod uwagę, nie mam żadnych skrupułów, by nazwać go najbardziej wyjątkowym dyrektor dzielący współczesności i powiedziałbym, że raczej zasłużył na niełaskę i tytuł. Chociaż będą tacy fani jak ja, którzy będą bronić jego wizji w pewnych momentach, nawet przyjmą krytykę w pewnym momencie, jak w przypadku „ Matka ”, Powiedzmy, jest prawie uzasadnione, że ten człowiek i jego dzieło, które dzieli, przyciągną lekceważącą, często nienawistną publiczność.

Ostatnie słowo

„Requiem for a Dream” to być może Aronofsky praca najmniej powodująca podziały , definitywny z jego wczesnych lat, zdobywając większość swojej publiczności, a nawet przeciwników, pokazując brzydką prawdę z najmniejszą ilością subtelności, jaką można sobie wyobrazić. Jest mroczny, niezapomniany, a także w pewnym sensie niezapomniany, a wszystko to dzięki temu, jak wstrząsające jest to doświadczenie. Podczas gdy przesłanie przeciwko nadużywaniu substancji jest głośne i wyraźne i słychać je wiele kilometrów za wioską, „Requiem for a Dream” przez większość czasu jego trwania jest trudny do przebrnięcia, z racji samych efektów wizualnych i nieustającej intensywności tragedii, zwłaszcza w końcowych bitach. Mimo to polecę ten film przy pierwszej okazji, bo jestem od kiedy pierwszy raz go obejrzałem. Niezależnie od tego, czy w końcu kochasz, nienawidzisz, czy jesteś przez to absolutnie odpychany, musisz to obserwować, aby wyrobić sobie taką opinię, i sugeruję, abyś zrobił to od razu, jeśli jeszcze tego nie zrobiłeś.

Przeczytaj więcej w Wyjaśniacze: Niezniszczalny | Matka | Se7en